Hawkwind 1969-1975

Un artículo de Antonio Ramírez 

     Entre los muchos grupos que surgieron a finales de los 60, Hawkwind fue uno de los que se adelantaron a ciertos aspectos del punk de finales de los 70. Con una actitud inseparable de su música eran ajenos a la supuesta aureola de intelectualidad que a veces rodeaba el rock progresivo o experimental y nunca ocultaron que sus fuentes provenían de la cultura popular: comics, novelas de ciencia-ficción, el cine serie-B y el rock’n’roll en su sentido más salvaje y embriagador, es decir, el consabido estribillo de sexo, drogas y rock’n’roll pero visto a través de los ojos de un Galactus de Jack Kirby. 

     Este artículo versa sobre la historia y discografía de Hawkwind desde sus comienzos hasta la edición del Warriors On The Edge Of Time. Después salieron muchos discos de la banda o de proyectos paralelos relacionados con sus miembros, pero en mi opinión la etapa entre 1969 y 1975 fue irrepetible. 

    Todo comienza con Dave Brock, el indiscutible fundador y principal engranaje de Hawkwind en sus posteriores etapas. Sus inicios musicales datan de 1953, cuando recibe un banjo como regalo de un tío suyo. A finales de los 50 ha dejado sus estudios y se traslada al Soho de Londres para dedicarse a tocar en bandas acústicas de folk, blues y jazz al estilo Nueva Orleans, aunque en principio sin intención de hacer de ello una forma seria de ganarse la vida. En 1960 adquiere una guitarra eléctrica y sigue recorriendo los clubs nocturnos londinenses llegando a compartir escenario con muchos jóvenes músicos que después serían célebres, como es el caso de Eric Clapton. Después, tras un periodo de deambular como músico callejero, se une temporalmente a la Dharma Blues band con quienes graba cuatro temas, dos son versiones de clásicos del blues que terminan formando parte del segundo volumen recopilatorio Blues Anytime, editado en 1966 por Inmediate Records. Y además tocan como banda de apoyo para músicos de blues americanos que pasaban de gira por las islas. 

    A finales de 1966 Brock deja su puesto en Dharma Blues band aunque el resto de la formación sigue su camino sin él y llegarán a editar un disco. Después Brock forma parte del trío de folk/blues Famous Cure, junto a John Illingworth y Pette Jud. Con ellos gira por Holanda logrando cierta relevancia en los medios de ese país. Una vez de regreso Jud es substituido por Mick Slattery (futuro miembro de Hawkwind) y graban un single titulado “Sweet Mary” que llega a tener bastante éxito en las listas alemanas. Tras esto consiguen un buen contrato y se unen a una nueva gira por Holanda junto a otros músicos en una especie de circo musical ambulante. Entre la numerosa plantilla de roadies, técnicos y músicos estaba Nick Turner, flautista, saxo y voz del grupo Mobile Freakout. Brock se hace muy buen amigo suyo, después se volverían a ver en Hawkwind, siendo Turner uno de sus miembros más importantes. Esta gira, la cual tenía intención de recorrer gran parte de Europa se vio interrumpida repentinamente por un asunto de drogas y en noviembre de 1967 todos son expulsados del país. Ya en Londres, Famous Cure hacen de teloneros de los míticos Deviants de Mick Farren, clara señal de que la música del trío se estaba alejando a marchas forzadas del folk o el blues ordinarios para ir acercándose a la psicodelia, algo que tenía que ver, evidentemente, con el consumo de substancias lisérgicas por parte de Brock y compañía. Este concierto con Deviants marcó el inicio del contacto de Brock y Farren, ambos mantendrían a la postre una estrecha relación, como veremos después. Famous Cure finalmente deciden separarse, pero poco antes de eso graban un single con sus nuevas influencias psicodélicas, aunque desgraciadamente nunca llegó a editarse y acabó perdiéndose con el tiempo la única maqueta existente. 

     En 1968 encontramos a Dave Brock haciendo de nuevo de músico callejero para ganarse la vida, formando parte de grupos itinerantes y alternándose en varios instrumentos. En ese plan sigue durante un año, pero precisamente en ese momento la música callejera estaba en auge y EMI Records invita a Brock (junto a una gran cantidad de otros cantantes, músicos y bailarines de claqué callejeros) para grabar un disco en directo en enero de 1969 en el Royal Albert Hall. En el disco, llamado Buskers (expresión que en inglés designa a los músicos callejeros), aparece una versión de Willie Dixon efectuada por Dave Brock. Este disco tuvo su extensión en varias actuaciones en la BBC y puso definitivamente de moda la música callejera durante una buena temporada, lo que hizo que las calles de Londres se vieran aun más invadidas por cientos y cientos de músicos esperando ser descubiertos o al menos conseguir algo de dinero. De esa manera la competencia se hizo salvaje y las posibilidades de ganarse la vida por ese medio se vieron muy reducidas. Por lo cual Brock decidió probar con algo en otra dirección, algo que le permitiera seguir con la música y vivir de ello. A la luz de los grupos que en ese momento más escuchaba empezó a experimentar en la onda psicodélica sacando sonidos a su guitarra, a veces en combinación con los sintetizadores analógicos que estaban saliendo en esa época. Decidió que por ahí iba a seguir y para ello se dedicó a buscar músicos para formar una nueva banda, tirando de sus viejos amigos, poniendo anuncios en la prensa musical o preguntando a la gente que rondaba por la tienda de música de Bob Kerr de Londres. 

     A mediados de 1969 ya contaba con un plantel de miembros que comprendía a Mick Slattery a la guitarra, John Harrison al bajo, Terris Ollis (con solo 17 años) a la batería, Nick Turner al saxo, Dik Mik a los sintes y él mismo como guitarra, voz y harmónica. Desde un comienzo pretenden que la banda fuera algo ultrademocrática y consiguen que sea caóticamente libertaria no siguiendo una línea establecida e incorporando todas las ideas que fueran aportándose, no solo de sus miembros, sino de amigos y toda la gente que estuviera a su alrededor. Y con esta formación, aun sin nombre, comienzan a ensayar en el sótano del local de Bob Kerr y a veces en el Royal College of Art. Sobre versiones de clásicos del blues y algunos temas de grupos de ese momento la banda arremete con largas jams sembradas de efectos sonoros y experimentos vocales, especializándose en un sonido que ellos denominarían por aquel entonces “sunshine special”, que en esencia es una especie de mezcla del estilo acústico de la época callejera de Brock y una amalgama de sonidos psicodélicos. 

      El 29 de agosto debutan ante el público en una actuación en el All Saint Hall de Nothing Hill. Como aun no han acordado un nombre concreto comparecen como Group X, una muestra del desenfado y el sentido del humor con que la banda definía su actitud ante la ortodoxia musical. Por si fuera poco no traen ningún repertorio preparado y deciden a última hora una larga jam sobre el tema Eight Miles High de los Byrds. Según los testimonios fue una actuación impresionante que dejó pasmado a un público entre el que se encontraba John Peel de la BBC, el cual señala a Douglas Smith, uno de los organizadores del evento y dueño de una agencia de artistas, el gran talento de la banda. Smith se ofrece al grupo como manager y les garantiza que en poco tiempo tendrán algún contrato discográfico. Aceptan, pero en ese momento tienen por fuerza que buscarse un nombre que los haga reconocibles y toman el de Hawkwind Zoo. 

      Según la versión respetable la palabra Hawkwind sale de un libro de Michael Moorcok, pero según otra versión más canalla (y seguramente más fiable) el nombre surge de la combinación de dos defectos de Nick Turner: su manía de carraspear (hawking) y sus excesivas flatulencias (wind). Como Hawkwind Zoo entran en noviembre de 1969 en los estudios Abbey Road y graban tres temas que servirían como demo a Smith para presentarlos por unos cuantos despachos, consiguiendo rápidamente un contrato con Liberty Records (dependiente de United Artists). Los temas grabados son “Harry On Sundown”, “Kiss Of the Velvet Whip” y “Cymbaline”, las dos primeros son arreglos del grupo sobre composiciones de Dave Brock y el tercero es una versión de uno de los cortes del More de los Pink Floyd. Son tres grabaciones bastante conseguidas para el poco tiempo que el grupo llevaba funcionando. “Harry On Sundown” sería usada posteriormente para el primer disco de los Hawkwind en una versión algo más suavizada y “Cymbaline” es simplemente una correcta adaptación del tema de Pink Floyd, por tanto nos centraremos en “Kiss of the Velvet Whip”, un estupendo corte que anticipa muchos de los ingredientes que después explotarían con más amplitud a lo largo de sus discos. Hasta cierto punto se nota las reminiscencias de los primeros Pink Floyd por la atmósfera psicodélica y enrarecida, por así decirlo, así como una ligera influencia del free jazz sobretodo gracias al saxo de Turner. Por su parte, Brock no es un cantante virtuoso ni nada de eso, pero arremete con una carga importante de hipnotismo que es lo que cuenta para el estilo del grupo. Aun no han adquirido ese toque espacial que los caracterizará, pero hay una clara intención en llegar a eso. De todas formas es un corte no demasiado largo y todos esos ingredientes están bastante concentrados, no expresan totalmente el gusto por la improvisación (bastante salvaje) que ya demostraban en los directos. Respecto a la letra, es una especie de canto al masoquismo mezclado con un regusto cósmico, quizás sea la evidencia de otras de las mayores influencias de Dave Brock por esa época: Velvet Underground Después de firmar con Liberty deciden acortarse el nombre y ya se quedan como Hawkwind. Tras grabar la demo Slattery deja el grupo y su puesto es ocupado por Huw Lloyd Langton, un amigo de Dave Brock que conoció en una tienda de música. 

     Liberty programa la grabación del primer disco y decide que Dick Taylor va ser el productor, pero además de producir terminaría por tocar la guitarra anónimamente en varias partes del disco. Taylor había sido uno de los fundadores de los Rolling Stones, pero apartado de la guitarra a favor de Brian Jones se fue del grupo. Posteriormente pasó a formar los Pretty Things junto a Phil May. Así pues, de la mano de Taylor, Hawkwind entran en los Trident Studios de Londres y entre marzo y abril de 1970 tienen listo el disco. En Julio sale un single con “Hurry on Sundown” y “Mirror of Illusion" en sus respectivas caras. El album saldrá a la calle en agosto. Antes de eso Brock se había reencontrado con Mik Farren en un festival gratuito. Éste, tras probar fortuna en Estados Unidos había montado una nueva banda junto a varios de sus viejos camaradas de Deviants y el batería Twink Alder (ya una leyenda en los medios musicales por su paso por Tomorrow y Pretty Things). Este grupo era Pink Fairies. Aunque los dos grupos musicalmente no eran muy parecidos filosóficamente estaban muy en sintonía y acuerdan montar un concierto paralelo a las puertas del Festival de la Isla de Wight, el cual se iba a celebrar en ese agosto de 1970. Así pues, durante 5 días seguidos tocan frente al recinto de forma totalmente gratuita en protesta por el precio de las entradas y la comercialización general de la música rock. Según la leyenda Hendrix pasó junto a la gran carpa que habían montado, los escuchó y les pidió tocar con ellos después de su actuación en el festival principal. Pero por desgracia el caos reinante impidió que se pudiera llevar a cabo esa colaboración con Hendrix, algo que de ocurrir hubiera sido histórico. 

      Irónicamente, pese a que protestaban por el precio de las entradas del festival, varios de los miembros de Hawkwind entraron gratis ya que conocían a gente del dispositivo de seguridad. Nick Turner se pintó la cara de azul y se paseó entre el público, su fotografía salió en muchas revistas de la época tipo Vogue o Paris Match, las cuales cubrían el festival más como un evento social o pintoresco que como algo musical. Hendrix, en un momento de su actuación lanza un saludo a Nick Turner. Además, el grupo procura mezclarse todo lo que puede entre la gente (especialmente si era de sexo femenino) y Nick Turner queda impresionado por una chica que dice llamarse Stacia, ella también queda impresionada al conocer a alguien que toca en una banda, sobre todo si va con la cara pintada de azul. El encuentro es breve, pero como veremos tendrá afortunadamente continuidad en el futuro. Así pues, como una extensión del espíritu caótico de su música fueron 5 días frenéticos de borracheras y consumo de todo tipo de substancias. Entre otras “aventuras”, Huw Lloyd Langton sufre una crisis nerviosa a causa de un mal viaje de LSD, algo que no era la primera vez que le ocurría, dejándolo totalmente KO. 

     Como ya hemos dicho el primer disco, simplemente titulado Hawkwind, sale a la venta ese agosto. No tuvo unas ventas excesivamente importantes pese al golpe de efecto del Festival de Wight, pero catapulta directamente la fama de la banda en los ambientes más undergrounds. 

    Musicalmente es un disco muy interesante, aunque se nota que el grupo es muy primerizo y está aun buscando su sonido. En mi opinión se queda un poco a medio camino. La forma de presentar los temas, prácticamente unidos todos entre sí, hace que sea un disco que necesita ser oído entero para ser verdaderamente disfrutado. Por ejemplo, el primer tema “Harry On Sundown” es un r’n’blues de toda la vida, pero cobra otro sentido cuando después enlaza con el instrumental “The Reason is?” que es mucho más psicodélico, que a su vez lleva a “Be your self”, aun más intenso y eléctrico, plagado de efectos y planteamientos más progresivos. Otro de los platos fuertes es “Seeing It As You Really Are” de más de 10 minutos, bastante cercano al sonido posterior de Hawkwind, sobretodo en sus partes más frenéticas de efectos y guitarreo. La última, “Mirror of Illusion”, es una canción entre acústica y eléctrica que en mi opinión es lo mejor de todo el disco, con una melodía alegre pero con una letra muy melancólica que puede leerse como una crítica al contenido de las experiencias visionarias tan en boga en ese momento: “Crees que has encontrado las puertas de la percepción, pero abren a una mentira”. En suma, es un disco que si bien está lejos de llegar a las cotas de sus próximos lanzamientos está realmente bien, asienta las bases de su sonido y de por sí es una pieza disfrutable dentro de la psicodelia tardía de comienzos de los 70. 

     Tras el lanzamiento del disco se suceden los conciertos junto a bandas como Atomic Rooster, Mighty Baby o Little Free Rock, pero especialmente siguen tocando junto a Pink Fairies. Tantos conciertos harían juntos durante los dos siguientes años que terminaron por anunciarse en ocasiones como Pinkwind, combinando el nombre de ambas formaciones. Seguirán participando juntos en multitud de festivales gratuitos y en conciertos benéficos para causas relacionadas con el underground londinense. Pero Hawkwind no es aun totalmente estable y los cambios se suceden entre sus miembros hasta la primavera del año siguiente. 

    En septiembre Huw Lloyd Langton deja su puesto a la guitarra. A causa de su mala experiencia con LSD durante el festival de la Isla de Wight decide alejarse de las drogas, algo que era imposible formando parte de Hawkwind. Poco después John Harrison se va, igualmente espantado a causa del abuso de drogas que constantemente se mantenía en el grupo. Su puesto al bajo es ocupado por Thomas Crimble del grupo Skin Alley. Pero además de eso se suceden otros problemas. Terry Ollis pasa por una mala época personal y se atiborra de Mandrax, un tranquilizante muy fuerte, lo que en muchas ocasiones lo deja fuera de combate o altera su carácter hasta el punto en que, por ejemplo, sale a tocar desnudo en algunos conciertos. A veces deben suplantarlo con Twink de los Pink Fairies o Viv Prince (ex-batería de Pretty Things). Para colmo Dik Mik también se va, aunque solo temporalmente, a causa de un grave accidente de automóvil donde él solo sale herido leve, pero muere uno de los implicados. En su lugar entra Del Dettmar para la sección de generación de sonidos. 

     La entrada de Dettmar es crucial para dirigir la música de Hawkwind hacia lo que se venía llamando Space Rock. Dettmar había sido roadie de varios grupos como Edgar Broughton Band, Arthur Brown y Juicy Lucy. En el momento de la partida de Dik Mik estaba trabajando precisamente como road manager para Hawkwind y algunas veces había substituido a Mik, ya que gracias a sus conocimientos técnicos en la mesa de mezclas entiende de sintes y demás cachivaches electrónicos. Eso llevó a Douglas Thomas, el mánager de Hawkwind, a invitar a Dettmar a entrar oficialmente en el grupo. 

      Cuando Mik vuelve poco después Dettmar se mantiene en el puesto formándose un dúo capaz de producir sonidos verdaderamente cósmicos gracias a la combinación de ambos en el uso de sintes primitivos como el VCS3 o el Synthi que la casa EMS (Electronic Music Studios) de Londres. Estos aparatos se limitaban a ser generadores de sonidos y funcionaban con osciladores de frecuencia, pero precisamente por su simplicidad aportaban grandes posibilidades de combinación (y no de suplantación) con los demás instrumentos eléctricos. En el caso de Hawkwind su función era dotar a las canciones de una dimensionalidad extreterrestre, algo que conseguían de sobra. De una manera u otra, pese a los cambios de personal, los numerosos problemas y el alto número de conciertos (incluyendo actuaciones para la BBC) habían ido sacando nuevos temas y a comienzos de la primavera ya tienen material para empezar a pensar en un nuevo disco, pero en ese momento Crimble deja la banda para encargarse de la organización del festival de Glastonbury ‘71. 

     Entonces deben buscar un substituto para el bajo, que encuentran en la persona de Dave Anderson, un inglés que se había ganado la vida como músico de sesión para numerosos grupos o solistas y que dando tumbos había acabado en Munich tocando para los germanos Amon Duul II por una larga temporada. Anderson había conocido casualmente a Nick Turner en una visita a las oficinas de United Artists en Londres y habían hablado de intereses musicales muy similares. Cuando Hawkwind se quedó sin bajista se enteraron de que Anderson ya no estaba con los Amon Duul II y tras llamarle y hacer una audición le ofrecieron el puesto, y de esa manera Anderson terminó entrando en el grupo y participando en la grabación del segundo disco de Hawkwind. Además de Anderson hay que contar también con dos nuevas incorporaciones muy importantes: Robert Calvert y Stacia. Calvert era un poeta amigo de Nick Turner, de origen sudafricano, pero inglés de adopción. Sus intereses abarcaban la fantasía y la ciencia-ficción y había creado numerosos fanzines centrados en esos géneros. Escribió en 1970 un artículo sobre Hawkwind y poco después se ofreció para darles poesías y letras que dieran un sentido más conceptual a su música. Además les presentó al editor y escritor Michael Moorcock, el cual se identificó inmediatamente con la imaginería del grupo. Ambos sintonizaron con la atmósfera desquiciada e irreverente que se respiraba en Hawkwind, pues Calvert sufría de trastorno bipolar y Moorcock era un confeso anarquista… ¡así que eran perfectos para el grupo! Por la misma época Stacia vuelve a entrar en contacto con Nick Turner y se ofrece como bailarina para los conciertos. 

 

       Todas estas incorporaciones cristalizan en el Festival de Glastonbury. Allí Stacia hace su debut, dejando al público con los ojos a cuadritos gracias a su exuberante constitución física, ya que bailaba prácticamente desnuda. Sin embargo la banda se cuidó siempre de dejar claro que el papel de Stacia era una cuestión artística, que por supuesto contenía una carga erótica implícita, pero no permitían que ello desembocara nunca en nada más (al menos de puertas para fuera). En algunas ocasiones Stacia era abordada ofensivamente después de los conciertos, incluso recibió ofertas para participar en películas pornográficas, pero su reacción era claramente cortante en ese sentido e incluso bastante violenta más de una vez. Por su parte, Anderson, un tanto asombrado, tiene que tocar sin apenas tiempo a prepararse sus partes de bajo e inclusive debe substituir la guitarra de Brock porque éste se puso enfermo. Por la misma razón Robert Calvert substituye a Brock en la voz a lo largo del concierto. Glastonbury supuso para Hawkwind un antes y un después. 

      Con esta nueva formación Hawkwind sufrió una metamorfosis en sus planteamientos musicales. De la curiosa mezcla de r’n’blues y psicodelia tardía del primer disco fueron pasando a un sonido cada vez más potente y que a veces roza lo directamente proto-heavy metal. Las jams se alargan, pero casi siempre en pro de unos riffs potentes que sirven de base al desarrollo del tema, atacando con sonidos repetitivos y voces que apoyan todo ese frenesí sónico casi como un instrumento más en una especie de mantra. Según se dice el grupo experimentó en sus conciertos con frecuencias muy altas o muy bajas que el oído no podía traducir, pero que el cerebro recibía y respondía a esos estímulos de forma subconsciente, podríamos denominarlo música subliminar. Lo que es seguro es que sus conciertos eran una orgía cósmica, pues el público seguramente estaba tan drogado como el propio grupo. Al fin entraron a grabar el nuevo disco en verano en los estudios AIR de George Martin, pero debido a las quejas de los técnicos por el mal comportamiento de la banda se tuvieron que trasladarse a los estudios Olympic con la producción de George Chkiantz. Las quejas de los técnicos de AIR se debían, entre otras cosas, a que habían metido ácido en sus bebidas sin previo aviso, también al desorden y las juergas que se montaban interfiriendo en el curso de la grabación. 

      Así pues, cuando ya tienen alguna toma hecha cambian de estudio y continúan. Hay que señalar que la participación de Anderson en esta grabación es importante, aunque a la postre no recibe la acreditación que según él se merecía. Anderson era un músico de estudio experimentado, con mucho más oficio que el resto, y además aportó el legado de haber tocado con Amon Duul II, una banda que ya había explorado terrenos musicales muy cercanos (hasta cierto punto) a los que Hawkwind buscaba en ese momento. Figura como coautor de un solo tema, pero después afirmó ser el autor de gran parte de los arreglos de los cortes del disco. Sea como fuere el disco está plagado de jams e ideas colectivas de todo tipo y es difícil señalar un autor concreto, aunque es justo decir que junto a la influencia de Anderson también Nick Turner también se afianza en el liderazgo de la banda prácticamente a la misma altura de Dave Brock. Además de lo musical otro ingrediente importante añadido a la nueva etapa de Hawkwind fue la participación de Barney Bubbles. No solo por la cubierta desplegable del nuevo disco y el diseño del libreto con multitud de páginas repletas de textos de Calvert e ilustraciones y fotografías del nuevo disco, sino también en el diseño de los escenarios y planteamientos del lightshow que después Liquid Len (Jonathan Smeeton) llevaba a la práctica, algo que iba a ser crucial para los conciertos de la banda. Como curiosidad decir que Dik Mik sale sin recuadro en las fotos del grupo que hay en la contraportada porque fue añadida sin más cuando este volvió a la banda tras el accidente de coche. 

    In Search of Space (en la cubierta figura una X, aunque en el lomo de disco y otras referencias no aparece, así que hay quien ha planteado que se trata de un mero error tipográfico que nunca se corrigió, aunque con un grupo así nunca se sabe) es un disco denso, repleto de capas de sonido, pero no por ello es un disco necesariamente complejo en sus estructuras ni melodías, no se basa en un experimentalismo más o menos radical como el llevado a cabo por grupos como Gong u aquellos germanos que ya llevaban tiempo sumergidos en el space rock, sino que su sonido se caracteriza por el exceso y lo repetitivo, lo que ellos denominarían ataque sónico. Siempre con una base de hard rock evidente, aunque deformado por una actitud libre y con intenciones de producir un trance en el oyente. De esa manera, como un verdadero manifiesto teórico y práctico, el disco se abre con “You Shouldn’t Do That”, un monumento bestial a lo que el grupo considera space rock, inaugurando un tipo de desarrollo que podríamos definir como de despegue. Cuando comienza la canción uno no puede sino sentir que se está accediendo a algo enorme y que es necesario prepararse para una especie aventura imaginaria que sin duda será cósmica. La línea de bajo de Anderson, repetitiva, densa y precisa, sostiene toda el tema de principio a fin, pero el saxo (retorcido y distorsionado hasta sus límites), la guitarra, los sintes, una espléndida batería y para remate una letra que está cantada en forma de mantra, todo ello sumado nos lleva a cotas de intensidad nunca antes oídas en la música rock. También hay que destacar “Master of the universe”, otra vuelta de tuerca a la sensación de despegue, aunque esta vez mucho más claramente hardrockera, con un riff de guitarra mastodóntico que será muy influyente en varias generaciones de músicos posteriores. En sus directos solían acelerar mucho más esta canción llevándola al salvajismo. Ahora bien, pese a la intensidad del disco no faltan los temas más suaves y acústicos como “We took the wrong step years ago”, con una temática ecologista que dice cosas como “Ahí está la llamada de la naturaleza, prestemos atención a su advertencia”. También en esa onda es “Children of the Sun” un breve tema de contenido utópico y de una gran belleza e intensidad. Así pues, como vemos, el salto cualitativo entre el primer disco y el segundo es grandísimo, la banda ha crecido en todos los sentidos.

      Podemos decir que In Search of Space es un hito en la historia de la música rock y plantea para el grupo un empujón considerable, sin embargo, antes de ser lanzado al mercado el disco Anderson deja el grupo debido a que no ha terminado de cuajar ni en las relaciones personales ni con la filosofía de la banda. Los demás le acusan de estar demasiado pendiente del dinero y los lujos, como por ejemplo el hecho de que tenga un coche deportivo de gama alta con el que viajaba solo a los conciertos, pasando de viajar en la furgoneta como los demás. Además, Anderson se resiste a los conciertos y festivales gratuitos con los que la banda solía colaborar en muchas ocasiones, siempre llegaba tarde o simplemente no aparecía. De esa manera, aprovechando que Anderson les falló en un concierto en Portobello Road en agosto de 1971 invitaron a un nuevo bajista a tocar con ellos. Se trataba de Lemmy Kilmister. Era un compañero de piso de Dik Mik, el cual llevaba tiempo insistiendo a los demás para admitir a Lemmy como segundo guitarra, pero se oponían a ello. Lemmy era un conocido consumidor de speed y eso les podía causar aun más problemas de los que ya tenían con las drogas. Pero al final accedieron a condición de que aceptara tocar el bajo y Lemmy cambió sin pensarlo de instrumento. Esto supuso la salida definitiva de Anderson. Años después Anderson dijo que su descontento y consiguiente marcha se debió a muchas causas. Le fastidiaba el funcionamiento poco profesional del grupo, como ejemplo dijo que “Children of the Sun” fue metida en el disco en el último momento y fue grabada una mañana en solo media hora (algo que no dice tampoco nada malo del grupo, ya que el tema es buenísimo). También se quejó de la intromisión de todo tipo de personas ajenas al núcleo de Hawkwind. Incluso achacó al resto de la banda que no soportara a su esposa. 

      En suma, su permanencia en Hawkwind se hizo insoportable, aunque eso no evitó que durante una temporada hiciera conciertos con ellos cuando montó un nuevo grupo. Pese a todo hay que subrayar que aunque la estancia de Anderson fue breve, unos 6 meses, su influencia en el sonido de la banda fue crucial y de largo alcance. Así pues, la entrada de Lemmy marca otro nuevo comienzo. Anderson era un músico quizás más experimentado, pero Lemmy aportó su actitud y estética macarra, aumentando, si cabe, el halo de gamberrismo que rodeaba a la banda. Su entrada se produce en un momento en que Hawkwind comienza a tener sus primeros éxitos comerciales gracias a que In Search of Space logra llegar a número 18 de las listas británicas. Pero no por ello dejan de tener problemas. Terry Ollis, que recordemos estaba abusando de los tranquilizantes, llega a una situación insostenible y estaba provocando escenas cada vez más bizarras en los conciertos, algo que les daba muy mala prensa. 

      Un día Lemmy se encontró casualmente con Simon King, que fue batería en uno de sus grupos anteriores, y sabiendo que tenían que buscar un substituto para Ollis le invitó a hacer una prueba con Hawkwind. Fue admitido inmediatamente. Lemmy conocía la forma de tocar de King, era un batería bastante contundente y él, siendo guitarra, tomó el bajo de una forma muy especial tocándola casi como una guitarra rítmica, estilo que continuaría después en Motorhead. Con esto se estableció una base rítmica poderosa que orientó, una vez más, el sonido de Hawkwind a otra dirección. Con esta formación tocan en febrero de 1972 en un concierto en The Roundhouse, una sala mítica para el underground londinense. Se registran varias canciones en esa grabación, una de ellas es Silver Machine, un tema que Robert Calver escribió inspirado por un texto de Alfred Jarry. Calvert había entrado en la banda de forma más permanente, por lo que él mismo canta en ese tema, pero su voz no queda muy bien en la cinta y se intenta mejorar en el estudio para usarla como un single, aunque no es posible recuperar un mínimo de calidad y se decide entonces regrabar la voz en el estudio. Pero en ese preciso momento Calvert está ingresado a causa de sus problemas mentales y le es imposible, por lo que se resuelve que sea Lemmy quien regrabe esa parte sobre la voz de Calvert. Ese single (con “Seven by Seven” de Dave Brock en la otra cara) es lanzado con mucho éxito de ventas, llegando al número tres. El 2 de agosto participan en una actuación larga en la BBC. Unos días después de la actuación la BBC informa a su manager que Hawkwind estarán vetados en lo sucesivo en la radio pública. Según parece un micrófono propiedad de la cadena había sido substraído durante el registro del programa y acusaban al grupo del robo. 

      Efectivamente Hawkwind tuvo muchos problemas en lo sucesivo para volver a pisar la BBC. Tras este varapalo viajan al sur de Gales y entre septiembre y octubre de 1972 graban lo que será su tercer disco, Doremi Fasol Latido, en los estudios Rockfield, el cual era un lugar muy tranquilo en mitad del campo donde podían residir el tiempo que tardara la grabación. Para acometer ese nuevo disco graban de un tirón largas tomas y después sobre esas grabaciones vuelven a introducir las cosas que consideren necesario, cortando algunas partes, desechando otras o uniéndolas mediante efectos. 

      El resultado es un disco bastante bueno aunque según mi opinión un tanto menos que In Search of Space, aunque quizás esta opinión está determinada por la grandiosidad de ese disco, algo fuera de lo normal. Indudablemente tiene algunos temas muy valiosos como “Brainstorm”, el primer tema escrito en solitario por Nick Turner, el cual sigue creciéndose dentro de la configuración del sonido colectivo de Hawkwind. En general es un disco donde se nota un desarrollo hacia un talante aun más duro, quizás debido a la ausencia de Anderson que tiraba más al progresivo. Está claro que hay partes y desarrollos muy en una línea progresiva y espacial, pero en general suena bastante más rudo (¡quizás los coros de Lemmy ayuden a eso!) y algo más con los pies en el suelo, por decirlo de alguna manera. Algunos miembros del grupo no quedaron satisfechos con el resultado final, según se dice Brock hizo la mezcla final totalmente drogado. Hay que señalar que en el disco nos encontramos la primera composición de Lemmy para Hawkwind, “The Watcher”, canción que después volvería a rehacer para Motorhead más de una vez. Otra vez la cubierta del disco es un desplegable con ilustraciones y diseños espectaculares de Barney Bubbles. Además tiene un cierto énfasis conceptual. 

    El título Doremi Fasol Latido es una referencia a la Música de las Esferas (la correspondencia entre los astros y las armonías musicales), una idea que se manejaba desde la época griega y que en el Medievo y Renacimiento se extendió junto a la astrología y la alquimia. Además hay una participación indirecta de Michael Moorcock en el tema semiacústico “Space is Deep”, ya que se trata de una adaptación de su poema Black Corridor. Antes de que el disco salga a la venta se le pide a Robert Calver que diseñe la gira de apoyo para Doremi Fasol Latido. Piensa primero en una ópera rock como las que estaban tan de moda en esa época, pero el proyecto crece y crece y finalmente se convertirá en un impresionante espectáculo multimedia que se llamará Space Ritual. Gracias a los recientes éxitos en ventas tenían dinero a su disposición y lo usan para montar un circo ambulante repleto de luminotecnia y la mejor calidad sonora posible. Se añade una bailarina más a Stacia, sería Renee (que había bailado en Estados Unidos para Quicksilver Messenger Service) y también un mimo llamado Tony Carrera. Será una gira muy trabajosa para los cánones del grupo, pero termina cosechando un gran éxito. Además, la relevancia adquirida gracias a Silver Machine fuera de las fronteras de UK les abre las puertas del resto de Europa y después de Estados Unidos. Entre otras aventuras, tocando en Italia tienen un incidente, tras uno de sus conciertos cientos de lúbricos jóvenes persiguen a Stacia, la cual termina por cobijarse en un coche que es zarandeado de una forma muy peligrosa. ¡Deciden ir armados con porras el resto de la gira! 

       En primavera de 1973 sale a la venta un doble LP, que resultó ser éxito en ventas, con una selección extraída del Space Ritual Tour por Liverpool y Brixton. Es un directo simplemente bestial que deja evidente que Hawkwind eran entre 1972 y 1973 una banda de directo, sus discos son excelentes cartas de presentación, pero Space Ritual es un documento asombroso y emocionante de lo que suponía por esa época estar en uno de sus conciertos, especialmente con el equipamiento que llevaban en esa gira (de hecho, parece ser que se sintieron bastante deprimidos cuando después tuvieron que volver a la carretera con su show normal). Space Ritual contiene temazos uno detrás del otro, incluso los interludios con recitados de poemas de Moorcock o Calvert ayudan a crear una atmósfera única. Born To Go, inicio del disco, es una absoluta maravilla que pone automáticamente en sintonía con lo que vamos a encontrar en ese disco, desparrame guitarrero, macarrismo, rapidez, feeling y una intensidad cósmica que realmente se siente. En mi opinión todos los temas del Doremi Fasol Latido que aparecen en este directo son mejorados en todos los sentidos, como si los que aparecen en el disco de estudio fueran meras maquetas en comparación con lo que después hacían en el directo. Un ejemplo es “Space is Deep”, algo más larga que en el disco y bastante más electrificada y que pone los pelos de punta desde su primer segundo hasta que conecta con el pequeño interludio “Electronic N.1”. 

      En suma, es un disco indescriptible, las palabras no pueden hacerle justicia. En verano se edita el single “Urban Guerrilla”, obra de Brock y con letra de Robert Calvert, trabajo con el que esperaban tener un éxito similar al cosechado por “Silver Machine”. Éste también se trata de un tema bastante más directo de lo que solían ser los temas del grupo, con un deje punkarra y hasta festivo que se hace muy pegajoso e irresistible. Pero al poco de ser radiado la BBC decide censurarlo porque dice que contiene referencias muy directas a los atentados que por esa época estaban asolando el Reino Unido, algo erróneo ya que Calvert había escrito la canción mucho antes de que ocurriera eso, pero aun así algunos miembros del grupo son molestados por las autoridades. Seguramente hubiera sido un single exitoso debido a que el Space Ritual Tour había puesto a Hawkwind en el candelero, pero perdieron la oportunidad y ya nunca más volvería Hawkwind a entrar con fuerza en las listas de ventas de singles. En noviembre (y posteriormente en varias fechas del año siguiente) parten a Estados Unidos, pero sin una gran cantidad de los elementos grandes de su gira a causa de los excesivos costos que suponía, aun así, siendo un show más modesto será una gira muy exitosa. Años después se editó un CD titulado The 1999 Party, que ofrece un concierto en marzo de 1974 en chicago que aunque sin la calidad del Space Ritual sirve para comprobar que seguían en un muy buen momento. Como muestra del humor de la banda llamarán a parte de esa gira como 'The Ridiculous Roadshow', ya que una vez acabada la grandeza del Space Ritual la comparación era algo triste. 

      Robert Calvert se había ido de Hawkwind para hacer un proyecto en solitario que se llamará Captain Lockheed and the Starfighter, donde participa casi todo Hawkwind y multitud de otros músicos como Brian Eno (que no sale acreditado), Jim Capaldi o Arthur Brown. Se trata de un disco conceptual satírico que mezcla la ciencia-ficción y la crítica política. Además de eso, entre las idas y venidas de la gira americana Hawkwind entran en los estudios Olympic a finales de la primavera para grabar lo que será su siguiente disco. Poco antes Dik Mik ha dejado definitivamente la banda y para ocupar su puesto entra Simon House, quien se había curtido en el uso de los teclados y del violín en los legendarios High Tide. Además había colaborado con la Third Earth band en la realización de la banda sonora de Macbeth, película de Roman Polanski. Así pues en verano vuelven a Estados Unidos coincidiendo con la edición de su nuevo disco Hall Of The Mountain Grill, un título que esconde un homenaje a un restaurante que solían frecuentar en Portobello Road. Este disco marca, una vez más, el inicio de otra etapa de Hawkwind, algo más calmada respecto a la vertiginosa ascención psicotrónica culminada en el monumental directo Space Ritual. 

       Este disco en vivo significó una especie de catarsis que les hizo llegar a las cotas más altas de vértigo sonoro hasta dejarles satisfechos. Se les nota un especial esmero por sonar más progresivos, o incluso rockeros. Por mi parte me atrevo a afirmar que este “Hall of the Mountain Grill” es su mejor disco de estudio, lo cual es decir mucho tras las verdaderas obras maestras editadas con anterioridad por el grupo. Con toda seguridad, una de las razones para este acercamiento al rock progresivo fue la capital llegada de Simon House, con él entra una forma de entender la música más centrado en la melodías que en los efectismos psicodélicos. Además introduce el melotrón, el órgano Hammond y el violín en la banda, lo cual aporta mucha más profundidad a sus composiciones y por supuesto una estética bastante más estándar dentro de lo que cabe. Aunque es verdad que siguen haciendo aparición los típicos efectos espaciales “made in Hawkwind”, éstos pierden algo de importancia para dar paso a las atmósferas creadas por los mismos instrumentos. Hay también menos trabajo en trucos de producción, no por casualidad dos de los temas del disco (quinto y último) están registrados en estudio-directo. Aun así sigue habiendo mucha participación de todos los músicos, algo que se nota en el resultado general, pero todos siempre aunados por el genial Dave Brock. 

       El inicio del disco con “The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)” es algo que se hace inolvidable para todo el que quede atrapado por este grupo. Es un tema impresionante sobre todo por su melodía vocal, trabajo a duo de Brock y Lemmy. La parte instrumental queda envuelta por el melotron de House (instrumento muy usado también en ese momento por grupos capitales del progresivo como King Crimson). Sin hacer solos, la guitarra es apenas rasgada y apoyada por el saxo, sintetizadores y melotron. El efecto creado en conjunto es una maravilla. Tras esto llega “Wind of change”, excelente instrumental que otra vez sirve de plataforma para el talento de Simon House, especialmente gracias a su violín. “D-Rider” es un tema compuesto por Nik Turner y uno de los mejores del disco. “Web Weaver” es un tema muy evocador que se inicia con acústica y piano, para después, casi al final, convertirse en una orgía de pura psicodelia. “You'd Better Believe it”, siguiente corte, es una de las cumbres de Hawkwind, siete minutos de chirriante hard rock espacial. Otra vez tremenda la conjunción de voces de Brock y Lemmy mientras la batería de Simon King atrona. De pronto nos vemos inmersos en una ola de sonido que nos envuelve con colores cósmicos y mucha velocidad. Es impresionante la capacidad de sumar instrumentos de Hawkwind creando una subida de tensión que llega más y más arriba hasta el orgasmo. “Hall of the Mountain Grill” es un bello instrumental obra de Simon House donde vuelve a dar rienda suelta a su maestría a la hora de crear atmósferas. Tras esto rompe de pronto el tremendo “Lost Johnny”, tema de Lemmy ( casi interpretado exclusivamente por él) y Mick Farren que sirve como anticipo del sonido de los Motorhead del “On Parole”, pero hecho todavía con el sello Hawkwind. “Goat Willow”, otro instrumental, esta vez obra de Dettmar, sirve de introducción a “Paradox”, otro impresionante tema (grabado en directo en el estudio) muy rockero, donde destaca ante todo los terribles toques de bajo de Lemmy. 

        En suma, un disco que siendo más progresivo sigue siendo terriblemente hardrockero e incluso con un punto macarra. La edición de este disco coincide con la vuelta de Hawkwind a USA. Una vez allí, aparte de sus actuaciones y para continuar con su larga tradición contracultural colaboran en un concierto gratuito en honor de Tim Leary y a cambio reciben una gran cantidad de marihuana. Ya antes en Londres habían hecho otros conciertos en homenaje a Leary. Años después Nick Turner llegó a visitar al gurú del LSD cuando estaba en la cárcel. Y también para no dejar de ser ellos pierden por el camino a un miembro, pues Dettmar, que ya había avisado de su intención de dejar el grupo, hacía tiempo había adquirido unas tierras en Canadá con intención de emigrar allí, como efectivamente hace en mitad de esa gira americana. La presencia de Simon House en esa gira es mínima debido a que no tiene permiso de trabajo y se pasa casi todo el tiempo en el bar o haciendo turismo. 

     Es en general es una gira bastante caótica, como no podía ser de otra manera, entre otras cosas sufren un huracán cuando estaban tocando en Nashville o se relacionan con promotores metidos en el cine porno. Para remate son acusados por hacienda de no haber pagado las tasas fiscales a cuenta de su anterior gira, tienen que volver a UK, pues sus materiales son requisados hasta que logran pagar y así poder volver a continuar la gira. Tras todo este lío de gira y una vez de regreso a Inglaterra Simon King se partió unas costillas jugando al futbol y se tuvieron que buscar un substituto en varias fechas programadas por Alemania y Paises bajos, para ello llamaron a Alan Powell que había estado entre otros grupos en Shicken Shack. Una vez King estuvo repuesto decidieron continuar la gira con los dos baterías a la vez. 

     Como curiosidad decir que de pronto surge una inesperada fuente de ingresos al ser utilizado un pequeño trozo de uno de los temas de Hall Of The Mountain Grill en un programa de televisión, y además de dinero les sirve de evidente publicidad. 

      A comienzos de 1975 entran otra vez en el estudio. Tienen en mente grabar un disco sobre ideas del libro El Campeón Eterno de Michael Moorcock, el cual se ha vuelto un colaborador muy estable tras la partida de Calvert. El disco será Warriors On The Edge Of Time, el cual completa el ciclo iniciado con el disco anterior en un viraje al rock progresivo. 

     La crítica definiría este LP como el más profesional hasta la fecha y donde Simon House deja más clara su firma mediante sintetizadores de teclado. Desde luego es un disco mucho más tranquilo, más suave y menos espacial, pero no por eso deja de ser un gran trabajo a tener en cuenta pese a estar en el límite de abandonar el regusto a heavy rock que habían cultivado hasta el momento a cambio de un refinamiento que, no obstante, aun mantiene la personalidad del grupo. “Assault & Battery Part I” es un señor temazo, fantásticas las líneas vocales y la aparición de la flauta, así como los ataques de un bajo distorsionado. “Opa-Loka” es un ejemplo perfecto de los cambios en el rollo del grupo. Es una canción que explica porque Hawkwind ha sido influencia incluso en la música electrónica de baile, es un tema hipnótico y repetitivo que avanza, en cierta manera, muchos de las formas de la música dance más dura, donde antes metían una fuerte riff guitarrero aquí se sostienen con una serie de elementos que suenan prácticamente electrónicos, una sensación que la producción limpia y cristalina refuerza. “Magnu” vuelve hacia atrás y retoma el estilo del anterior disco, pero aun así se mantiene a un nivel bastante moderado en cuanto a sonidos eléctrificados. Para contradecir esto sale un tema más fuerte como cara B del single editado para apoyar la edición en primavera del nuevo disco, es “Motorhead”, una canción que es como una especie de oráculo porque adelanta el futuro de su autor, Lemmy. Pero en general el nuevo disco deja insatisfecho al grupo y recibe algunas malas críticas desde la prensa, es un disco que suena profesional, si, pero precisamente por eso ha perdido lo mejor que definía el sonido space rock de Hawkwind, un salvajismo apto para producir lirismo y grandiosidad cósmica, una capacidad de crear belleza desde la energía, todo lo contrario a las bases de virtuosidad y tecnicismo que muchas veces reinaban en el mundo del rock progresivo y experimental de los 70. 

      En verano de 1975 Hawkwind están en plena gira americana. En la frontera con Canada la policía de aduana encuentra en el equipaje de Lemmy un pequeño cargamento de polvos que parecía droga, y efectivamente lo es, se trata de sulfato de anfetamina, aunque los funcionarios de aduana pensaban que se trataba de cocaína, lo que suponía una infracción más grave. Esto supone un varapalo grande para el grupo que así ve peligrar el resto de su gira por tierras americanas, así que deciden llamar a Paul Rudolph, guitarrista de sus amigos Pink Fairies y continuar la gira. Lemmy está por tanto expulsado y vuelve entonces a Inglaterra... ¡y ya sabemos que hizo allí! Años después Lemmy afirmaría que cuando dejó la banda (más bien le expulsaron) los "cojones del grupo" se fueron con él. Esta afirmación no es muy justa con la verdad, ya que Hawkwind ya demostró antes de su llegada una tendencia a ser contundentes y macarras en la actitud. Y yo pienso que en Motorhead, al menos en los primeros discos, hay algo de Hawkwind, sobretodo en esas estructuras sonoras machacantes e insistentes. De todas formas poco importa, gracias a la expulsión de Lemmy el hard rock ganó una banda inmensa, es es lo que importa. Lemmy siguió colaborando con Hawkwind a lo largo de los años, pues Motorhead fueron sus teloneros en algunos conciertos de 1977. Además Lemmy ha tocado varias veces con la banda en algunos conciertos especiales. 

     En aquel mismo 1975 de la partida de Lemmy, Stacia abandona el grupo también, ambas ausencias marcan sin duda el fin de la etapa más interesante de Hawkwind, aunque el grupo ha seguido intermitentemente durante años con diferente fortuna, se ha bifurcado en varias ramas, ha suscitado polémicas y reencuentros entre sus miembros, y no ha dejado de tener el apoyo de una legión de seguidores que se han organizado en clubs y han editado multitud de fanzines dedicados al grupo en muchas partes del mundo. Sea como sea, quede aquí este somero repaso de su historia hasta 1975, léase como un sentido homenaje a una de las más intensas bandas de rock de la historia. 

Editado en la web Mentes de ácido en diciembre de 2010 

Este artículo contiene mis discutibles opiniones personales sobre la música de Hawkwind, pero evidentemente he tenido que documentarme en cuanto a su historia y cuestiones más técnicas. He aquí mis principales fuentes. 

http://www.hawkwindmuseum.co.uk/index.htm 

http://www.freewebs.com/daveanderson/biography1.htm 

http://myweb.tiscali.co.uk/hawkwind/index.html 

http://www.starfarer.net/index.html 

http://home.clara.net/adawson/index.html

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