tag:blogger.com,1999:blog-48004156846941564732024-02-19T15:41:39.720-08:00Archivo de la web Mentes de ácido (2005-2011).El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.comBlogger21125tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-8463180524151879972016-02-16T17:23:00.001-08:002016-02-16T17:32:01.211-08:00WWW.MENTESDEACIDO.ES nueva dirección para la web.<div style="text-align: center;">
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</div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: small;"><span style="color: #444444;"><i>Este artículo fue publicado en 2008 en la web Mentes de ácido. Sirva ahora como sentido homenaje a Giger, recientemente fallecido.</i></span></span></b></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="color: black; mso-themecolor: text1;">Quien piense que la pintura sirve
meramente para decorar paredes con cuadros o para retratar lo bello de la vida
burguesa está muy equivocado. El arte pictórico ha servido también durante
generaciones y generaciones de artistas para mostrar los aspectos más terribles
y oscuros de la existencia que tenían ante si o para plasmar las imágenes más
misteriosas surgidas de sus propias mentes. Desde esas pinturas medievales
sobre martirios de santos, las fantasías desbocadas del Bosco o Brueghel, los
ágonicos Cristos de Matias Grünewald, las pinturas negras de Goya, el submundo
de colores descrito por expresionistas y antecesores como Ensor o Munch, el
perturbador universo de muchos surrealistas como Bellmer, Brauner u Oscar
Dominguez o el aullido existencialista de Francis Bacon... muchos han sido los
que han usado su talento para explorar y expresar la cara más oscura y
misteriosa de la realidad.<br />
<br />
HR Giger también ha sido uno de ellos. Su obra, sin embargo, no ha seguido el
curso normal que suele valer para el arte y los artistas. Entre una cosa y otra
siempre será más recordado por el gran público como diseñador de efectos y
elementos cinematográficos que como pintor, y es que su obra ha quedado
eclipsada por el enorme éxito de sus diseños para películas como <i>Alien</i> (que
incluso le hizo ganar un Oscar). Aun así Giger no deja de ser a fin de cuentas
un pintor con una enorme y genial obra a sus espaldas. Ahora bien, también es
verdad que su obra ha sido comercializada hasta la saciedad (con el pleno
consentimiento del artista) a través de infinidad de almanaques, postales,
posters, libros, cartas del Tarot e incluso juegos de ordenador. Algo que ha
terminado repercutiendo en la consideración hacia su obra como algo serio e
importante.<br />
<br />
Otra razón para que Giger se haya salido de los conductos más “selectos” del
gran arte es que usara desde prácticamente el principio de su carrera una
técnica tan subestimada como es el aerógrafo. Normalmente solemos relacionar
esta técnica con usos publicitarios e incluso la decoración de automóviles y
motocicletas. Pero Giger ha demostrado un uso magistral de este medio, con un
refinamiento y preciosismo equiparable al que se puede conseguirse con el óleo,
hasta el punto de que parezca mentira que la gran mayoría de sus obras hayan
sido realizadas con pistola pulverizadora a mano alzada.<br />
<br />
No obstante, sea cual sea el conocimiento que el gran publico tenga de su obra,
Giger será recordado siempre por muchos incondicionales como un maestro del
mejor arte fantástico, por supuesto no del arte fantástico lleno de clichés que
ilustra miles de portadas libros de ciencia-ficción y tantos discos de heavy
metal repletos de dragones y chicas ligeras de ropa, sino un arte que surge de
la rigurosa obsesión por explorar los poderes de la imaginación. Por ello,
Giger merece figurar junto a otros grandes como Roland Topor, Ernst Fuchs, Erik
Brauer o Frederich Schroder-Sonnenstern, por mencionar solo unos pocos,
artistas que han creado un mundo absolutamente personal y perturbador con su
arte y que transciende lo meramente estético o decorativo para llevarnos a una
visión descarnada de lo que a veces se oculta tras lo real. Son obras que
exigen del que mira un vínculo que escapa al mero gusto por divertirse o
evadirse, por mucho que de ello pueda extraerse algún tipo de placer.<br />
<br />
Hans Rudi Giger nació en 1940 en Chur, la ciudad más antigua de Suiza. Hijo de
un farmacéutico con gran reputación en la pequeña ciudad y que según el artista
muy severo como padre. El mismo Giger nos cuenta que creció y se educó entre
frascos de pociones, material médico y modelos anatómicos humanos, algo que con
seguridad influyó en su obra. Pese a lo que uno pudiera imaginar viendo sus
cuadros, fue un niño extremadamente tímido que se pasaba plácidamente las horas
jugando con un túnel fantasma que el mismo había construido. Aunque fascinado
desde muy pequeño por el sexo opuesto le podía más la vergüenza y según sus
propias palabras antes de jugar con las niñas se aseguraba de que <i>“no hubiera
que besar a nadie”</i>. En la pubertad fue desarrollando una personalidad muy
original y se interesó por cosas tan dispares como tocar jazz y la afición a
las armas de fuego (hasta el punto de empezar a coleccionar revólveres). Esta
afición a las pistolas (que mucho después volvería a cultivar y que le valió
algunos sustos) se ha vertido en numerosas ocasiones en sus cuadros, donde no
es extraño encontrar escopetas y otras armas de fuego. Ya con 17 años era una
chaval extremadamente creativo. Por ejemplo, transformó un piso superior
inutilizado de la casa familiar en lo que el llamaba <i>la habitación negra</i>,
transfigurándola con todo aquello que salía de sus lecturas juveniles. Según el
mismo, era un espacio ideado para<i> “tocar jazz con los amigos y seducir
muchachas”.</i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="color: black; mso-themecolor: text1;"><i> </i><br />
A partir de ése momento realiza algunos primerizos óleos y dibujos que ya
muestran un sentido muy macabro, así como un evidente gusto por el universo
fantástico de obras literarias como Dracula o El Fantasma de la Opera; también
un marcado contenido erótico y un regusto fetichista por las medias de mujer,
algo que iría desarrollando más y más con los años. En 1965 acaba su
preparación en la Escuela de Artes Industriales de Zúrich, y durante unos tres
años más trabaja para un estudio como diseñador de muebles de oficina e
interiores (con bastante éxito), sería en ese momento cuando la obra artística
deja de ser para Giger algo secundario. Deja su trabajo y se aplica al cien por
cien de su tiempo al arte. No obstante mientras tanto ya había dado muestras de
un gran talento publicando su serie de los <i>Atomkinder (Niños Atomicos) </i>y los
dibujos de Ein Fressen fur der Psychiater (Una comilona para el psiquiatra) en
varias revistas underground estudiantiles como <i>Clou</i> o <i>Agitation</i>. Estos últimos
dibujos serían el fruto de su estudio de Freud y la interpretación de los
sueños. Fueron reunidos y publicados en su primera carpeta de serigrafías con
una edición de 50 ejemplares y pueden ser considerados un verdadero germen de
su universo pictórico posterior. De hecho marcaría el inicio de su personal
exploración onírica en busca de motivos para sus obras. Según el propio Giger,
sus sueños, y especialmente las pesadillas, fueron durante años su principal
fuente de inspiración. La experimentación con drogas como el LSD, por ejemplo,
no le reportaría según él mejores resultados. Durante estos primeros
experimentos llegaría a intentar condicionar los sueños mediante distintas
acciones antes de dormir, lo que algunos llamarían precipitar sueños lúcidos
que despues se reflejarían en sus obras.<br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="color: black; mso-themecolor: text1;"><br />
Además de algunas primeras pinturas al óleo e infinidad de dibujos a tinta
china, también comenzó a realizar algunos trabajos escultóricos en poliester,
normalmente máscaras y distintos muebles. Todos estas creaciones solían mostrar
ya ése carácter híbrido entre lo artificial y lo orgánico, lo que después el
mismo denominaría como biomecánico y que caracterizaría toda su obra. Este
estilo precipitaría con los años una estética que sería adoptada por una
corriente de la ciencia-ficción llamada cyberpunk, que encontraría en Giger un
referente a la hora de describir a los seres humanos con componentes
tecnológicos integrados: los cyborgs. En 1966, trabajando para el estudio de
Andreas Christen en el diseño de una linea de oficinas, vive en Zúrich con el
actor de teatro Paul Weibel. A través de él conoce a la bella actriz Li Tobler,
de la que se enamora sin remisión y con la que mantendrá una relación de varios
años pero que tendría un trágico desenlace. A partir de 1967 se traslada a
vivir con ella a una casa con amenaza de demolición en la que durante las
noches y los ratos libres se dedica a realizar dibujos cada vez más grandes y
elaborados. Surgen entonces auténticas obras maestras como <i>Madre con hijo</i>,
<i>Máquina de parir</i> o<i> Bajo la tierra</i>, realizadas con una meticulosidad extraordinaria
y surgidas de lo que evidentemente es una imaginación fuera de lo normal. Si
bien durante toda esta época de iniciación (hasta 1972) intenta también refinar
su técnica al óleo sobre madera, la cual había aprendido de forma autodidacta,
pronto la abandona a favor de la tinta china trabajada con aerógrafo, técnica
que terminaría adoptando para el grueso de su obra.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="color: black; mso-themecolor: text1;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHF9YOb6IAsy_3FM9CZR8D7qxebNqnKY93nEjOsrv1H6GHW_arSYybh7w33Q_Q-pgVNl74Pg3nXv1CcS6qCRjmPMMvCJtyOL9h_4lM4V5SCSD020UJ5qPfsA2XMEk75MhHiSZ8oOAvcmw/s1600/5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHF9YOb6IAsy_3FM9CZR8D7qxebNqnKY93nEjOsrv1H6GHW_arSYybh7w33Q_Q-pgVNl74Pg3nXv1CcS6qCRjmPMMvCJtyOL9h_4lM4V5SCSD020UJ5qPfsA2XMEk75MhHiSZ8oOAvcmw/s1600/5.jpg" height="292" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="color: black; mso-themecolor: text1;">Sin embargo estos cuadros al óleo, de un marcado carácter surrealista que
evidencia la influencia del surrealismo, sobretodo los paisajes de Richard
Oelze y las imágenes eróticas de Hans Bellmer, no eran nada desdeñables. Estos
cuadros, muchos de ellos perdidos y solo conservados a través de fotografías,
mostrarían normalmente paisajes extraños semejantes al interior de órganos
anatómicos, repletos de cavidades, glándulas y excrecencias. Destaca entre
estos, los varios <i>Homenaje a S.Beckett</i> de 1968, donde figuras de carácter
larvario se retuercen incrustadas en una estructura metálica. Este motivo, la
carne atravesada por el metal y extraños componentes mecánicos, será una
constante de su carrera y le relaciona de cerca a la obra de otros artistas,
como pudieran ser el cineasta David Cronemberg o el escritor de terror Clive
Barker, ambos también obsesionados con la carne y sus posibles transformaciones,
así como por el dolor o la mutilación. Los tres, cada uno a su manera,
construirían un universo personal con estos ingredientes, donde lo artificial,
la mutación carnal y el erotismo más oscuro se mezclan indivisiblemente dando
lugar a criaturas y situaciones inconcebibles.<br />
<br />
En 1967 conoce al productor de cine F.M. Murer y colabora con él para realizar
el primer corto documental (de unos diez minutos) sobre su obra con el título
de <i>High</i>. Ese año empieza también a exponer cuadros y objetos. Así es como para
1968 ha dejado ya su trabajo decidido a dedicarse íntegramente a su carrera
artística. En ese momento, F.M Murer le pide que se encargue de algunos diseños
para Swissmade un medio-metraje de ciencia ficción que éste va a producir.
Giger ideará así su primer ser extraterrestre para el cine. También para esa
película idearía una armadura para perro realizada en vinilo en la cual sería
introducido el perro de su amigo Paul Weibel.<br />
<br />
Para 1969 empiezan ya a ser reproducidos sus imágenes en de posters, normalmente
en ediciones limitas, lo cual sería una constante durante toda su carrera, así
como lo sería algo después, a partir de finales de los 70, la edición de
grandes libros de lujo sobre su obra. Ese año también publica su magnífica
carpeta serigráfica <i>Biomecaniodes</i>, con ocho imágenes en negro sobre color
plata. Estas obras son ya una plena declaración de principios y anticipan con
toda claridad muchas creaciones posteriores, incluido el diseño de su monstruo
para <i>Alien</i>. En 1970 deja constancia de unas agobiantes pesadillas a través de
una serie de pinturas. Estos cuadros al óleo muestran cuartos de baño y
habitaciones extrañas con ventanas a interiores muy angustiosos. Gracias al
disolvente usado (gasolina) consigue una textura que hace parecer que los cuadros
estén hechos con piel. Son imágenes verdaderamente claustrofóbicas y que según
el propio Giger le sirven de terapia eficaz. Pinta también una extraña serie
denominada <i>Pasajes</i>, motivadas por un recolector de basuras que había
fotografiado y que serían la excusa para imágenes de alto contenido erótico.
Algo más tarde serían el hilo conductor para un nuevo corto documental sobre su
obra, otra vez a cargo de su amigo F.M. Murer. <br />
<br />
En 1971 forma un grupo para reivindicar el asilo político en Suiza de Tim Leary,
el guru del LSD que en ese momento se hayaba perseguido por la justicia
norteamericana. Leary es finalmente expulsado de Suiza y apresado tras una
serie de huidas de país en país. Pasará varios años en la carcel... pero esa es
otra historia. <br />
<br />
Tras varios cambios de domicilio, Giger adquiere un pequeño chalet en Zúrich y
se traslada allí junto a su compañera Li. A partir de 1972 Giger empieza usar
decididamente el aerógrafo con una serie de obras que el mismo calificaría de
psicodélicas, hachas sin plan concebido alguno al estilo del automatismo puro,
muy influidas por los escritos del pintor Ernst Fusch. Comienza haciendo obras
en blanco y negro, casi meros esbozos. Estas son de gran tamaño y observándolas
cronológicamente podemos ver como Giger va adquiriendo destreza en el manejo de
una técnica tal difícil. Entre estas primeras obras en blanco y negro se
encuentran ya algunas maravillas como <i>Chiquita</i>, gran y enrevesado dibujo de 240
x 420 centímetros. A partir de estos primeros experimentos las imágenes irían
tornándose técnicamente más complejas y adquiriendo volumen y profundidad, con
lo cual va añadiendo colores, pero pronto comprueba que usando muchos colores
estos se mezclan, lo que conlleva un verdadero caos visual. Decide usar solo
variaciones de un mismo color para cada cuadro, normalmente el gris o el
marrón, quizás algún otro más claro para resaltar efectos de luz. Esto hará que
la inmensa mayoría de sus cuadros con aerógrafo presenten un tono muy oscuro y
decadente, algo que será uno de sus sellos de fábrica. Para 1973 acomete ya
obras tan majestuosas como <i>Aleph</i>, un tipo de obra que ya deja ver tanto una
vertiente surrealista como un creciente interés por los símbolos ocultistas. <br />
<br />
Ese año muere uno de sus mejores amigos, el pintor Friedrich Kuhn, para Giger
de los mejores pintores de Suiza. Sobre una fotografía ampliada de su amigo
realiza una serie de retoques con aerógrafo, el resultado será un espléndido
retrato de Kuhn convertido en un Mago rodeado de seres fantásticos. Ya por esa
época Giger es ya muy conocido en el extranjero. Recibe el encargo de realizar
la portada de un disco para el grupo de rock progresivo <i>Emerson Lake and
Palmer</i>, lo cual acomete sin pensarselo. Aun así no es su primera ni última
relación con la música y la industria discográfica. Ya en 1968 había hecho la
cartelería para el grupo suizo de rock-satírico-político <i>Flogh de Cologne</i> y en
1969 había ilustrado el disco del grupo de hard rock underground <i>Walpurgis</i>.
Posteriormente músicos y grupos tan dispares como <i>Magma</i>, <i>Debbie Harry</i>, <i>Celtic
Frost</i> o <i>Steve Stevens</i> utilizarían imágenes de Giger (algunas expresamente
hechas para ellos) para ilustrar sus vinilos. <br />
<br />
Sería también en ese año,1973, cuando se encierra durante dos semanas junto a
los pintores Claude Zandoz y Walter Wegmüller en lo que sería la realización de
una serie de estupendas pinturas conjuntas. El resultado son unas obras
increibles que conjugan el talento de tres grandes artistas. Esto sería vertido
en un documental de J.J. Wittmer. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrrQJEDN8Qh98YZBjf-2XYZ9nasQLDPY4IIjX89pJRKtiXMWWS7CO7Xs7uS8UyPT9deia7rzjsI5ySO-rlJWSvnpCqArUUyhzVu6eE6dwIKcKgWsj9GKSdTxjh_q0YSxKs4mG537Gsy-g/s1600/7.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrrQJEDN8Qh98YZBjf-2XYZ9nasQLDPY4IIjX89pJRKtiXMWWS7CO7Xs7uS8UyPT9deia7rzjsI5ySO-rlJWSvnpCqArUUyhzVu6eE6dwIKcKgWsj9GKSdTxjh_q0YSxKs4mG537Gsy-g/s1600/7.jpg" height="320" width="236" /></a><span style="color: black; mso-themecolor: text1;">En 1975 su obra ya ha adquirido una consistencia increible, es un universo
verdaderamente personal con sus propias leyes. Ese año expone su gran <i>Templo de
los Pasajes</i>. Una obra espectacular pensada para crear un entorno
tridimensional, una especie habitación a la que el observador entra y queda
rodeado literalmente del mundo de Giger. Esta obra inicia la etapa más madura y
prolífica del artista, que durará hasta mediados de los 80. Sin embargo no todo
es felicidad, pues llega una repentina tragedia. A finales de ése año Li recae
en un fuerte estado depresivo (a los cuales era muy propensa) y se suicida con
un disparo de revolver. Esto supone un shock para el artista. Siempre recaerá
sobre él la acusación de haber influido negativamente sobre su compañera a
través de la temática de sus obras o su carácter tan atraído por todo lo
morboso. Pese a estas acusaciones, la muerte de su compañera deja un inmenso
vacío en el artista y decide celebrar un ritual en honor suyo. Se trata de <i>The
Second Celebration of the four</i>, realizado en 1976, segunda parte de una
perfomance anterior y que Giger decidió convertir en un memorial especialmente
ideado para Li. De este acto se derivó una serie de imágenes que serían
publicadas en un álbum de edición muy limitada. <br />
<br />
Pese a esta repentina tragedia Giger no descansa creativamente. A través del
pintor norteamericano Robert Venosa conoce a Alejandro Jodorowsky, el famoso
mimo, actor, escritor, guionista de comics, mago y director de cine que en ése
momento estaba tramando la adaptación de <i>Dune</i>, el famoso libro de
ciencia-ficción. A través del director chileno Giger conoce personalmente en
Cadaques a Salvador Dali, al que admiraba desde siempre. Dali iba a figurar en
la película a petición de Jodorowsky, pero dado que el insaciable pintor
catalán pedía un desorbitado caché por ello (100.000 dolares a la hora!!) y a
casua sus constantes observaciones a favor del franquismo (algo que Jodorowsky
no podía soportar) todo el proyecto se fue al garete, sobretodo por no
encontrar financiación suficiente. Sin embargo a Giger le dio tiempo de
realizar una serie de diseños que serían su primera contribución (que en este
caso no se materializaría) a una gran producción de cine. Viendo estos diseños
resulta una pena que no llegaran a ser puestos en escena, una auténtica maravilla.
El también gran artista Moebius escribía parte del guión y diseñaba algunos
detalles relativos a la parte positiva de la historia. Giger tenía a su
disposición todo el oscuro mundo de los <i>Harcones</i>, por supuesto los malos de la
novela. Posteriormete Giger se quejaría de que siempre le tocara diseñar los
monstruos o los malos, pero dado su estilo es lógico que así fuera. Aun así
sería una experiencia ver unos dibujos a lo <i>Disney</i> con diseños de Giger... </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFtX8GiiSzgNUcI9d-iaqucdQnT1sB_oTjUOYlq8hpn0c80WiWcH2Y7dj5kbVX2tCPolq994PwG64fWOGVCmigZL8sd2KolzTQdgNwJYmuHK3Ojc-QAv9dKRHKKbSoRn9JbbgD0eXKmj8/s1600/8.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFtX8GiiSzgNUcI9d-iaqucdQnT1sB_oTjUOYlq8hpn0c80WiWcH2Y7dj5kbVX2tCPolq994PwG64fWOGVCmigZL8sd2KolzTQdgNwJYmuHK3Ojc-QAv9dKRHKKbSoRn9JbbgD0eXKmj8/s1600/8.jpg" height="320" width="257" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="color: black; mso-themecolor: text1;">Como ya hemos dicho, durante todo este periodo de los 70 Giger había hecho
llegar sus cuadros a unos parámetros geniales mezclando sus ideas estéticas
sobre la biomecánica, su atracción por el erotismo o los símbolos del
ocultismo. Destaca entre todo esto la serie <i>The Spell</i>. Son cuatro grandes
paneles que podemos considerar de lo mejor del pintor. Una de estas obras es
una adaptación del <i>Baphomet</i> (supuesto ídolo de los templarios) de Eliphas levi,
famoso ocultista del siglo XIX. Conservando las principales referencias
esotéricas del dibujo original, Giger adapta el diseño a su propio mundo, el
resultado es una imagen inolvidable que destila una auténtica oscuridad y
perversión. Ya había dejado ver su intenso interés por el ocultismo en otras
obras, como el retrato de Aleister Crowley, también llamado la Bestia, uno de
los magos más seguidos y con peor fama (infundada en su mayor parte) del siglo
XX. <br />
<br />
Aquel primer e infructuoso proyecto para adaptar Dune en 1975 tiene ahora sus
frutos. En ese momento, 1977, se había publicado el primer gran libro sobre su obra:
Giger’s Necronomicon, un libro espléndido que incluye gran parte de sus cuadros
y dibujos realizados hasta la época. Este libro cae en las manos del productor
y guionista Dan O’Bannon, el cual tiene planeado hacer una película de
ciencia-ficción titulada <i>Alien </i>y ve en las imágenes de Giger algo perfecto para
lo que tenía pensado. Los ejecutivos de la Fox son rapidamente convencidos de
que Giger es el hombre que debe diseñar gran parte de los escenarios, pero
sobretodo el monstruo, centro indiscutible de todo el film. Nuevamente
compartirá diseños con Moebius y nuevamente será él quien se encargue de los
componentes más macabros del proyecto. <br />
<br />
Sus diseños para <i>Alien </i>resultan un éxito rotundo. Con su participación en esta
película Giger altera en su totalidad la estética convencional de la
ciencia-ficción, al menos en su versión cinematográfica. Nada que ver su visión
del género con películas como <i>2001: un Odisea en el espacio</i>, más bien sería
equiparable al terror cósmico de un H.P. Lovecraft y sus ideas sobre seres
interplanetarios de carácter maligno. De hecho Alien es básicamente una
película de terror ambientada en el espacio y Giger sabe sacar todo el partido
de esto. Con su monstruo, Giger encarna una imagen perfecta del alienígena
inefable y absolutamente falto de empatía por el ser humano, más que un animal
parece un insecto, aunque de una gran inteligencia. Además, el artista juega
claramente con símbolos sexuales de todo tipo para crear no solo el monstruo
sino también el entorno donde es descubierto, algo que recarga aun más la
capacidad perturbadora de las imágenes puestas en acción. Toda la larga escena
en la nave alienígena abandonada, totalmente apoyada en sus diseños, es una
cumbre del cine de terror, por lo cual no es extraño que le fuera concedido el
Oscar. <br />
<br />
Ese año había conocido a la que sería su segunda espoca, Mía Bonzanigo. Su
trabajo en <i>Alien</i> y la atracción por su nueva compañera le inspira la serie de
<i>Erotomechanics,</i> obras de un carácter eminentemente erótico. En éstas puede
observarse como el acto sexual ha sido absorvido por la geografía y se nos
mostrará como paisajes de otro mundo o como parte de un complejo biomecanismo.
Son obras absolutamente explicitas y que para muchos suponen mera pornografía.
Sea como sea son obras muy interesantes que llevan un paso más lejos
experimentos que en ese sentido realizara ya en los años 30 un pintor como Hans
Bellmer, artista con el que Giger tiene una evidente deuda. <br />
<br />
Hasta mediados de 1980 se encuentra absorvido por todo el proceso de promoción
de <i>Alien.</i> De sus frecuentes viajes a Estados Unidos nace una fascinación por
sus ciudades, la mostruosidad de los rascacielos y el carácter de una sociedad
tan maquinal. De esta fascinación surge su serie de pinturas <i>N.Y. City</i>. En
estas obras usa por primera vez unas plantillas para componentes eléctricos
suministradas por su amigo Cornelius de Fries (que en ese momento se encargaba
de llevar a las tres dimensiones sus diseños de muebles para la película de
<i>Dune</i>). Estas plantillas le permite realizar obras muy complejas y que expresan
a la perfección la arquitectura de ciudades frías e inhumanas. A partir de este
momento y a través de los años 80 y principios de los 90 se puede detectar una
cierta decadencia en la obra de Giger. Seguirá realizando muchos diseños para
el cine, entre ellos para <i>The Tourist</i>, nunca realizada, o para la segunda parte
de <i>Polstergeist</i>, si hecha realidad pero con resultados poco satisfactorios para
Giger. Más recientemente se encargaría de Species y la tercera parte de Alien.
Sin embargo no volvería a tener tanto éxito como con la primera parte Alien.
Además se dedicaría a otras ocupaciones al margen de la pintura como diseños de
joyas, bolsos o relojes para la famosa marca <i>Swatch</i>, incluso la creación de un
par de bares con su nombre y estética en Chur y Tokio. Todo esto hizo que se
fuera alejando del arte cada vez más. Aunque todavía le daría tiempo de hacer
obras muy destacables, como la impresionante Anima Mia en 1988, pero es
evidente que ya no tenían la fuerza de los comienzos. Llegado un momento
abandona la técnica del aerógrafo, prefiriendo usar colores a la cera y la
tinta china para sus obras más recientes, estas además serán cada vez más
modestas en tamaño. <br />
<br />
Aun así su fama no ha dejado de crecer en todos estos años. A mediados de los
90 se inaugura una página web oficial sobre su obra que es visitada por
millones de personas. Cada cierto tiempo se reeditan todos sus libros o salen
otros nuevos, en incluso, ya como reconocimiento total, se abre un
impresionante Museo Giger en Gruyere, Suiza. <br />
<br />
Sin embargo, tal y como dijimos en un comienzo, el nombre de Giger
dificilmente irá junto a otros grandes. El especial carácter de su obra, la
forma en que ésta ha sido dada a conocer, sus ocupaciones extra-pictóricas y el
altísimo grado de comercialización de su nombre ha hecho que quede bastante
relegado. No obstante, volvemos a señalar que su obra merece ser conocida en
profundidad, sobretodo la de los años 70, porque sumergirse en el mundo de este
maestro del arte fantástico significa una experiencia inolvidable.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYCjNcW0P93WNl_kt2kOYbj80Q9z2V92fgjS0_MJS_cuXZUmYfiur1FXCpTfvhtrLkRV-E-Dvjl38U-_jK8DD_3MvGxZmNxGLYQ2TkfMdxOZHN7CQ45xp_PKaHu-nMZo3KGnVosa6-Jw8/s1600/6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYCjNcW0P93WNl_kt2kOYbj80Q9z2V92fgjS0_MJS_cuXZUmYfiur1FXCpTfvhtrLkRV-E-Dvjl38U-_jK8DD_3MvGxZmNxGLYQ2TkfMdxOZHN7CQ45xp_PKaHu-nMZo3KGnVosa6-Jw8/s1600/6.jpg" height="345" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<b><span style="color: black; mso-themecolor: text1;"><i>Artículo de Antonio Ramírez. </i></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="color: black;"><i>Bibliografía usada:</i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="color: black;"></span><span style="color: black;"><i><i>HR Giger ARh+</i></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="color: black;"><i><i><i>HR Giger's Necronomicon 1 y 2</i></i></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="color: black;"></span><span style="color: black;"><i><i><i><i>HR Giger's Biomechanics</i></i></i></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-68401546332631951772013-05-12T06:38:00.000-07:002013-05-12T06:47:24.009-07:00J.C. Sisto (Discografía).<!--[if gte mso 9]><xml>
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<span style="font-size: x-small;"><i><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">(Artículo publicado en la web Mentes de ácido en 2008)</span></span></i></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlLrh7-WkqCyI4aIcuIliwfCN1scpwjBQw88g4Ai6D8sme1MTz0OOLv5zbNZLZQ5sbOOXFf3XV7DnpT9eVSrvuxz1veGCaz5Ha9j7EqWXX6MEb3wrWtWiUX77YBxnbgvkEXs_6pavlxNY/s1600/sistopequex.jpg"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlLrh7-WkqCyI4aIcuIliwfCN1scpwjBQw88g4Ai6D8sme1MTz0OOLv5zbNZLZQ5sbOOXFf3XV7DnpT9eVSrvuxz1veGCaz5Ha9j7EqWXX6MEb3wrWtWiUX77YBxnbgvkEXs_6pavlxNY/s640/sistopequex.jpg" /></a></span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Descubrir la existencia de un músico como Jose Carlos Sisto fue una de las razones que me llevaron a comenzar la web Mentes de Ácido y especialmente desde el punto de visto de un fan, nunca desde la de un crítico o un "entendido" (que por otro lado estoy lejos de ser). La sorpresa de tener en nuestro país un guitarrista de la talla de un Nick Saloman o un Gary Ramon me supuso una inmensa alegría, pero por otro lado sentí una gran decepción al comprender hasta que punto había sido ignorado por los medios y sellos discográficos que supuestamente apoyan el underground y que sin embargo han mantenido un casi total desinterés ante su música. Sería de otra manera si Sisto fuera inglés, yanqui o de algún otro país, pero ya sea por prejuicios, incultura musical o quien sabe que, el hecho de un que un español practique heavy psych de tremenda calidad no parece despertar demasiado interés en este país. No obstante, la realidad es que Sisto ha producido un buen puñado de canciones que no deberían pasar desapercibidas para cualquier amante de la psicodelia más guitarrera, y eso es lo que en verdad importa. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Con este artículo queremos hacer un repaso de las grabaciones de J.C. Sisto, normalmente repartidas en pequeñas ediciones artesanales en CD que casi siempre han corrido a cargo de él mismo y con formaciones que nunca han logrado ser estables demasiado tiempo. Seguramente sea por esta razón que su música es bastante desconocida incluso para gran parte de los aficionados a la psicodelia, el space rock o el progresivo, ya que es bastante difícil hacerse con sus discos, tan solo localizables en algunas tiendas especializadas o catálogos de venta por correo.</span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Pero comencemos por el principio. Este músico jerezano (madrileño de adopción) comenzó su andadura musical alrededor de 1994 con un grupo de su ciudad llamado Los Expresionistas, banda en formación de trío que también incluía a Juan M. Cabral al bajo (también participó Juan M. Bermudez con este instrumento) y Pablo León a la batería. Hace poco el sello Golem Discos (creado por el propio Sisto) ha editado un CD que recopila material de las tres maquetas que llegó a realizar la formación y gracias a eso podemos hacernos una idea de como sonaban Los Expresionistas. A medio camino entre el rock ácido y un power pop bastante agresivo, este es el grupo que sirvió a Sisto para ir encontrando un estilo y afinar su gran talento a la guitarra. Es verdad que estas maquetas suenan primerizas y algo dispares, pero entre ellas hay un material excelente que anticipa de forma clara muchos de los ingredientes que posteriormente destacarán en Fuzz Machine y Mater Dronic. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi04EuVWH-6xGGreUD9umIV9NPdyCvm3DhSHZlYigXl-SMjFsaXXtBQLpb-gbuQ9iPbKjUEJ2nxt39oGaia51kb5AyPgQ9vqOJ3Hwb_1tD-xtefktzyZUa08AH3kNqyFP56vE9E1BnP5RM/s1600/1.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi04EuVWH-6xGGreUD9umIV9NPdyCvm3DhSHZlYigXl-SMjFsaXXtBQLpb-gbuQ9iPbKjUEJ2nxt39oGaia51kb5AyPgQ9vqOJ3Hwb_1tD-xtefktzyZUa08AH3kNqyFP56vE9E1BnP5RM/s1600/1.JPG" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Con letras en castellano (siempre será así en todos sus proyectos, salvo en muy pocas excepciones) de un estilo entre surrealista y de un romanticismo cruel (muy al estilo de un Corcobado, pero podríamos decir que "psicodelizado") Sisto nos ofrece unas composiciones muy melódicas, aunque a veces sean de una aspereza eléctrica desatada. Él es un vocalista más que aceptable para un estilo que se preste a las melodías muy marcada o los estribillos pegadizos, Los Expresionistas explotaban esto al máximo en temas que a veces rozan lo empalagoso, otros, no obstante, entran en un sonido mucho más agresivo y machacón, pero en ambos casos con un punto ácido y efervescente que los hace francamente interesantes. Temas como "Visión de una existencia", "La Garganta" o el instrumental "Danza del sur" son plenamente hardrockeros y contundentes, aquí encontramos al Sisto que gusta de desparramar y abusar de los pedales, pero otros como "Princesa Luciérnaga" o "Mudos ojos" son mucho más calmados e introspectivos, más cercanos a un pop que podríamos definir como decadente. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Respecto a la suerte del grupo, parece ser que ya desde sus primeros conciertos Los Expresionistas comenzaron a provocar reacciones muy positivas en el público. Como método de promoción se presentaron a varios concursos musicales resultando ganadores (incluso llegaron a ser seleccionados para el Villa de Bilbao), lo que les valió para grabar sus maquetas en condiciones bastante aceptables de sonido. En un momento dado entablaron conversaciones con un sello malagueño con la idea de sacar un EP, para ello se grabaron cuatro temas (que puedes encontrar en el CD de Fuzz Machine "Púrpura Ardiendo"), pero tal EP, desgraciadamente, nunca vio la luz. Después de esto, para colmo, ganaron otro concurso, esta vez celebrado en Jaén, cuyo premio iba a ser la grabación de un LP, pero por desgracia el organizador escapó con la pasta y nunca llegó a materializarse el premio. Así pues, entre una cosa y otra el grupo no llego a despegar del todo y como no podía ser de otra manera terminaron por perder la ilusión y se disolvieron. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Tras su aventura con esta banda Sisto se traslada a Madrid para probar mejor suerte. Allí lo intenta con varios proyectos que no llegan a nada (entre los que se incluye una efímera banda, llamada Rama Lama, junto con Kike Turmix). Gracias a estos vaivenes conoce a Pedro Leon, que tocaba la guitarra (de hecho actualmente es el guitarrista de T Sex, excelente grupo de hard blues rock afincado en Illescas, Toledo), pero que para la ocasión decide acompañarle al bajo. Además se encuentra casualmente con Pablo Moreno (un amigo de Jerez) que asume el puesto en la batería, y de esta manera nace Fuzz Machine, nuevamente un trío, pero esta vez de un carácter mucho más hardrockero y a la vez desarrollando e intensificando la "acidez" que ya había germinalmente en Los Expresionistas. En todo caso será un grupo con mucha más solidez estilística. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Poco después de unirse ya están trabajando en un repertorio bastante amplio, del que elijen cuatro temas y editan una demo llamada "Vuelvo a tu mente". Escuchando esta demo se podría pensar en Lagartija Nick como referencia muy cercana, pero creo que solo hasta cierto punto, Fuzz Machine son más contundentes y muchísimo más excesivos en cuanto al uso de la distorsión. Sisto ha subido la intensidad de su guitarra de forma evidente y es la absoluta protagonista de todos los temas con unos riffs aplastantes y unos solos interminables que vienen directamente de una tradición musical que si bien se remonta a los años 60/70 (Wicked Lady, Dark, Morgen, Human Instinct, Flower Trabellin Band, etc) tiene una más clara comparación en la nueva psicodelia que resurgió en los 80 y continuó en los 90 con grupos ya míticos como Bevis Frond, Oustkirts of Infinity, Sun Dial, The Morticians o Fantasyy Factoryy, etc. Por otro lado, debido sobretodo a la cualidad tan pop de la voz de Sisto, hay rastros del sonido freakbeat de grupos como Open Mind o Creation, con melodías floridas y agradables que se amoldan perfectamente a la guitarra. Por su parte, la base rítmica no se queda atrás y hace su trabajo a la perfección sonando muy compacta, destacando el batería (a medio camino entre la sutileza y lo embrutecido). </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Si bien la demo fue grabada, lógicamente, con unas limitaciones técnicas que hace que la banda no sonara al cien por cien de sus posibilidades, por ahí circulan discos que sonando peor se tienen por obras maestras, y esta maqueta es, hablando claro, una pequeña joya del heavy pych producido en este país. Tres de estos temas serían posteriormente regrabados para un EP, pero aquí suenan diferentes, con otros arreglos y una calidad de sonido inferior, pero aun así merece mucho la pena buscar esta maqueta y disfrutar del salvajismo luminoso de su sonido. Además, el último de los temas, "Astro Voodoo", no fue elegido para ese EP ni ha vuelto a aparecer en ninguno de los CD's editados por El Golem Discos, por tanto solo podrás escucharlo en esta maqueta. </span></span></span></h4>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZhkOT6XymqOS55_509sgjSOnbu_XBv0jip6ChUmGSu4M8AV1qfFszhYKato_PoaHP0qEvaid3hOfxm4MfnkkK8U8SiDlyCtm8HrZdJAcr4qFTU6EBjae-kPvu2XDtJaPCMzUG1dtVTvU/s1600/2.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZhkOT6XymqOS55_509sgjSOnbu_XBv0jip6ChUmGSu4M8AV1qfFszhYKato_PoaHP0qEvaid3hOfxm4MfnkkK8U8SiDlyCtm8HrZdJAcr4qFTU6EBjae-kPvu2XDtJaPCMzUG1dtVTvU/s1600/2.JPG" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"> En verano de 2002, los Fuzz Machine participan en la fiesta de presentación de la primera edición del desaparecido festival Serie Z, celebrado en Jerez de la Frontera. Por esa época también estuvieron en conversaciones con Animal Records para editar un EP de cuatro temas que se iba a llamar "Púrpura ardiendo". Los temas se grabaron y también se diseñó la cubierta, pero al final nada de esto vio la luz y ese material permaneció inédito hasta que recientemente ha sido editado en un CD con mucho material adicional. Los cuatro primeros temas son los que pertenecen al EP "Púrpura Ardiendo", de los cuales tres, como se ha dicho más atrás, ya conocíamos por la maqueta. Para este CD se ha respetado la portada tal y como iba a ser para el EP, un diseño que homenajea un viejo cartel de los Soft Machine. Los temas que lo componen son: "Mientras te vas", un poderoso rock que mezcla mucha y buena armonía en las voces con una base rítmica impactante y la siempre omnipresente y florida guitarra de Sisto. "Vuelvo a tu mente", de la que podríamos decir sin problemas que pertenece a la mejor tradición heavy psych, y es que las entradas de guitarras suenan verdaderamente brutales, con overdubs hasta el infinito que pueden hacer que tu cerebro se desdoble. Llega después el magnífico "Reptil Espacial", quizás el tema más redondo de Fuzz Machine, con una letra realmente sideral y un riff muy marchoso que no podrás dejar de seguir con todo el cuerpo. Y para acabar: "Sígueme en cada imagen", un corte algo más tranquilo y también melódicamente muy efectivo. En fin, escuchando estos cuatro temas resulta incomprensible que no se editara este EP en su día, hubiera sido rápidamente catalogado de culto para muchos de los seguidores de este tipo de sonidos y siendo por un sello como Animal, muy en boga en ese momento, hubiera dado mucha proyección a Sisto y su grupo. Cosas de la vida. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Como material adicional al CD “Purpura Ardiendo” hay cuatro temas que pertenecen a la etapa 1997-98, aun con Los Expresionistas, concretamente los que hubieran pertenecido al EP que tampoco en esa ocasión llegó a editarse. Sisto se acompañaba en estas sesiones de J. Miguel Cabral al bajo y Pablo Leon a la batería. Los temas son: "No pude mirar", que en mi opinión se acerca por momentos a una cierta atmosfera sixtie en las melodías, con mucho de los Beatles y algo de los Who, aunque siempre con esa impresionante guitarra de Sisto. "Alucinógeno" es bastante más garagero y agresivo. "Resurgimiento" es quizás mi preferido de esta etapa, un corte rápido y también con un cierto toque sesentero que animaría a un muerto, con melodía y guitarra a partes iguales. "Elektroshock" es bastante más potente, donde ante todo destaca la base rítmica muy cañera y una guitarra tremendamente distorsionada que en el centro se marca un fenomenal solo. Termina el CD con "Incomunicado", un corte bastante anterior (de 1993) y que se extrae de la primera maqueta de Los Expresionistas, que por lo demás anuncia lo que Sisto haría más adelante con Mater Dronic, ya que es un corte largo y bastante más desarrollado que los anteriores (y que los de Fuzz Machine), donde el grupo se toma su tiempo para ir transmitiendo la magia psicodélica. Hay que decirlo una vez más: es impresionante la guitarra y las formas que Sisto va creando a lo largo de todo el tema. Un auténtico placer. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">En resumen, un CD imprescindible para conocer la evolución de Sisto. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Por desgracia Fuzz Machine tampoco llegó a cuajar y terminó por desaparecer, pero Sisto siguió probando con otras formaciones, cada vez más desanimado respecto a hacerse un hueco en el mercado discográfico "oficial" y en cierta manera resignado a ser el paradigma del músico underground que se tiene que editar a si mismo sus trabajos. Así, en 2004, (acompañado de unos cuantos músicos, algunos de ellos decidiendo aparecer con seudónimo) resurge con fuerza presentando su nuevo grupo, Mater Dronic, con la edición de "Mundo Espectro", un CD que en mi opinión supuso no solo la demostración de una profunda evolución musical desde la crudeza de Fuzz Machine hacia un sonido más refinado, complejo y espacial, sino también la revitalización de la casi inexistente escena psicodélica en este país en un momento en que la mayoría de las bandas que se acercaban a ese estilo estaban inactivas o incluso separadas. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Es este un disco valiente y único, un inmenso disco de rock psicodélico que además incluye importantes elementos del progresivo y space rock. Entendiendo que la psicodelia es más una forma de afrontar la creación musical que un estilo en si totalmente definido y cerrado, podemos decir que este primer trabajo de Mater Dronic es una obra absolutamente personal que huye de los mimetismos y comparaciones más evidentes. Por supuesto, como no podía ser de otra manera, es posible detectar muchas influencias y el lógico legado de décadas de rock ácido, más aun teniendo en cuenta que Sisto es un apasionado melómano y persistente coleccionista de discos. Por lo cual, a la hora de buscar referencias para su música, pueden salir a la palestra muchos nombres: Hawkwind, Bevis Frond, Jimi Hendrix, Sun Dial, Ashra Tempel, Acid Mothers Temple... pero que duda cabe que todos estas referencias han sido pasadas por una especial visión y una personalidad que los ha hecho totalmente suyos. Sisto es, ademas, un guitarrista portentoso, pero no hablamos aquí de mera virtuosidad técnica, sino de la capacidad de saber manejar con auténtica pasión una energía tan particular como es la electricidad convertida en música. Tocar así la guitarra, tal y como el lo hace, supone algo más que cuestión de técnica, oído y armonicidad, más bien es necesario saber sintonizar con esa emisora de rádio cósmica que ya visitaron en su momentos otros pocos elegidos. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Así pues, escuchar este disco, sumergirse en sus matices y laberínticas melodías, es toda una experiencia sónica inolvidable. Es verdad que se ha perdido parte de la fuerza y espontaneidad de Fuzz Machine, pero se ha ganado en complejidad y madurez. Cuando suena el primer tema, "Ángeles de opio", es como despegar hacia un viaje de emociones e imágenes alucinadas. Este primer corte es de por si hipnótico, un mantra de guitarras que va desarrollándose sinuosamente. Además, la voz de Sisto pone aquí los pelos de punta. Le sigue "De todo y nada y mientras", un tema mucho más rockero, más cercano al antiguo material de Fuzz machine. Nuevamente son impresionantes las guitarras que por momentos se duplican y triplican (o más) en un orden caótico alucinógeno que te dejará para el arrastre. Con "Mascaras de cielo" llega un momento más pausado, pero no por ello menos emocionante, la colaboración de Maki a la voz, combinada con la acústica, algunos sonidos eléctricos y percusiones muy delicadas, aporta un oasis de suavidad en medio de tanta tormenta eléctrica. Un tema que solo podemos calificar como bello. Después "Sin Fin", un corte de 19:26 minutos y quizás el tema más complejo del disco. Empieza de una forma sutil, pero poco a poco se eleva en todos los sentidos, cuando al momento en que Sisto dice: "Te regalo un viaje astral" se nos introduce de golpe en una dimensión musical de figuras absorbentes que van creciendo en intensidad hasta llegar al paroxismo psicodélico. A tener en cuenta la aportación de Thomas Rundquist al "freak piano", tal y como se lo define en la carpetilla del CD y Justo Bagüeste a los efectos sonoros, todo apoyado por una base rítmica impresionante y la siempre omnipresente guitarra de Sisto. "Amor Glacial" y "Como extraño" son otros dos temas repletos de matices, algo más pausados. Especialmente destacable el segundo, con un solo de guitarra demoledor en su centro. "Fuera del tiempo", penúltimo tema, una especie de blues de otro planeta y terriblemente lisérgico, tanto en su letra como por su estructura, sin percusión, apoyada en unas voces y guitarras distorsionadas y una armónica que entra de golpe para aumentar, si cabe, las emociones. Y como tema final "Sanctus mantra", con uno de los comienzos más guapos y alucinantes que nunca he oído. Brutal el trabajo de batería que no deja de remarcar las guitarras de Sisto mientras éstas van entrecruzándose dibujando figuras propias de un raga en el aire. Quizás sea el mejor tema, pero difícil es saberlo entre tanta calidad, en todo un caso es un magistral cierre para un disco imprescindible en la psicodelia actual no solo de nuestro país, sino también a escala internacional. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">No obstante, parece que este disco no cosechó la relevancia que se merecía, aunque se ha movido por el extranjero y debe ser a estas alturas bastante conocido entre los aficionados de la psicodelia más dura. Es el primer trabajo de J. C. Sisto editado de una manera profesional, con una presentación más que buena (la excelente cubierta corrió a cargo de Angel Rodriguez, batería de los T Sex) y quizás sea, para quien no la conozca, la mejor forma de acercarse a su música. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Se hicieron algunos conciertos de presentación de este disco, entre ellos uno en el Magic Festival de Torredembarra. A partir de ese momento se alía por una buena temporada con los hermanos Ceballos de RIP KC, pasando Sergio de la guitarra (normalmente su instrumento) al bajo y obteniendo así un nuevo trío, formación que parece la más cómoda para Sisto. De esta manera tocan en 2005, para nuestra gran satisfacción, en el primer festival Mentes de Ácido de Sevilla. Fue un concierto realmente inolvidable. </span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">No obstante, con los dos hermanos también absorbidos por su propio grupo los ensayos son pocos, aunque intensos, y deciden registrar alguno de ellos. Como resultado se editará una grabación con el título de "Sesiones Drónicas Vol. 2.", esta vez bajo la denominación de Fuzzy Lady. El CD consta de dos temas muy largos y con una calidad de sonido tirando para floja pero que va bien a este tipo de grabaciones que en cierta manera buscan eso: un sonido sucio y vibrante muy en la onda de las Acid Jams editadas en su momento por Woronzow Records (sello de Nick Saloman de Bevis Frond). Respecto a lo musical, estos dos temas son el resultado de la más pura improvisación guitarrera, la base rítmica es en realidad muy simple, con una línea siempre continua, siendo la verdadera protagonista la guitarra con una desbordante muestra de sonidos distorsionados y melodías marcianas que ascienden y descienden en ondas de pura electricidad. Estas sesiones fueron editadas por el sello El Ajo Rojo (aunque después serían reeditadas por El Golem), un sello underground de Madrid que además de este CD cuenta con otras referencias que pueden interesar a los amantes de la psicodelia y el experimentalismo más silvestre. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">En un momento dado la colaboración con Adrian y Sergio también llega a su fin, quedan atrás unos cuantos conciertos y, especialmente, un inapreciable intercambio de conocimiento musical, especialmente en lo que respecta a RIP KC, que bajo mi punto de vista se vio bastante influido por este contacto con la música de Sisto. Sus dos últimos discos son la prueba de un acercamiento decidido a un rock más influido por la psicodelia y la experimentación. </span></span></span></h4>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis3QXaO2CnwXURCGv5gAz8HovEbGY1iYNcJzJ52STJlYTgyGg9Y_2NI8BeIh9jU9FqBANSjRwf9wCzULzr-P6A0Zp91QmCL71pZxXOZAP-QUHAim9eSVECxwx4UAadnmsBDX32Y5LwFXI/s1600/Sesiones+Acidas.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis3QXaO2CnwXURCGv5gAz8HovEbGY1iYNcJzJ52STJlYTgyGg9Y_2NI8BeIh9jU9FqBANSjRwf9wCzULzr-P6A0Zp91QmCL71pZxXOZAP-QUHAim9eSVECxwx4UAadnmsBDX32Y5LwFXI/s320/Sesiones+Acidas.jpg" width="320" /></a><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">Mientras tanto se había iniciado la precaria pero ilusionada existencia de un pequeño sello: Mentes de Ácido Records, que fue creado entre varios amigos y usuarios del foro vinculado a esta web que estás leyendo. Sin ánimo de lucro alguno y con el único interés de apoyar un cierto tipo de música, nos propusimos editar un primer CD que fuera especial, y sinceramente creo que lo conseguimos. Para la primera de nuestras “Sesiones Ácidas” logramos reunir en un pequeño estudio de Sevilla a cuatro de los mejores músicos de la escena underground de este país: Marco Serrato (bajo) y Borja Diaz (batería) de Orthodox, David Ruiz (batería) de Viaje a 800 y J.C. Sisto a la guitarra. A esta formación de lujo solo le pusimos una condición: que grabaran una versión de Tomorrow Never Know, ya que Sisto había estado tocándola en algunos conciertos de una reunión de Fuzz Machine en Jerez y tenía preparado un arreglo de guitarra. Aparte de esto los músicos no tenían ninguna idea preestablecida de lo que iban a hacer, no habían ensayado nada ni acordado ningún tipo de base sobre el que trabajar, así pues iban a saltar sin red. Sin embargo, ya fuera por el buen ambiente que inmediatamente se creó, o quizás que no había presiones de ningún tipo por parte de nadie, la sesión fluyó increiblemente.</span></span></span></h4>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">La calidad de la grabación no es totalmente óptima, pero aun así registró a la perfección la atmósfera que se creó en el estudio. Comenzaron con “Tomorrow Never Knows”, sin ningún tipo de preparación, y lo iba a ser una versión más o menos fiel se convirtió en un largo corte de 20:15 minutos que a partir de la mitad deriva en algo que no tiene nada que ver con el famoso tema de los Beatles. Fue un comienzo mágico y la continuación no bajó el nivel, la interacción entre los cuatro fue increible y fluida. Es evidente que es un disco donde la guitarra lleva casi todo el peso, pero aun así la doble batería y el bajo hacen un trabajo crucial para la fuerza que se llegó a conseguir. De haber habido más medios y tiempo para un trabajo de composición propiamente dicho hubiera sido muy interesante ver el resultado, ya que la mezcla de intereses y personalidades de los cuatro, además de la calidad de cada uno, da que pensar en un resultado explosivo. </span></span></span></h4>
<h4>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;">De un total que cabría en dos CD's se seleccionó algo más de 50 minutos y el producto es un CD que denominamos “Espacio Negativo” (tal y como se llama uno de los mejores temas que incluye el disco). El CD se ha puesto a la venta en varios puntos... ¡aunque hay que admitir que como discográfica somos un desastre gestionando la distribución y otros menesteres! </span></span></span></h4>
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<h4 style="text-align: right;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><i><b>Artículo de Antonio Ramírez</b></i></span></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><i><b>Bonus: Demo completa "Vuelvo a tu mente" de </b></i></span><i><b>Fuzz Machine editada en 2002.</b></i></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><i><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=twtJPKEdNs8">1. Mientras te vas</a></b></i></span></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><i><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=khAPzKzr6EY">2. Vuelvo a tu mente</a></b></i></span></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><i><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=KF3_2FLLl3w">3. Reptil espacial</a> </b></i></span></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-size: small;"><i><b><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=cnWgh7HuwzQ">4. Astro Vodoo</a></span> </span></span></span></b></i></span></span></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-size: small;"><i><b><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"> </span></span></span></b></i></span></span></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-size: small;"><i><b><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"> </span> </span></span></b></i></span></span></span></span></h4>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<h4 style="text-align: justify;">
</h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-size: small;"><i><b><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span></b></i></span></span></span></span></h4>
<h4 style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-weight: normal;"><span style="font-size: small;"><i><b><span style="font-size: small;"><span style="font-size: small;"> </span></span></b></i></span></span></span></span></h4>
</div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-47356191297273810702013-03-05T15:24:00.000-08:002013-03-06T03:49:47.599-08:00Jefferson Starship: Golpes contra el Imperio.<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div style="text-align: right;">
<span style="color: #444444;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b><i>Artículo de Antonio Ramírez</i></b></span></span></span><br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"> Hacia 1970, el mensaje anti-violencia y hedonista de los
hippies ya había perdido mucha fuerza y empezaba a ser considerado cosa de
ingenuos y trasnochados. No es de extrañar que muchos de los artistas y músicos
que durante los 60 habían servido como estandarte de ese movimiento reflejaran
a su vez un cambio drástico. Su público y ellos mismos habían sido objeto de
una paulatina absorción por los intereses económicos que los había convertido
en productos comerciales sujetos a la moda, restando validez de las
aspiraciones sociales y políticas del movimiento hippie. Por otro lado, el
ambiente de paranoia debido a la creciente represión política y policial, más
las consecuencias de tantos excesos cometidos, especialmente con las drogas,
comenzaban a pasar una elevada factura en todos ellos.</span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Así ocurrió con Jefferson Airplane, una de las
principales bandas californianas que simbolizaron el Verano del Amor. En 1969
el grupo se encontraba al borde de la ruptura tras editar Volunteers, su disco
más politizado hasta la fecha. Habían alcanzado un gran éxito con su mítica
actuación en Woodstock, pero apenas unos meses después sufren un incidente en
el festival de Altamont, donde en pleno concierto Martin Balin, vocalista, es atacado
por unos ángeles del infierno que hacían de peculiar fuerza de seguridad, todo
esto poco antes de que uno de ellos asesinara a un espectador durante la
actuación de Rolling Stones. Debido a este suceso y a la mala relación con sus
compañeros Spencer Dryden decide dejar su puesto a la batería, marcando así el
inicio del fin de la formación más clásica de la banda.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">En 1970 la actividad del grupo es casi nula, solo
componen dos temas nuevos para un recopilatorio y entran en un proceso de
disolución que desemboca en el abandono a comienzos del siguiente año de Balin,
sobretodo debido una fuerte rivalidad por el liderazgo del grupo. Por su parte,
Jorma Kaukonen y Jack Casady, guitarra y bajista respectivamente, se marchan a
Europa para hacer una larga gira con Hot Tuna, su proyecto paralelo, al que
cada vez dedican más tiempo y energía. De esta manera solo quedaban Paul
Kantner y Grace Slick, los cuales habían iniciado una relación sentimental que
tendría como fruto el nacimiento de su hija, China, en enero de 1971. Ambos se
mantendrían como el núcleo permanente de Jefferson Airplane, aunque el grupo
como tal quedaría en suspenso hasta 1972 cuando sacan un nuevo disco con
algunas nuevas incorporaciones en la formación. </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Mientras la banda sufría este parón Kantner decide
entonces coger unas demos que había grabado con Grace Slick tras la edición del
Volunteers. Eran ideas para el siguiente LP de los Jefferson, pero dada la
situación del grupo optó por usarlas como base para un nuevo proyecto: montar
con varias bandas californianas una gran obra conceptual en torno a la
ciencia-ficción y plasmarlo en un escenario por todo lo alto, algo así como un
gran circo multimedia de luz y sonido, aunque al final simplemente se conformó
con grabar un disco echando mano de una gran cantidad de amigos provenientes de
otras bandas. </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Kantner siempre había sido un gran aficionado a la
literatura de ciencia-ficción. Educado en una escuela militar católica, tuvo
acceso de pequeño a los libros de C.S. Lewis, especialmente a su Trilogía
Cósmica, una obra donde los viajes espaciales son una mera excusa para hacer
proselitismo de la teología cristiana. Después de eso siguió leyendo a otros
autores clásicos, manteniendo y creciendo su afición durante años.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Kantner ya tuvo ocasión de reflejar su obsesión por la
ciencia-ficción en algunos temas de los Jefferson, como es el caso de la
post-apocalíptica “Wooden Ships”, coescrita con Stephen Stills y David Crosby.
También para el tema “Crown of Creation” había tomado como base un texto del
escritor John Wyndham, autor de la mítica novela catastrofista El día de los
Trífidos. </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZDf6_64uWpRLEicmhuIBb1wyNifIFzE9QXxpSYFupFApjfc54hpc5xyyGowKiGgoIlkAp5O2tAIwQNdYTxQKve5zrrogYinWmhIcIJLuzcqH5dJPIVbNtO3N3jg_OOYoBk8YvBv-7vsQ/s1600/images.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZDf6_64uWpRLEicmhuIBb1wyNifIFzE9QXxpSYFupFApjfc54hpc5xyyGowKiGgoIlkAp5O2tAIwQNdYTxQKve5zrrogYinWmhIcIJLuzcqH5dJPIVbNtO3N3jg_OOYoBk8YvBv-7vsQ/s320/images.jpg" width="241" /></a></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Pero en este nuevo disco deseaba dar un paso más y hacer
algo más ambicioso, para ello quería adaptar algunas de las ideas del escritor
Robert A. Heinlein, muy de moda en esa época a causa de su novela Forastero en
Tierra Extraña, donde se trata de forma abierta temas tan en boga a finales de
los 60 como es la expansión de la consciencia o el amor libre. Se puso en
contacto con el popular escritor para pedirle permiso y al parecer Heinlein
accedió de buena gana con el argumento de que si bien mucha gente estaba usando
sus ideas él era el primero que le había pedido permiso. </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">El disco se llamaría Blows Against the Empire e iría
firmado por Paul Kantner / Jefferson Starship. Conceptualmente se divide en dos
partes, una primera cara con temas en una onda más cercana a lo que ya habían
hecho los Jefferson Airplane, con la típica temática hippie de amor en los
parques y de rebelión ante el gobierno conservador de Richard Nixon. Esta cara
sirve de preparación para una segunda cara formada por la suite dividida en 6
cortes que da título al disco, con una temática utopista donde se nos narra la
huida de un montón de hippies a bordo de una nave espacial robada al gobierno
en busca de un planeta donde fundar una nueva sociedad. Es evidente que esta
historia refleja una marcada huida de lo real, la primera aun mantiene un
cierto apego a la realidad, con los tópicos hippies sobre la paz y el amor
libre frente un presente que incluía Vietnam, una represión brutal en todo el
país con asesinatos como los ocurridos en la universidad de Kent, secuestros,
falsificación de pruebas por parte de la policía, espionaje o la vinculación
del gobierno en todo tipo desmanes políticos y militares a lo largo de todo el
planeta. Por su parte, la segunda cara refleja de una forma más clara un agudo
escapismo por medio de la fantasía. De hecho, la obsesión de Kantner por la
ciencia-ficción estaba llegando a unas cotas muy preocupantes. He aquí unas
declaraciones del libro de Jesús Ordovás, El rock ácido de California, gracias
a ellas podemos comprender hasta que punto se le estaba yendo la cabeza por esa
época: “(...) hay que buscar la forma de salir del planeta. Hay millones de
sistemas planetarios distintos, sería interesante llegar a ellos. Owsley podría
construir esa gran máquina. Lo hizo con el ácido y lo está haciendo con el
equipo de sonido de los Grateful Dead”. Hay que aclarar que el tal Owsley era
un tipo muy popular en la comunidad hippie, pues había logrado producir
inmensas dosis de LSD para distribuirlas gratuitamente.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Aun así, pese a todas las críticas que pudiéramos hacerle
a la ingenuidad que animan las letras de este disco, es imposible no admitir
que tienen un encanto muy especial, toda esa utopía adornada de ciencia-ficción
kitch y la romántica negación de una realidad aplastante tiene algo que produce
mucha melancolía, como si fuera el reflejo de un amago de revolución que nunca
llegó a ocurrir. </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Para sorpresa de muchos el disco fue nominado a los
premios Hugo de ciencia-ficción de 1971, uno de los más importantes de los que
se conceden dentro de este género, y aunque no llegó a ganar el premio queda el
honor de haber sido el único disco de rock de la historia en competir por este
premio.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Dejando a un lado la temática del disco y centrándonos en
lo musical, podemos decir sin temor a exagerar que estamos ante una de las
cimas del denominado “west-coast rock”. Se trata de un verdadero tour de force,
altamente refinado y con infinidad de matices que solo se aprecian tras
numerosas escuchas, así como una muestra de esa espontaneidad hippie que muchos
de los grupos de la zona querían encarnar. </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Por lo demás, no estamos ante un disco excesivamente
rockero, salvo por algunos momentos muy potentes la mayor parte del disco se
basa en guitarras acústicas, piano, percusiones suaves y sutiles punteos de
guitarra eléctrica, más algunos efectos de estudio entre canción y canción, y
por supuesto las maravillosas voces conjuntas de Kantner y Slick, siempre
apoyados por los coros de algunos buenos amigos, como David Freiberg o Graham
Nash. La grabación tuvo lugar en los famosos estudios de Wally Heider en San
Francisco, un lugar óptimo pues era muy conocido por los músicos de la zona.
Dado que todos los que participaron eran amigos fue posible transmitir una
atmósfera de espontaneidad e improvisación propia de una larga jam sesion.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Como decíamos es un disco conceptual, pues además de la
temática todos los cortes están prácticamente fundidos entre si mediante
efectos de sonidos que pretenden simular el ruido de motores de naves
espaciales y cosas por el estilo. Al parecer, algunos de esos efectos fueron
extraídos de viejas películas de ciencia-ficción. El resultado es un disco que
parece una sola y larga canción y que como tal merece ser escuchado de un tirón
para ser disfrutado de veras.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0urhZs5oTRRrqxa3n0kyx37NtlU9jw7D5fngz9Hs7OVBWZFAq0DG8WzpxQ8gMpRNMLTpOnZGUg9k3ZOzqKsgYSaBCvF2q4hsJSxGNcx2MO9hwqnE6PjzKsje9yw7wrHHGtKf6dT_I1GY/s1600/blows-cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0urhZs5oTRRrqxa3n0kyx37NtlU9jw7D5fngz9Hs7OVBWZFAq0DG8WzpxQ8gMpRNMLTpOnZGUg9k3ZOzqKsgYSaBCvF2q4hsJSxGNcx2MO9hwqnE6PjzKsje9yw7wrHHGtKf6dT_I1GY/s400/blows-cover.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">El LP se abre con “Mau Mau (Amerikon)”, sin duda el corte
más electrificado y potente del disco, el cual va subiendo de intensidad hasta
un final de infarto. Se trata de un tema sin bajo, esta función la cumple la
guitarra rítmica de Paul Kantner afinada de forma muy grave, los punteos son
cosa de Peter Kaukonen, hermano de Jorma (guitarrista de los Jefferson). La
batería corre a cargo de Joey Convington, el cual se mantendría como nuevo disco
para Jefferson Airplane. Las voces de Kantner y Slick suenan maravillosamente
conjuntadas.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">El segundo tema, el delicioso y muy breve “The Baby
Tree”, es obra de la cantante folk Rosalie Sorrels, el cual es interpretado por
Kantner cantando y acompañado solo por su banjo. </span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">El banjo reaparece en el siguiente tema, “Let's Go
Together”, esta vez ejecutado por Jerry Garcia de los Grateful Dead,
combinándose con la guitarra acústica y bajo de Kantner. Slick, además de
aportar su gran voz toca el piano. A la bateria otro miembro de los Dead, Bill
Kreutzmann. El resultado es un himno con un regusto prototípicamente
californiano por su sonido alegre y florido.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">“A Child is coming” es el cuarto tema. Mucho se ha
hablado de que este tema es reflejo del embarazo de Grace Slick, pero al
parecer fue escrito antes de este hecho. En un principio sigue la misma linea
del anterior, en una linea muy acústica, aunque esta vez no hay percusión
alguna, la función de base rítmica la cumple el magistral bajo de Jack Casady
el cual había vuelto de su gira con Hot Tuna justo a tiempo para poder
participar en las sesiones de este tema. En las voces colabora David Crosby,
formándo un trio espectacular junto a Kantner y Slick. También colabora con
unos toques suaves de guitarra.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">“Sunrise” inicia la suite de Blows against the Empire, es
un breve y bonito tema con Grace Slick cantando en solitario y que se une al
siguiente corte: “Hijack”, un corte acústico donde ante todo destaca el
maravilloso piano de Grace Slick combinado con la guitarra ácustica y algunos
toques de eléctrica distorsionada de Kantner, creando así una atmósfera muy
intensa y dramática. Como base rítmica las congas de Joey Covington y Graham
Hash.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">“Home” es un breve interludio de efectos obra de Paul
Kantner, Phil Sawyer, Jerry Garcia y Mickey Hart. Son unos efectos bastante
kitch, pero en realidad quedan perfectos para la atmósfera espacial del disco.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">“Have You Seen the Stars Tonite” continúa la onda del
anterior tema, casi es una continuación del mismo, pero aquí las percusiones
son de Mickey Hart, David Crosby colabora a los coros y acústica. Jerry García
toca la guitarra de pedal de acero, la cual estaba empezando a probar por esa
época.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">“XM” es un nuevo interludio de efectos que sirve de
introducción a “Starship”, último tema de la suite y que en mi opinión es lo
mejor del disco, pues de alguna manera resume y reúne todos los elementos del
disco con toda su intensidad emocional. Ante todo destaca la colaboración de
Jerry Garcia, con una magnífica guitarra eléctrica que logra resaltar sin dejar
de ser sutil y sin romper con el carácter acústico del tema. También sobresale
el bajo del veterano Harvey Brooks, el cual hace un trabajo increíble. Pero
nuevamente, por encima de todos ellos, están las voces de Kantner y Slick, y un
piano que suena realmente mágico y que los envuelve.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span></span><br />
<div style="text-align: justify; text-indent: 11.35pt;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="color: black;">Es este un disco que sin ser psicodelia si que mantiene
la atmósfera evocadora de muchos de los mejores discos de este estilo, pero en
realidad no es sino una muestra de un folk rock altamente evolucionado que
ofrece lo mejor de un trabajo donde se nota la alta afinidad entre los músicos,
amigos todos ellos, algo que se transmite al oyente de forma instantánea. Por
ello podemos verlo como una de las últimas muestras que encarnan el espíritu
del movimiento hippie de una forma tan natural. Después vendrían más discos,
como Sunfighter, la siguiente colaboración de Kantner y Slick al margen de los
Jefferson, pero ninguno volvería a reflejar este sonido en estado bruto, esa
magia de unos músicos que se pensaban la vanguardia de un cambio radical que
estaba ocurriendo en su sociedad. Aunque como sabemos eso nunca llegó a
ocurrir...</span></span></span></div>
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<div style="text-align: right;">
<span style="color: black;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><i><b>Por
Antonio Ramírez</b></i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div align="JUSTIFY">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div align="JUSTIFY">
<span style="color: black;">Witchcraft
ha supuesto, para muchos de los fans más acérrimos del hard rock
que se hizo a finales de los 60 y comienzos de los 70 (especialmente
en su vertiente más oscura), como un sueño hecho realidad. Han
encontrado en esta banda una materialización de sus deseos
musicales, tal y como si uno de los mejores grupos de esa época se
hubiera teletransportado a nuestros días trayendo consigo toda la
olvidada magia de aquellos momentos. Que unos músicos tan jóvenes
se hayan decidido por hacer este tipo de música ya es de por si algo
reconfortante, pero que encima sepan hacerlo tan rematadamente bien
ya es algo que entra dentro de lo milagroso. <br /><br />Pero el hecho de
que un grupo como Witchcraft pueda editar sus discos en la actualidad
no es producto de la mera casualidad, sino de una serie de
movimientos dentro del curso del rock undergropund que en los últimos
años ha posibilitado la reivindicación de una tradición que al
nivel del público mayoritario había sido dado prácticamente por
muerta a finales de los años 80. Así, la psicodelia, el blues rock,
el rock progresivo y otros sonidos propios de décadas pretéritas
han ido reapareciendo poco a poco a través de una escena que no por
ser underground deja de estar en constante ebullición, sobretodo a
través de internet y sus nuevas posibilidades en comunicación entre
bandas, público y medios independientes. Se ha abierto una brecha en
la escena rock mundial, creándose una sólida comunidad
internacional de aficionados a ciertos tipos de rock que prefiere
apoyar a los grupos y discográficas del rock underground que a los
productos de las grandes discográficas. <br /><br />Así pues, resulta
dificil pensar en la existencia y mantenimiento de un grupo como
Witchcraft sin esta actual situación del rock internacional. Pienso
que de otra manera, casi con seguridad, hubiera pasado como una
simple exentricidad sueca más. Pero la realidad es que Witchcraft,
aunque sea a un nivel underground, ha causado verdadero furor entre
aficionados de muchos paises, y por lo que se ve este reconocimiento
seguirá creciendo en un futuro. <br /><br />La historia de Witchcraft se
inicia con Norrsken (palabra sueca que podría traducirse por Aurora
Boreal), un joven grupo afincado en Örebro, ciudad situada en el
centro de Suecia. Esta banda se había formado en 1995 y contaba en
sus filas con Joakim Nilsson a la voz, Magnus Pelander a la guitarra,
Rikard Edlund al bajo y Kristoffer Sjödahl a las baquetas. Durante
los 5 años que duró la banda llegaron a grabar varias demos y un
single que ahora es muy buscado entre los coleccionistas de vinilos.
La música que producían, de bastante calidad en su ejecución para
tratarse de un grupo totalmente amateur, estaba caracterizada por una
gran crudeza (debida sobretodo a una producción muy rudimentaria),
podía situarse en un punto medio entre en el hard rock más enérgico
de los 70 y toques del doom rock de los 80, prueba de ello es que
entre sus temas propios grabaron sendas versiones de Blue Cheer y de
Trouble. Norrsken fue una banda que podría haber tenido una
interesante y prolífera carrera. Hasta cierto punto Witchcraft
supuso la continuación del espíritu de Norrsken, aunque con una
orientación más decidida y profunda hacia la oscuridad del doom
primigenio de grupos como Black Sabbath y Pentagram. <br /><br />Por un
motivo u otro, tal y como suele ocurrir a una infinidad de bandas de
rock, la cosa no dio más de si y Norrsken se separó. Lo positivo de
esto fue que de sus cenizas surgieron nuevos e interesantes grupos
que todavía continúan en la actualidad, como pueden ser Graveyard o
Dead Man, ejemplos del mejor rock sueco en estos momentos, pero lo
más importante para lo que aquí nos ocupa es lo que hizo el que
fuera su guitarrista, Magnus Pelander, que se dispuso a montar otro
grupo, esta vez tomando las funciones de cantante además de seguir
con la guitarra. <br /><br />Magnus, pese a su juventud, concebía una
manera muy añeja de tocar la guitarra, no por casualidad era un
ferviente admirador de la música que se había producido en los
60/70, pero no solo por el tipo de melodías y estructuras, sino
también por la misma sonoridad que se habían producido con los
instrumentos y amplificadores antiguos, muy diferentes de los
actuales. Tras una primeriza etapa adolescente imbuido en el heavy
metal (especialmente en el trash metal, con bandas como Slayer) había
descubierto a través de un amigo los que iban a ser sus grandes
ídolos hasta el momento actual: Rocky Erickson y Bobby Liebling. El
primero le iba a inspirar en su forma atormentada y algo desquiciada
de cantar, el otro a través del oscuro y primigenio rock de su grupo
Pentagram, auténtica clave para la música de Witchcraft y su
posterior evolución. De hecho, su primera intención tras abandonar
Norrsken iba a ser montar una banda tributo de ambos mitos del rock.
<br /><br />Para llevar esto a cabo ello se busca a unos cuantos músicos
de su zona y para el año 2000 ya tiene preparada una banda que a la
que llamará Witchcraft y que está compuesta por John Hoyles a la
otra guitarra, Ola Henriksson al bajo y el hermano de éste, Jens
Henriksson, a la batería. Pero, pese a tratarse de un grupo tributo,
el sonido que empiezan a producir en sus ensayos y primeros
conciertos contiene mucha personalidad y para nada se quedan en meros
clones de los ídolos homenajeados. <br /><br />En 2002 graban lo que
será la primera referencia del grupo, un single para la discográfica
Primitive Art Records. Este 7 pulgadas, con una tirada de 500
ejemplares en vinilo negro, incluye dos temas que después iban a ser
incluidos en el disco debut de Witchcraft : ”No Angel or Demon” y
“Your Bury your Head”, aunque en el caso del segundo era una
versión ligeramente diferente a la que finalmente iba a ser incluida
en el disco. El single fue producido por el batería del grupo, Jens
Henriksson. Como dato curioso y esclarecedor hay que decir que en la
carpetilla interior del single se incluía unas breves palabras de
Magnus Pelander y que entre otras cosas afirmaba que “... esto es
para ti: Bobby Liebling, para siempre mi Rey, y Rory Erickson, que
enseñó a cantar a mis demonios.” <br /><br />Tras
grabar el single Jens Henriksson se va del grupo y poco después lo
hace su hermano Ola. Para ocupar la base rítmica Magnus se busca a
otros dos hermanos: Mats al bajo y Jonas Arnesen a la batería. Al
parecer Witchcraft no surgió con demasiadas esperanzas de
continuidad, con lo cual fue todo un golpe de verdadera suerte el que
alguien como Lee Dorian, impulsador del sello Rise Above (sello
inglés especializado en heavy metal y doom) se interesara por ellos.
Dorian era además el lider de Cathedral, que por esa época era uno
de los grupos de doom metal favoritos de Magnus y Ola. Fue una
sorpresa para ellos recibir un mensaje de este importante sello
(siempre dentro de los ámbitos minoritarios del heavy metal) con la
oferta de firmar un contrato con ellos, de hecho, debido quizás a
una excesiva modestia, éste era uno de los pocos sellos a los que no
habían enviado el single para promocionarse. Pero afortunadamente al
nuevo bajista si se le ocurrió hacerlo y Lee Dorian sintió un
inmediato interés por ellos tras escucharlo, rapidamente llegan a un
acuerdo para editar varios discos. <br /><br />Con esta nueva formación
entran en el estudio disponiendo por fin de más medios para la
grabación en comparación con la elaboración del single. La idea
era intentar reproducir un sonido lo más añejo y oscuro posible,
para ello prescinden de los soportes digitales y se graba en cinta
con un sistema totalmente analógico, además de contar con mucho
material (instrumentos y amplificadores) “vintage”. A los
controles vuelve a ponerse Jens Henrickson, que pese a haber dejado
el grupo ayuda a sus antiguos compañeros en las labores de
producción. Graban en el mismo estudio donde hicieron el single, el
cual estaba situado en el sótano de una escuela, por esa razón solo
podían trabajar algunas horas de la tarde y los fines de semana, con
lo cual tardan varios meses en terminar del todo el disco. En ese
proceso Ola vuelve a ocupar el lugar del bajo, pero a esas alturas ya
estaban grabadas todas las pistas de ese instrumento, con lo cual su
participación en el primer disco se reduce al tema “No Angel or
Demon”, que es el mismo que el del single. <br /><br />El disco sale
por fin en 2004 como la referencia número 47 del sello Rise Above,
con una tirada normal de en CD y otra para coleccionistas de 1000
ejemplares en vinilo negro. El arte de la carpeta es realizado por
Stephen O'Malley, que además de ser diseñador gráfico forma parte,
entre otros tipos de proyectos musicales, del grupo de culto Sunn
O))). La carpeta incluye viejos grabados alquímicos que aportan una
ambientación perfecta para su escucha y la portada principal está
basada en un dibujo del famoso y decadentista artista inglés del
siglo XIX Audrey Beardsley. Para promocionar el disco salen de gira
junto al grupo Orange Goblin. </span><span style="color: black;"></span></div>
<div align="JUSTIFY">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilqShdYwxqJpz0dSMlSbe3BUILiHq-x4-zWo7qLMRly1ch7PnBJuFX4uQuUBz1ydiJbYJeNfEyS_AHwNSfABJeDBUwp_7DjaAq81sw5lgPCiFmRoj_4ZekjNYcdkS91A-z3j35lWUptSI/s1600/disco1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img align="BOTTOM" border="0" height="300" name="gráficos2" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilqShdYwxqJpz0dSMlSbe3BUILiHq-x4-zWo7qLMRly1ch7PnBJuFX4uQuUBz1ydiJbYJeNfEyS_AHwNSfABJeDBUwp_7DjaAq81sw5lgPCiFmRoj_4ZekjNYcdkS91A-z3j35lWUptSI/s1600/disco1.jpg" width="299" /></a></div>
<div align="JUSTIFY">
<span style="color: black;"> </span><span style="color: black;"> </span></div>
<div align="JUSTIFY">
<span style="color: black;">El disco está compuesto por 11 (12 en la versión
vinilo) temas que hablan de brujería, magia, alquimia. El sonido que
han conseguido es realmente oscuro y primigenio, como si de un grupo
underground de los 70 que hubiera grabado en acetato se tratara. Por
lo demás, más allá del hecho del tipo de sonido, hay que afirmar
que es un espléndido trabajo, con unos temas absolutamente
deslumbrantes. Es claro que estamos ante un disco que podríamos
definir como “retro”, porque indudablemente intenta reconstruir
la atmósfera de los discos de una época ya pasada, pero eso no
repercute en lo más mínimo en su valor puramente musical. Son
buenos temas por si mismos y a la vez respetan las reglas no escritas
de un género como son el doom rock o el hard rock de los primeros
años 70. Aunque a partir de este momento reciben algunas acusaciones
de ser clones de Black Sabbath eso solo puede venir desde el
desconocimiento del rock de los 60/70. Es muy evidente que Witchcraft
maman del mítico grupo de Birmingham, pero también lo hacen de
muchas otras bandas de esa época: May Blitz, Bang, Comus, November y
tantas más. Así pues, son el resultado de una combinación de
muchas influencias, con lo cual sus registros son muy variados, tal y
como demuestran en discos posteriores. <br /><br />Se abre el disco (sin
título) con “Witchcraft”, tema dividido en muchas secciones
diferentes. Éste se inicia de una forma bastante rápida, contando
con un buen riff y una base rítmica compacta. La voz de magnus suena
como de ultratumba gracias a una ligera distorsión, será así
también en el resto del disco. Los riffs a dos bandas de guitarra se
alternan con solventes punteos. El centro del tema es mucho más
lento y tétrico, con esa cadencia típica del doom más funerario,
incluyendo además algunas notas de cuerda. La canción termina con
un gran trabajo a dúo de guitarra, un diálogo instrumental a la
vieja usanza. <br /><br />“The Snake” es mucho más doom en esencia,
podríamos decir que se encuentra a medio camino entre Black Sabbath
y los temas más tenebrosos de Pentagram. Las guitarras suenan
realmente pastosas y por el fondo el bajo y la batería van
contruyendo sus propias melodías. Es una auténtica virguería.
<br /><br />“Please don't Fogert me” sigue mamando claramente del
doom más arcáico, al fin y al cabo es una versión de un tema de
Bobby Liebling perteneciente a su etapa en Stone Bunny
(pre-Pentagram). Además del espíritu doom, esta versión tiene a la
vez un fuerte aire a los Jethro Tull de 1969 (aunque sin flauta), con
una base rítmica que tiende a las formas del blues/jazz y unos
magníficos punteos de guitarra a cargo de Magnus y John. Es un tema
que suena en general mucho más progresivo, haciendo aquí los
Witchcraft una pequeña joya musical de poco más de dos minutos.
<br /><br />“Lady Winter” es un fabuloso medio tiempo con una
atmósfera muy melodramática, especialmente por la forma tan teatral
que tiene Maguns de cantar. Además es alucinante como suenan la
guitarras. <br /><br />“What i Am” es para mi uno de los mejores
temas del disco, con una preciosa melodía de voz apoyado por un
ritmo construido a la perfección. Aquí es evidente que nunca la
deuda con Bobby Liebling en la forma en que Magnus construye las
melodías creando momentos muy dramáticos y sobretodo en como la
guitarra y la voz se apoyan la una a la otra. <br /><br />“Schyssta
Lögner” es el único tema cantado en sueco en todo el disco, pero
eso no repercute en lo más mínimo en su disfrute ya que es un señor
temazo. Quizás porqué esta cantado así recuerde esta canción a
cosas como November, el mítico grupo sueco de los 70, que al fin y
al cabo también es crucial dentro de las influencias del grupo.
<br /><br />“No Angel or Demon” es, dentro de la oscuridad de toda la
selección de temas, una composición muy alegre y marchosa, con un
ritmo mucho más reconociblemente rockero de lo que normalmente
podemos encontrar en el disco. <br /><br />“I want you to Know” y “It
so easy” son dos temas muy similares, continúan en la senda del
hard rock de los 70, contando con un trabajo de guitarra más que
bueno y alternando partes rápidas con otras más pausadas.
Destacando la forma efectiva en que la guitarra rítmica apoya a la
solista. <br /><br />“You bury your head” es un corte absolutamente
Black Sabbath de la época del Master of Reality, con un ritmo lento
y tenebroso y un Magnus que recuerda mucho aquí a Ozzy. Al final hay
una parte de guitarras bastante desquiciadas. <br /><br />Con “Her
sisters they were week” llegamos al final del disco y el que quizás
sea el mejor corte del disco, con una tendencia al folk rock que nos
hace imaginar las profundidades de un bosque embrujado. Tras una
parte lenta con flauta entramos en un pasaje mucho más potente con
la voz escalofriante de Magnus reproducida al revés, por si faltaba
algún toque tenebroso. Para terminar, un detalle que aunque no sea
muy original viene muy bien: el sonido de una caja de música. <br /><br />La
versión vinilo incluye un bonus, una versión de “Yes I Do”,
otro tema de Bobby Liebling. <br /><br />La reacción de la prensa
especializada, sobretodo en internet, no se hizo esperar tras la
salida de este disco. El grupo fue saludado como la reencarnación de
Black Sabbath, también es verdad que en algunos casos reiterando su
(supuesto) excesivo parecido con esta banda, pero en la mayor parte
de las reseñas se ve en el grupo un soplo de aire fresco para el
panorama rockero underground. Rapidamente venden hasta 5.000
ejemplares de este primer disco. <br /><br />Tras una extensa gira por
Europa junto a Orange Gobling, que incluye su primera actuación en
el Roadburn, importante festival para la comunidad
psicdélica/stoner/doom y celebrado en Tilburg (Holanda), Witchcraft
se meten en marzo de 2005 otra vez a grabar. Ahora es en el New
Rising Studios de Colchester (Inglaterra), lugar donde suele grabar
el grupo Cathedral y otros del sello Rise Above. Vuelven a contar con
Jens a la producción y esta vez cuentan con mucho más equipo
antiguo que la pirmera vez. Eso se percibe bien en la producción
final, pues se nota que tiran menos efectos de estudio para
reproducir lo que se hacía en los años 60/70 y el sonido es mucho
menos oscuro. <br /><br />Para finales de 2005 sale el nuevo disco, que
se llama Firewood. Compuesto por 10 temas más uno oculto en la
edición CD. Este nuevo trabajo representa una evolución para la
música de Witchcraft. Los tonos suben, los ritmos se aceleran y la
producción es mucho más limpia. Ya no se puede calificar este disco
como típico del doom, hay una clara tendencia al hard rock y el
progresivo, incluso al heavy rock clásico de grupos como Rainbow,
Witchfinder General o Dio. La deuda con Pentagram o Black Sabbath
sigue siendo muy fuerte, pero ahora el espíritu de Rocky Erickson es
también más evidente, no tanto por su etapa con los Elevators como
por su carrera en solitario. Así pues, han ampliado sus miras y eso
se agradece. Quizás por esto muchos de los fanáticos del doom se
sintieran defraudados con Witchcraft a partir de este momento, pero
la verdad es que unos músicos de talento no pueden ni deben
estancarse en ningún límite autoimpuesto, quieran lo que quieran
sus fans. Por lo demás, la evolución de Witchcraft entra en lo
lógico y natural, continúan en una tradición que sigue una linea
recta entre ambos discos sin sobresaltos estilísticos. </span><span style="color: black;"> </span></div>
<div align="JUSTIFY">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="color: black;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcoHGtlVePzsx7l_PwaS5KcKhBv9MVa0rFk5JatT8lpVS8lGSzqiPKN1BbXxi_KGV3MvxhbURg1pt5wiql1Nm84ieg7SeflyRwF4v8GPRmZItVh31gdTLWq3im_FqEkVkckwMVrEvHK6Y/s1600/disco2.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img align="BOTTOM" border="0" name="gráficos3" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcoHGtlVePzsx7l_PwaS5KcKhBv9MVa0rFk5JatT8lpVS8lGSzqiPKN1BbXxi_KGV3MvxhbURg1pt5wiql1Nm84ieg7SeflyRwF4v8GPRmZItVh31gdTLWq3im_FqEkVkckwMVrEvHK6Y/s1600/disco2.jpeg" /></a> </span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div align="JUSTIFY">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwXTc1Nd9DXwjGZWupbRQOsF3IWqKo4EAbR_mExHKBaxsmLCc-_q1W60LJxLUXwC8PIEu7p7_4SoqagJnSNpqdZiSGg4H_Z6T-sKKCkF4GDvF-Ku1g_W0ke_Zx3_0L3cvp_j1JRKSh9-k/s1600/disco3.jpeg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><span style="color: black;">Se
abre Firewood con “Chylde of Fire”, un trepidante corte con un
riff muy marchoso. Hay que destacar que las guitarras se alejan del
sonido machacón propias de stoner y otros estilos actuales, suenan
salvajes pero de una forma sencilla y desprovistas de excesiva
distorsión. La linea de voz y el estribillo son simplemente
contagiosos, así como las entradas de guitarra solista. Este tema es
todo un himno que hará que te muevas sin remedio. <br /><br />“If
wishes were Horses” es más tranquilo, aunque con buenos cambios de
ritmo que la aceleran en algunos momentos. Nuevamente cuenta con una
melodía vocal muy destacable, y es que la peculiar voz de Magnus ha
ganado mucho desde que grabaran el primer disco. <br /><br />“Mr Haze”
es uno de los mejores temas hechos por Witchcraft, bastante alegre en
su cadencia aunque con bastantes cambios de ritmo, con una melodía
de voz perfectamente ajustada con los punteos de guitarra. Tras una
parte acústica llega de nuevo la melodía principal y con ésta un
juego de guitarras que suena a gloria, tocado a dúo entre Magnus y
John. A destacar también el efectivo trabajo de la base rítmica,
especialmente el bajo de Ola. Una obra maestra. <br /><br />Con “Wooden
Cross” volvemos a los sonidos más cercanos a Pentagram, hasta tal
punto que parece un tema de mediados de los 70 realizados por el
mítico grupo de Booby Liebling. Otra vez podemos escuchar un enorme
trabajo de las dos guitarras. Que pena que no haya muchos más grupos
que hagan estas cosas. <br /><br />“Queen of Bees” es otro temazo que
bebe directamente de los Black Sabbath del Sabbath Bloody Sabbath,
sobretodo por esa misma forma patética y melodramática de cantar de
Ozzy y también por esa multitud de cambios de ritmo en una sola
canción que para otro grupo darían para hacer temas para un disco
completo. <br /><br />“Merlin's Daughter” es un breve instrumental
electro-acustico de una gran intensidad y belleza. <br /><br />“I see a
man”, es un tema apoyado en un robusto riff que en el centro
incluye una rabiosa jam con todos los músicos sacando humo de sus
instrumentos. Despues sigue con una parte muy tétrica para acabar de
la misma manera en que empieza. <br /><br />“Sorrow Evoker” es otro
de mis temas favoritos de todo el disco. Con tendencia al folk
(flautas, guitarra acústica,...) la cosa va subiendo de intensidad a
medida que avanza para acabar siendo un temazo de hard rock con un
Magnus rompiéndose las cuerdas vocales y de fondo un fabuloso
trabajo de guitarra. <br /><br />“You Suffer” es otro corte rápido,
donde hay que destacar sobretodo la labor de Jonas Anersen a la
batería. Con muchos cambios de ritmo y unas guitarras algo locas que
me recuerdan a grupos inclasificables del tipo de Killing Floor y
otros del hard blues más desquiciado. <br /><br />“Attention!” es
mucho más pausado, con un peculiar trabajo de guitarra que hace que
suene verdaderamente extraña y chirriante. Por lo demás, los dos
guitarras se marcan una jam final que pone los pelos de punta. El
tema esconde, tras unos minutos de silencio, una estupenda versión
de “When the Scream Come”, un gran tema de sus ídolos Pentagram.
<br /><br />Este segundo disco supone la definitiva consagración de
Witchcraft a un nivel mundial (aunque hablamos siempre en los ámbitos
del underground, los medios mayoritarios fuera de Suecia pasan de
ellos), por fin dejan de ser considerados un grupo simplemente
extravagante para pasar al primer plano de la actualidad. Para
promocionar Firewood salen de gira por Europa con Corrosion of
Conformity. Además sacan un single compartido con el grupo de
folk-psych Circulus. Todo va como la seda para ellos, pero hacia
mediados de 2006, cuando se preparan para salir de gira hacia Estados
Unidos, Jonas Anersen decide dejar el grupo. Así que, como una
medida urgente, Jens, el batería original, entra de nuevo en el
grupo para ocupar su lugar. En esta gira al otro lado del charco
cuentan de teloneros con el grupo americano Danava. Un momento mágico
de este tour por tierras americanas fue cuando en noviembre tocan en
Wanshington unas versiones de Pentagram acompañados por el mismísimo
Bobby Liebling. El círculo se cierra así, los discípulos rinden
homenaje a su maestro de forma directa. <br /><br />Cuando vuelven de la
gira entran de nuevo en el estudio y registran dos temas inéditos
que irán incluidos en un single editado de forma muy limitada, que
poco después tendría que volver a ser reimpreso en una nueva tirada
debido a la alta demanda. Uno de los temas incluido aparecería en su
siguiente disco, no es así con el incluido en la cara B: “I Know
You Killed Someone”, un potente hard blues en la linea de
Leafthound. <br /><br />Tras la grabación de este single el grupo vuelve
a cambiar de miembros. Jens deja por enésima vez la banda y entra a
la batería Fredrik Jansson, que hasta ese momento había estado en
el grupo Abramis Brama. Con esta nueva formación empiezan a trabajar
en nuevos temas y para finales del verano ya la tienen grabadas. Esta
vez han usado el estudio Up And Running en Estocolmo. Por vez primera
cuentan con un productor diferente a Jens, se trata de Tom Hakava,
que además colabora en el disco tocando instrumentos adicionales
como el melotrón o el piano. <br /><br />Para octubre sale por fin el
esperado tercer disco de Witchcraft, se llama The Alchemist y va
envuelto en una portada realmente bonita realizada por David V.
D'Andrea, con multitud de dibujos en tinta china. Como curiosidad hay
que decir que son tres las ediciones diferentes, para Estados Unidos,
para Europa y para Japón, contando esta última con un bonus track
exclusivo: una versión de Rocky Erickson. </span><span style="color: black;"><br />The
Alchemist significa, una vez más, una nueva evolución hacia otro
tipo de sonido. No es que cambien demasiado, la verdad, pero si hay
un evidente y definitivo alejamiento del doom, y más que de
modernización yo diría que no hay tanta premeditada intención de
sonar antiguos, pero las fuertes referencias setenteras siguen ahí y
aparecen por fuerza en el disco. El resultado es un disco de sonido
muy limpio si lo comparamos con el primer disco, mucho más tendente
a lo progresivo y el hard rock, en suma, bastante más personal. <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwXTc1Nd9DXwjGZWupbRQOsF3IWqKo4EAbR_mExHKBaxsmLCc-_q1W60LJxLUXwC8PIEu7p7_4SoqagJnSNpqdZiSGg4H_Z6T-sKKCkF4GDvF-Ku1g_W0ke_Zx3_0L3cvp_j1JRKSh9-k/s1600/disco3.jpeg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img align="BOTTOM" border="0" height="300" name="gráficos4" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwXTc1Nd9DXwjGZWupbRQOsF3IWqKo4EAbR_mExHKBaxsmLCc-_q1W60LJxLUXwC8PIEu7p7_4SoqagJnSNpqdZiSGg4H_Z6T-sKKCkF4GDvF-Ku1g_W0ke_Zx3_0L3cvp_j1JRKSh9-k/s1600/disco3.jpeg" width="300" /></a></span><br />
<span style="color: black;"><br />Se
abre el disco con “Walk Between the Lines”, un tema muy en la
linea de su otro himno del anterior disco, “Chyld of Fire”, Un
corte rápido, con un riff que angancha por su sencillez y un Magnus
que perceptiblemente ha mejorado en la voz (más todavía). La
guitarra se retuerce en las entradas solistas con una delizadeza
magistral. Señores y señoras, estamos ante una pequeña joya. <br /><br />“If
Crimson was your Colour”, tema que iba incluido en el single del
mismo nombre, es también rápido y altamente contagioso, aunque
bastante más potente que el anterior corte. Incluye toques de
órgano. Hay una parte central con un riff a dos guitarras que suena
brutal y que sube a las alturas cuando las dos guitarras empiezan a
lucirse. Otro temazo. <br /><br />“Leva” es el único tema cantado en
sueco, y como pasa con otros temas de ellos cantados en ese idioma es
imposible no pensar en November cuando uno lo escucha. Esta idea lo
refuerza el hecho de que sea una especie de hard blues a medio tiempo
sembrado de cambios de ritmo. Hacia el centro la cosa se acelera y
suena realmente heavy a la vez que progresivo, con un juego de
guitarras realmente mágico. <br /><br />“Hey Doctor” es otro himno
que hace subir la temperatura de forma inmediata, en este caso con un
riff muy a lo Black Sabbath, brutal en la base rítmica y con una
melodía de voz me recuerda a Dio y otros monstruos del heavy rock de
toda la vida. Nuevamente hay una aceleración del ritmo a partir de
la mitad y un pedazo de solo de guitarra. <br /><br />“Samaritan
Burden” se inicia con un gran trabajo de batería y un riff
portentoso. Este tema me recuerda a los Jethro Tull del Agualung,
aunque sin flauta, y también a muchos otros grupos del hard
progresivo de los 70, especialmente en la parte final. <br /><br />“Remembered”
es un corte muy alegre que combina potencia y lirismo, siguiendo en
la misma linea del hard rock con aires progresivos de los 70, algo
que se remarca por la colaboración de Anders Andersen al saxofón,
dando un matiz muy interesante al sonido de Witchcraft. <br /><br />Terminamos
con “The Alchemist”, largo corte de más de 14 minutos que se
divide en tres partes. Aunque se inicia de forma acelerada pronto se
calma y se convierte en algo mucho más sutil con melotrón y
vientos, aunque insertado de momentos más tormentosos. Tras esto
llega una parte instrumental con una ambientación maravillosa y
extraña por el fondo. Vuelve a cambiar radicalmente y a partir del
sexto minuto estamos en otra canción dentro de la canción
principal, con una combinación de guitarras acústicas y eléctricas
ejecutadas con todo el buen gusto del mundo. Despues volvemos a la
parte inicial. Tras unos minutos de silencio hay un breve corte
“fastasma” con extraños toques de guitarra. <br /><br />No sabemos
que depara el futuro a Witchcraft, pero este último disco confirma
su alta calidad y sobretodo deja claro que no es un grupo clon de
ningún estilo o ningún otro grupo. Al parecer Magnus Pelander se ha
empeñado, como queda claro en sus declaraciones, en mantener viva la
llama de Pentagram y después de algunos años Witchcraft sigue
sirviendo de homenaje para esa banda mítica, algo que nos parece muy
bien, pero sin embargo su música va más allá del mero plagio de
cualquir grupo, su sonido es claramente reconocible y está causando
furor en muchas otras bandas jóvenes ( y no tan jóvenes), esperemos
que a la larga sirva para despertar aun más, en músicos y público,
la curiosidad por seguir explorando el tesoro musical que se esconde
en tantos buenos discos de los 60 y 70.</span></div>
<div align="JUSTIFY">
<span style="color: black;"><br /></span><span style="color: black;"><b><i>Articulo publicado
originalmente en la web Mentes de ácido el 22/11/07 </i></b></span>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
</div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-35962579111488938332012-06-19T08:53:00.000-07:002013-03-05T14:55:27.949-08:00Sex Museum<br />
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<i><b><span style="font-size: small;"> Un artículo de Antonio Ramírez</span></b></i></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<span style="font-size: small;"><i><b> <span style="font-size: x-small;">Publicado originalmente en febrero de 2011</span></b></i></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En mitad de los años 80 la versión oficial de la modernidad musical, que era incluso apoyada por el ministerio de cultura y la televisión gubernamental, se fundaba en que “lo más de lo más” era estar en la onda de la Movida madrileña. Ser transgresor, original, en fin, ser moderno, consistía en huir de cualquier vestigio de la música rock proveniente de los 60/70, que era considerada una rareza destinada a los inagotables y retrógados heavys y algunos snobs inclasificables que andaban por ahí. Ser moderno en 1985, por tanto, suponía abrazar con gusto cualquier pastelosa horterada con tal de que tuviera un mínimo de aspecto contracultural. Entre toda la fauna retro y variada que aun tenía el rock'n'roll como referencia, que aunque pocos aun resistían haciendo música eléctrica, estaban los Sex Museum. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Tras una primigenia etapa de clásico R&B o sonido mod y algunos cambios de nombre -al principio se llamaban “Psycho y los modernistas” y otros- fueron encontrando su sonido siendo ya Sex Museum, denominación con la que empezaron a rodearse de cierta reputación. Con la participación de los hermanos Miguel -voz- y Fernando Pardo- guitarra-, Marta Ruiz al órgano -siendo los tres el nucleo principal del grupo-, más Jose luis Hernandez “McCartney” al bajo y Pepe Rios y Jose Bruno ”Niño” alternádose a la batería, se van orientando rapidamente hacia un garage descarnado y directo, con un estilo bien definido dentro del revival que de este estilo hubo en los 80, con grupos como Miracle workers, Prisoners, The Cynics, etc. Poco a poco van dándose a conocer y logran incluir unos temas en un par de discos recopilatorios del género, como “Battle of garages vol. IV” de la mítica discográfica americana Voxx, que también incluía un tema de Los Negativos.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En 1987 editan por fin a través de la discográfica Fidias un LP, que será “Fuzz face”, con Fernando en la labor de productor, así como un single que incluía dos temas: “Sexual beast” y “Ya es tarde”. Esta última pieza, también incluida en el LP, pasa por ser la única canción interpretada en castellano en toda la discografía del grupo hasta hace muy poco. Según palabras de Fernando Pardo se trató de una autoimposición para poder optar a algo de promoción en las radios: <i>“Eran otros tiempos, no había independientes para esta música ni ningún interés de la prensa; y ante todo no nos queríamos comer los 2000 discos que sacamos."</i></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiO03Bs0FR96GnZIutohl9QiFTBDnPBhrb7Va7lLVNeidp-ikUmaqHbcdAXAfj_-pcmDRrBwwliuzk0Q9u8jowrWXDro7kw0VvJVCmPsNNWl9sRHYwQPkw7awUEgzjUGDTH5lVmwBUlVPY/s1600/DSCF3936.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiO03Bs0FR96GnZIutohl9QiFTBDnPBhrb7Va7lLVNeidp-ikUmaqHbcdAXAfj_-pcmDRrBwwliuzk0Q9u8jowrWXDro7kw0VvJVCmPsNNWl9sRHYwQPkw7awUEgzjUGDTH5lVmwBUlVPY/s640/DSCF3936.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> “Fuzz face” se ha convertido con los años en un disco mítico y muy preciado -musical y economicamente hablando-, no solo porque sea muy difícil de encontrar en su edición original -despues fue reeditado en el 92 por Animal records, versión también dificil de encontrar ya- sino porque representa los inicios de un grupo que con el tiempo ha variado bastante de estilo. Este es un trabajo directamente inspirado en el sonido del garage más primario de los Sonics y todo el punk de los 60. Muchos de los seguidores actuales de Sex Museum se sorprenden ahora de la diferencia, aunque, hay que decirlo, sea un grupo que para nada ha abandonado el gusto por el garage, algo que se nota en todos sus discos posteriores, simplemente le han ido añadiendo otras influencias más amplias. Así pues, este “Fuzz face” es muy aclamado a un nivel internacional entre los más militantes del garage, tal y como queda claro en el libro de Thimoty Gassen “The Knights of fuzz”, imprescindible para conocer el revival garagero y que contiene elogiosas palabras para este primer Lp de los Sex Museum. En 1988 se vuelve a ampliar su discografía con un split a medias con Los Macana, ahora a través de la discográfica Romilar D y que para muchos es el mejor disco garagero que se haya editado en España. A cada grupo le toca un cara, y por su parte los Sex Museum hacen cuatro cañeros temas, entre ellos dos versiones, destacando la estupenda revisión de “Mandrake root” de los Deep purple de la época Rod Evans. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En 1989 ya van despuntando, y aunque a un nivel de grupo de culto comienzan a tener más popularidad en un pais que poco a poco se va sacudiendo del muermo artificioso de la movida, aunque estemos hablando, por supuesto, de los ambientes más rockeros. Será otra vez Romilar D quien les edite ese año su segundo LP: “Independence”, junto a dos singles para apoyarlo, más una versión del disco en CD con nada menos que 5 temas extras, ediciones que a estas alturas son ya un tesoro para los coleccionistas. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<span style="font-size: small;"> Este es un segundo y formidable trabajo que marca una clara transición entre el garage de sus comienzos y un hard rock proveniente directamente de los primeros 70, muy tendente a lo psicodélico, potentísimo, con mucho más presencia del hammond de Marta Ruiz -que va demostrando gran destreza y aportando el sello que será característico del sonido Sex Museum- y una guitarra cada vez más versatil, agresiva y alucinante de Fernando. Tambien Miguel se ha soltado en la voz, ampliando mucho su registro en comparación con las primeras grabaciones. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Pero “Independence” es, aun así, un disco que sigue siendo sumamente garagero, de un sonido bastante crudo y directo, aunque se aventure a explorar otros sonidos provenientes de finales de los 60 y primeros 70. La base rítmica también interviene en la evolución del grupo, ahora mucho más pesada. Como hemos dicho el órgano y la guitarra se reparten más el protagonismo, complementándose muy bien. Ya en el del tema inicial del disco, “Friends”, se marcan un diálogo a la vieja usanza, alternándose ambos instrumentos durante unos minutos. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Este disco, por lo demás, también contiene temás más tranquilos -pero no por ello carentes de fuerza-. El tema que da título al grupo, segundo del disco, es un tema lento donde destaca la voz de Miguel, demostrando que cada vez canta mejor. Toco lo contrario, respecto a la velocidad, es “Voodoo house”, un tema de vertiginoso y salvaje garage, corte que gustan mucho de hacer todavía en directo. Muchos serían los temas a destacar, pero nos conformamos con señalar que entre las canciones extras del CD se encuentra una formidable versión de “Eighteen” de Alice Cooper, tema original de 1971, y que deja claro que el grupo está tomando un rumbo que poco a poco les aleja de sus inicios. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> En 1991 ya están preparando otro disco, la formación ha vuelto a cambiar, ahora el bajo corre a cargo de Germán Sanchez. En la batería sigue Jose Bruno, llamado el “Niño”. Han abandonado Romilar D, sello que al parecer prefería centrarse en promocionar grupos que cantaban en castellano – y, por tanto, con más posibilidades de salir por la radio-. Por lo cual, sacarán este nuevo trabajo, “Nature's way”, a través del sello Fábrica magnética, que también les sacará un single. A la larga se verá que este sello tampoco les iba a apoyar lo suficientemente, con lo que el disco pasa muy desapercibido y el grupo decide abandonar discográfica otra vez. Con este disco, aparte de los problemas discográficos, bajan el nivel en muchos aspectos. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> No obstante “Nature's way” no es un mal disco, de hecho contiene algunos temas formidables, pero por alguna razón está mucho menos inspirado que los anteriores, es en cierto modo más apagado. Aun siendo bastante potente y rockero, el equilibrio órgano/guitarra se ha roto a favor de la labor de Fernando, que en opinión del que esto escribe no logra la misma altura en la guitarra. Hay, por tanto, una brecha muy marcada entre este nuevo LP y el anterior. Suenan a un hard rock más convencional que no reserva muchas sorpresas. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Para mi gusto los temas más destacables son “Two sisters”, uno de los cortes más conocidos del grupo y que nunca falta en sus recitales, y “Liar”, potente tema que parece salido del “Fireball” de los Purple. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> En 1992, Animal Records, sello recien nacido y dispuesto a promocionar a numerosos grupos de la incipiente escena independiente española, les reedita “Fuzz face” con una portada diferente y añadiendo un tema más, el incluido en el recopilatorio para Voxx: “Drugged personality”. No obstante algunas circunstancias personales hacen que el grupo altere su trayectoria: Miguel decide abandonar el grupo por una temporada -aunque vuelve a los pocos meses-, y ellos siguen sin él; Germán Sanchez es sustituido en el bajo por Pablo Rodas, quien se mantendrá en el grupo hasta hace muy poco; Marta y Fernando tienen a su hija Tábata con lo cual también deben frenar el ritmo de actuaciones; Jose Bruno se situa ahora al margen del grupo, prefiere considerarse un mero músico de sesión. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Pero una vez estabilizados de nuevo tras estos vaivenes se disponen en Noviembre de ese año a grabar su siguiente trabajo, que editan en 1993 -también con Animal records- con el titulo “Thee Fabolous Furry”. Tras un disco como “Nature's way”, algo fallido, este nuevo trabajo es como una muestra de renovado poderío, hasta el punto de que sea sin lugar a dudas uno de los mejores discos de rock editados en España. Con sendas versiones en vinilo y CD -en esta última falta el tema “Liar” por falta de espacio-, se trata de un disco doble en directo con 18 canciones, donde las diez primeras son sin público y las ocho restantes frente a un pequeño pero entregado número de asistentes. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> En las diez iniciales canciones fueron incorporadas algunas pistas en estudio, pero aun así logran transmitir la frescura y el feeling del directo, “con todo el calor, improvisación e imperfección de un concierto en directo”, tal y como ellos mismos se expresan en la carpetilla del disco. No es un secreto que Sex Museum son un grupo que lo da todo en directo y el nivel de todos los temas, con público o sin él, es excepcional, recuperando y de hecho superando la fuerza del “Independence” para ir un paso adelante. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Marta vuelve de nuevo a intercalar y a enrollarse con su hammond entre los riffs de guitarra, eso hace que Fernando vuelva a recobrar su pulso y tenga vía libre para ofrecernos unos extraordinarios solos, con un punto más de acidez que llevan el sonido de Sex Museum a entrar de lleno en la hard psicodelia con temas como “Get radical” o “Big Sun”. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Miguel canta cada vez mejor, ahora apoyado además por Fernando en algunos temas y en unos coros cada vez mejor colocados. Hay variedad: en “Tabata's song” se marcan un tema instrumental muy blusero, y temas más lentos -pero vacilones- como “Mishu & Jatif”. En la parte con público destacan “Harmony in my head”, una guapa versión de los Buzzcoks, demostrando su apertura a nuevas y diferentes influencias, en este caso el punk melódico, pero siempre transformándolo en puro sonido Sex Museum. Sobre todas las demás, “Where i belong”, con más ocho minutos de verdadero enrolle entre los instrumentos, con una parte central que pareciera sacado del mejor momento de unos Grand Funk Railroad. Por cierto, autoeditan además un video de la parte del disco que tiene público y que sin contar con la calidad técnica de su último DVD es realmente interesante. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Por esta fecha Emi-Odeon reedita en CD el split con los Macana y el “Independence”. Por otro lado, desde hace un tiempo, Fernando anda detrás de la idea de montar un grupo de música Surf, estilo del que es ferviente seguidor. Con su amigo David Krahe graba en 1993 una docena de temas de los que solo se usarían algunos para un single. Pero aun falta un tiempo para que los Coronas cuajen y saquen su primer largo. En 1994 entra Kiki Tornado a la batería, que aportará un sonido potentísmo, sobretodo en directo. Por lo demás será este año un momento cumbre para el grupo, muy especial para ellos, pues Deep Purple los elige como teloneros para una gira por diversas ciudades de España.</span></div>
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<span style="font-size: small;"> Para colmo, en este mismo año, tras cambiar nuevamente de discográfica, sacan el disco “Sparks”, que en esta ocasión será a través de Roto records. Se trata de un gran disco que en cierta manera marca un momento intermedio en su carrera. Éste es de alguna manera más refinado, más melódico aun sin perder un ápice de fuerza, pues Kiki Tornado es una verdaera apisonadora a las baquetas. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Es sobretodo el disco donde Miguel demuestra el cantante que es, con todo su carácter y fuerza, pero explorando muchos más matices que hasta el momento. Su aportación a la calidad del grupo, cada vez más y más elevada, es enorme. También la labor de Marta al órgano se amplia mucho, dando a su sonido una deliciosa profundidad, sirviendo de contrapunto a la ya insuperable guitarra de Fernando. Será este el disco donde más se comparta el protagonismo de órgano y guitarra. En cierta manera es un disco que tiende aun más a la psicodelia y al desarrollo instrumental, como en la suave “Time killers word killers”, que despues empalma con “Find Meca”, un interesante tema instrumental dotado de un sutil toque de órgano, acústica y una guitarra slide de fondo que pone los pelos punta. Hay también otros temas temas enrollantes, como “It so easy”, que comienza suavemente para despues marcarse unos grandes cambios de ritmos, o “Love becomes nightmare”, impresionante tema que marca, en mi opinión, una de las cumbres de inspiración del grupo. “Sparks” es, asimismo, un disco de grandes homenajes. Por un lado, una versión del “Minnesota strip” de los Dictators, tema que tocan mucho en sus recitales, o la fenomenal adaptación estilo Sex Museum de “I am free” de los Who, incluyendo su apéndice “Underture” y sobretodo la revisión de “Black sheep” de sus adorados SRC, una verdadera maravilla. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Sin embargo tanta actividad se cobra factura. Están literalmente agotados y el grupo corre cierto peligro de autodesintegración. Actuaciones sin descanso, incluso giras por el extranjero. Para colmo, sacan otro disco más en el 95, que en cierta medida pasa algo desapercibido. Según las propias palabras de Marta Ruiz: “Lo que ocurrió fue que se nos juntó un poco con el trabajo anterior "Sparks". Sacamos "Sparks", hicimos por aquel tiempo la gira con Deep Purple, que fue un poco antes, y seguimos con "Sum", con lo que, para la gente, fue como si no hubiéramos sacado el "Sum", porque seguíamos tocando y... “...ah, pero, ¿habéis sacado un disco nuevo?”, la gente se enteraba en los conciertos y no tuvo demasiada repercusión por eso”. Por lo cual deciden tomarse un respiro, en el grupo se están abriendo brechas en cuestiones musicales que hacen peligrar la cohesión, algo que se intuirá en su próximo trabajo: “Sonic”. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Pero detengamonos en este “Sum”, su disco del 95. Es, en muchos sentidos, una clara continuación del “Sparks”, pero avanzando un paso en cuanto a potencia. Ya con la primera escucha se evidencia de que se trata de un disco mucho más abrasador, quizás porque Kiki Tornado ha logrado imponer su monolítico estilo al resto de la banda. Pero es un disco que reparte potencia a la vez que acidez, consiguiendo un sonido corrosivo que hace soltar chispas de los altavoces y que en directo se reflejará por esa época en unos conciertos de una intensidad brutal. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Aun así no faltan temas más relajados y melódicos, como “In this our life”, tema muy a la onda de los Doors, que sirve de contrapunto a cortes terriblemente cañeros como “Strange ways” o “Messing with you”. En suma, un disco imprescindible y absolutamente vitamínico. En la versión CD se añade además cuatro temas sorpresa, provenientes del Covers EP, cuatro versiones donde destaca, para mi gusto, la brutal “Bubble Gum” de Kim Fowley, donde Fernando se marca unos maravillosos punteos de guitarra ácida. El grupo sigue arrastrando probelmas y tras la gira del “Sum” hay una nueva desbanda que dura más de un año y medio. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Los miembros se diseminan en proyectos paralelos: Miguel saca un single con un proyecto de R&B más clásico, Fernando sigue con Los Coronas, que por esa época ya han sacado un estupendo CD de música surf. Así mismo se embarca con los Wonderboys, una formación más orientada al punk rock, demostrando ser un tipo muy versatil y con una capacidad de trabajo asombrosa. Pablo Rodas toca con el grupo TEA, y Marta se lanza a explorar por su cuenta los sonidos electrónicos, algo que despues se notará en su estilo de tocar el órgano y la incorporación de secuenciadores. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Tras este prolongado parón de la formación principal vuelven a unirse y a través del 98 van indagando material para editar un nuevo disco. Deciden repartir más las tareas entre todos y escribir los temas más colectivamente. En las letras en inglés les asesora -y seguirá en lo sucesivo- Rusty Conway. Como Marta incorpora una orientación mas electrónica todos deciden explorar ese campo. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Será en el Festimad 99 donde se presenten como Sex Museum 2000, con un repertorio mucho más orientado a la tecnología. Causan impresión frente el numeroso público del festival. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Sin embargo, en su próximo disco del 2000, “Sonic”, editado por Locomotive -que además reeditará discos anteriores- y para alivio de muchos fans, el sonido se vuelve más rockero; mantienen cierta inclusión de tecnología, pero sin dejar de ser un grupo de potente y directo rock, en esta ocasión más cercanos a unos Monster magnet que a referencias setenteras anteriores. Sonic es un disco que puede decepcionar a muchos seguidores de su etapa media, que sin duda es la que le aportó el grueso de sus seguidores a partir de mediados de los 90. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Quizás son demasiados estilos en un solo disco, pues hay de todo: psicodelia, surf, hard, garage, todo envuelto en los nuevos sonidos incorporados por Marta. Contiene de todas maneras grandes temas: “ Let's go out” o “I walk alone”, pero éste disco, junto a Nature's way” puede considerarse en cierta medida un paso en falso, al menos desde el puntop de vista de muchos de sus fans, quizás necesario para desarrollarse musicalmente, pero que se cobra factura en cuanto a la opinión de su público más fiel. Algo que se evidencia en el hecho de que en su posterior disco recuperan nuevamente el sello que les caracterizaba, con un album mucho más rockero.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Eso será en 2002, cuando saquen “Speedking”, nuevamente con Locomotive. Un disco extraordinario que fue grabado casi en directo -excepto la voz y algunas tomas de guitarra- lo que se transmite en el resultado. Cuenta con la incorporación de Loza, ex-Sobrinus, a la batería, cambio que se demostrará positivo, siendo un músico más versátil que Kiki Tornado, menos contundente, pero con más posibilidades. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Es nuevamente un disco que vuelve la mirada al hard rock primigenio, al garage y la psicodelia más guitarrera. Para dejarlo claro tocan la versión del incombustible “Speedking” de los Purple, que incrementan en potencia, si eso es posible. Más cercano al “Sum” que a cualquier otro disco anterior es, sin embargo, una clara muestra de la evolución del grupo hacia el llamado sonido stoner rock. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Las experimentaciones del “Sonic” no han sido en vano y Marta logra encontrar un punto medio a su órgano Hammond ampliándolo con otros sonidos. Aun así las guitarras son las protagonistas, con un increible Fernando sacando partido de sus pedales. Miguel vuelve a hacer un gran trabajo y en temas como “Huxley” se sale. El grupo se muestra extraordinariamente compacto y sabe sacar todo el fruto de esto. Brutales los temas “Red ones” o “Landlords”. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Es un disco buen disco, una recuperación de su fuerza, pero también plantea un dilema para el grupo sobre hacia donde seguir. Sex Museum sigue sin ser un grupo de fama a unos niveles comerciales, pero aun asi tienen amplia repercusión, es evidente que existe cierta presión en cuanto a seguir su libertad creativa o satisfacer a sus fans más acérrimos. Así pues, se toman la cosa con más tranquilidad, aunque siguen sucediéndose las actuaciones, aquí y en el extranjero. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Los coronas sacan nuevo disco en el 2003 -también con Loza- y Fernando se ocupa cada vez más de producir a nuevos grupos de la escena del pais: Rip KC, Mermaid, Bummer, Smoking bird, etc. Tienen la fama de tener el mejor directo del país y ellos lo demuestran editando en 2004 “Fly By night”, un excelente “live“ que de alguna manera supone un antes y un después en la trayectoria de la banda. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
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<span style="font-size: small;"> </span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWLho-dh7lbrm3ev_RMIrzHGYeOPXHYwBN3dWg-UigNfc316sQy1tlSX21J8LTGV9wdzP4CaLDocYcZ2-OuUxopekXaHcw_y8fKc8pQFvYI6PuSMs9M4wJdvH-GID11BxK7a9jREqSWVc/s1600/sex-museum-fly-by-night-2000.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWLho-dh7lbrm3ev_RMIrzHGYeOPXHYwBN3dWg-UigNfc316sQy1tlSX21J8LTGV9wdzP4CaLDocYcZ2-OuUxopekXaHcw_y8fKc8pQFvYI6PuSMs9M4wJdvH-GID11BxK7a9jREqSWVc/s320/sex-museum-fly-by-night-2000.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
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<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Este disco está compuesto por muchos de sus temas más representativos y de sus versiones preferidas, pero tocadas con arreglos nuevos, siendo una buena oportunidad de escucharles interpretar algunos viejos temas con una renovada mentalidad. Algunos verán en este doble disco el “Made In Japan” español y con seguridad es uno de los mejores directos grabados en España. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En la gira de presentación de este disco incluso cruzan el charco para llegar hasta México. A comienzos de 2004 media formación de Sex Museum participa en un homenaje en directo a Thin Lizzy, y lo que iba a ser un proyecto esporádico para esa ocación termina por cuajar en una nueva banda: The Thunderbolts, grupo compuesto, además de Miguel y Fernando Pardo, por miembros de Bummer y The Dictators (incluyendo a Roos The boss guitarrista de Manowar en los 80). </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> La cosa desemboca en un disco con temas propios y tres versiones (dos de Thin Lizzy y una de The Dictators). Pero hay que decir que este grupo se aleja bastante del sonido de Sex Museum para adentrarse en un rollo mucho más clásicote, pero eso no quita que sea un disco muy interesante y tengan un directo demoledor. En 2006, tras una etapa de cierta inestabilidad y estancamiento creativo, que se disipa con la entrada de Javi Vacas (también bajista en La Vaca Azul), Sex Museum decide dar un nuevo giro a su sonido. Hartos de ser relacionados con el estilo stoner comienzan a idear temas mucho más livianos y bailables que terminarán por ver la luz en su último disco editado: United. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglOeFPXkCtDtA7a2uWnKs60Ta1VXekZvwCsWw8jbdfbZGGNGrSfzbmh5WSHa0YoO0jMjISLpLIubE3hYiKizZSVMEPjIXleGxcSMuDiy8E2PUV97rdPMUtASLstP43caTbLaexAjYzIY0/s1600/united.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglOeFPXkCtDtA7a2uWnKs60Ta1VXekZvwCsWw8jbdfbZGGNGrSfzbmh5WSHa0YoO0jMjISLpLIubE3hYiKizZSVMEPjIXleGxcSMuDiy8E2PUV97rdPMUtASLstP43caTbLaexAjYzIY0/s320/united.gif" width="320" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> </span></div>
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</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Y entre una cosa y otra este es un trabajo bastante especial, ya que ha supuesto una apuesta arriesgada de Sex Museum en cuanto al camino que debían seguir. Y como para todo grupo que tiene seguidores muy fieles, toda decisión de esa naturaleza puede traer decepciones. Pero ante todo hay que decir que si lo que ha primado es la libertad creativa no hay nada que objetar, otra cosa será los gustos de cada uno respecto al resultado.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Con este disco sabían que podían no gustar a muchos de sus fans más rockeros, pero aun así no se han echado atrás. Por lo demás, United también es un disco especial porque incluye el primer tema cantado en castellano en muchos años, se trata una versión de “Unidos”, el popular tema de los Parálisis Permanente, grupo estandarte de la movida madrileña más subterránea. No obstante United no deja de ser un disco de Sex Museum y por ello es evidente que incluye temas muy potentes que podrían haber estado en sus discos anteriores sin problemas. Fernando ha bajado la intensidad de su guitarra y sus solos son más cortos (lo cual es una pena para el que escribe), algo que se nota mucho. Pero hablando claro, quizás el problema radica en que han planteado esta “nueva etapa” de una manera algo radical, presentando el disco al público con un video y un single descaradamente comercial y demasiado alejado del sonido que les caracteriza... ¡y eso asustó a muchos de sus fans! </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Pero pasemos a analizar el disco. Se abre United con “Ghost without a will”, un pegadizo corte a medio camino entre lo nuevo y lo viejo de Sex Museum, con un ritmo bastante bailable y los teclados de Marta flotando de forma fantasmal, pero también con un poderoso riff de guitarra y una base rítmica muy compacta. Miguel canta en este disco como nunca, a estas alturas es con seguridad uno de los mejores cantantes de este país y en este tema concretamente lo borda. A continuación llega “I' ve lost my Faith (in you)”, corte algo más machacante y nuevamente con un riff abrasador de Fernando. Pero ante todo destaca el trabajo al órgano de Marta Ruiz, con un pasaje muy currado en el centro. “Madrid” tiene cierto aire punk, pero en la práctica es bastante suave. Pero otra cosa es “Mother Nature”, uno de los mejores cortes del disco, con bastantes cambios de ritmos y una linea vocal mágnifica de Miguel Pardo, que suena muy teatral y grandilocuente. En este tema saben combinar fuerza y lirismo a la perfección, sobretodo por el buen trabajo de órgano y su combinación con la guitarra. Sigue subiendo el nivel con “I won't go back”, un trallazo algo más acelerado, pero al igual que el anterior corte tiene repartida fuerza y melodía a partes iguales, con un ritmo llevado a la perfección por Loza y Vacas, imposible no dejarse contagiar. “The Distance (Despedida a la francesa)” es un corte melódico muy bien hecho, una canción de desamor donde destaca el órgano de Marta Ruiz. Pero si esta muestra de melosidad puede dejar buen sabor de boca, no ocurre así con “I enjoy the Forbidden”, un corte demasiado comercial y que no pega ni con cola con la totalidad de la discografía de Sex Museum. Pero lo que podría haber quedado en anécdota toma demasiada trascendencia debido a que se ha tomado como single y ademas se ha presentado en video, lo cual es sorprendente. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En fin, ellos han decidido eso y debemos aceptarlo. “Outrageous Woman” es mucho mejor canción, con un delicioso aire funky llevado a la perfección por la batería de Loza y el bajo de Vacas. Destaca además la guitarra de Fernando que en este tema se suelta más, pero es una pena que no lo haga más a lo largo de todo el disco. “Talk about the Good Times” es otro corte muy bueno, bastante alegre y que te empuja a bailar. Grande el órgano de Marta Ruiz una vez más y unos coros muy acertados. “Something for real” es mi canción preferida de todo el disco. Alucinante la guitarra de Fernando, pero es una pena que el tema dure cuatro minutos, pide a gritos un desarrollo más largo (mucho más largo!!)) que hubiera hecho de esta canción de las mejores de toda la discografía de Sex Museum. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Se nota que ultimamente se han estado fijando en Neil Young ( en sus últimos directos tocan una versión suya) y aquí la guitarra de Fernando expira toda su magia. Además Miguel canta estupendamente apoyado por unos buenos coros. “Unidos” suena impresionante, y quizás sirve como ejemplo de las posibilidades de Sex Museum para hacer sus temas en castellano en un futuro. Es evidente que es dificil hacer rock en nuestro idioma pero Miguel supera la prueba a la perfección. Así pues, un deslumbrante cierre para el último disco del grupo hasta la fecha. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Tras este disco nos ha llegado 15 hits that never were, una colección de temas muy especial, pues se trata de un recopilatorio de temas seleccionados entre sus últimos discos (para los discos más antiguos tienen problemas legales al parecer) y que han sido regrabados para la ocasión con diferentes arreglos. Entre estos temas hay uno nuevo que suena francamente bien y potente, quizás sea un adelanto de por donde van a tirar en un futuro, o quizás no, pero sea como sea estaremos a la expectativa con lo que tengan que ofrecernos en adelante, y sin duda contarán con nuestro apoyo incondicional.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Y tras una espera que ya comenzaba a hacerse demasiado larga llegó un nuevo disco, Agian & Again, esta vez ha sido editado por Tritone records, el mismo sello por el que sacan discos Los Coronas. Se mantiene la formación: Miguel Pardo a las voces, Fernando Pardo a la guitarra, Marta Ruiz órgano y teclados, Javier Vacas al bajo y Roberto Lozano a la batería. La grabación ha tenido lugar en el estudio Infinity de Madrid a finales del año pasado y la remasterización a corrido a cargo de John Golden. Ha sido editado en CD digipack y también mediante una edición limitada en vinilo para coleccionistas. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOyJEx4oSaGoWa_uAx0zQUu3kp1BFYTymHPeYmuURzKDjSQzp02iy7GLGfmBCva-9o3_XibBAAG__CUinSZ5HeHAp9uFdxXxujnVjgf4Ft-r6O06Wvwvc0SV4NITZ6C1DuSowOnumQZI0/s1600/again.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOyJEx4oSaGoWa_uAx0zQUu3kp1BFYTymHPeYmuURzKDjSQzp02iy7GLGfmBCva-9o3_XibBAAG__CUinSZ5HeHAp9uFdxXxujnVjgf4Ft-r6O06Wvwvc0SV4NITZ6C1DuSowOnumQZI0/s320/again.jpg" width="303" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Ya a las primeras escuchas se nota que estamos ante un gran disco, quizás el mejor en un sentido global desde que grabaron el Sum, quizás porque estilísticamente han recuperado una sencillez y una inmediatez tanto en sonido como en actitud que podía haber quedado un poco ocultada en los últimos tiempos. Son temas muy directos y reconocibles en la herencia del hard rock de toda la vida, tras varias escuchas descubres que ya te han atrapado sin necesidad de efectismos ni fuegos artificiales como si de un sonido directo se tratara, pero grabados con el cuidado que posibilita el estudio. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Han conseguido un buen punto medio entre su sonido más reconocible y una cierta modernización, los ingredientes de siempre están ahí: The Who, hard rock de los 70, garage, algo de punk y pop... pero desde una perspectiva que me recuerda a cosas modernas como pueden ser The Movements por citar un grupo más o menos afín. En general percibo que han rebajado un poco la intensidad guitarrera para dar más prioridad al órgano, aunque evidentemente la guitarra de Fernando sube el volumen al máximo cuando es necesario; veo a Javier Vacas más compactado a la batería de Loza. Pero sobretodo pienso que Miguel sigue demostrando ser uno de los mejores vocalistas de este país. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Abre este disco “I'm Falling Down”, un tema bastante contenido en cuanto a intensidad y construido en torno a una buena melodía, pero a partir de la mitad de su minutaje la cosa sube mucho de intensidad. Llega a continuación “Some Other Bar”, con una linea de órgano como base para un tema que pienso es de los platos fuertes del disco, con un ritmo muy vacilón y una guitarra haciendo un excelente trabajo en combinación con el órgano. El tercer tema es el que da título al disco, se trata de un corte rápido con reminiscencias garageras donde destaca un riff de guitarra imparable y contagiosa. Pero tras este subidón llega “Seven Days”, otro pepinazo de guitarra/órgano en la mejor tradición de Sex Museum, con una linea vocal dura y repetitiva, sin duda un grandísimo corte. Bajamos solo un poco de intensidad con “Let Me Go Home”, otra excelente canción que para mi ha entrado directamente entre las mejores de toda la carrera de Sex Museum, aunque debo unirla en ese sentido a “Save Your Soul”, un trallazo garagero y guitarrero que hará que muevas la cabeza sin parar. Estos cuatro temas seguidos son toda una ración de electricidad que deja muy buen sabor de boca. “Keep Running” es un tema suavito en comparación con lo anterior, pero es solo un respiro para entrar con “Can You Stand My Love”, nuevamente en la pura esencia Sex Museum de combinación de órgano y guitarra. “Masterplan” baja nuevamente un poco el acelerador, es un tema muy melódico apoyado con coros. Como en una taquicardia subimos de golpe de nuevo con “Go Go rocker”, otro trallazo de espíritu garagero donde el órgano se lleva casi todo el peso. Cierra el disco “Go Around”, el más largo del disco con casi diez minutos de duración, es un estupendo corte con un toque psicodélico y de más largo alcance, con un ritmo hipnótico y plagado de efectos de teclados y una guitarra muy distorsionada. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Un cierre de alto nivel para un disco que estoy seguro encandilará a los fans de Sex Museum más fieles, pero que también atraerá a un nuevo público en busca de hard rock de calidad hecho en estos momentos. Sex Museum demuestra estar en un momento óptimo, este disco revitaliza su posición en un undeground algo tocado (más, si cabe) en los últimos tiempos. Se mantienen como un totem en mitad de la siempre precaria escena rockera de este país. ¡Y que sigan! </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-size: x-small;">Este artículo puede reproducirse sin ánimo de lucro y siempre citando autor y fuente. </span></span></div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-24391821290420461972012-06-19T07:59:00.000-07:002013-03-05T14:55:01.597-08:00Colour Haze<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-style: italic;"><span style="font-weight: bold;">Un artículo de Antonio Ramírez</span></span></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-style: italic;"><span style="font-weight: bold;">Publicado originalmente en la web Mentes de ácido en 2009 </span></span></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVW-WTc3isB76Jc0luffG_thvRXulc_ri__oqJTbohJXucqD4yr5ks7r__z1G5ipDHrteV1jfGoVCOpQ1KXqCeLz9nAQhgkdtvc69kYEhEybBLdEadoVsCBWT2ItFhFbUSyYtZBEStMHg/s1600/colour_haze.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVW-WTc3isB76Jc0luffG_thvRXulc_ri__oqJTbohJXucqD4yr5ks7r__z1G5ipDHrteV1jfGoVCOpQ1KXqCeLz9nAQhgkdtvc69kYEhEybBLdEadoVsCBWT2ItFhFbUSyYtZBEStMHg/s640/colour_haze.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"> Europa
es, en estos momentos, un hervidero de formaciones vinculadas a la
tradición psicodélica. La irrupción del stoner rock importada desde USA a
mediados de los años 90, sobretodo impulsada por bandas como Kyuss o
Monster Magnet, hizo que muchas bandas jóvenes europeas pusieran su
mirada en la psicodelia y el hard rock de los 60/70, dando lugar a un
renacer de ciertos sonidos y formas de entender la música rock que se
habían dado por olvidados. Lo más interesante de este movimiento tan
difuso y variado (mezcla de heavy de los 80, doom, psicodelia, hard rock
setentero, etc), es que casi siempre se ha mantenido al margen del gran
mercado discográfico, con lo cual los sonidos se han ido mezclando con
una libertad sorprendente en un mundillo que hasta finales de los 80 se
había mostrado demasiado cerrado, algo debido seguramente a intereses
comerciales que sin embargo en el submundo del stoner no tenían tanta
importancia. <br /> En esta escena underground europea, los alemanes Colour
Haze se han consolidado como una de las bandas más interesantes. Su
evolución desde sus primeros trabajos sirve de perfecto ejemplo de
libertad creativa, y sus discos, a la larga, están marcando un camino a
otras muchas bandas vinculadas al stoner rock. Ahora acaban de editar un
nuevo disco, lo cual nos parece una perfecta excusa para dar un repaso a
toda su discografía al completo. Colour haze se forman en Munich en el
verano de 1994. La banda inicial estaba compuesta por Stefan Koglek, a
la guitarra y voz, Tim Hofer a la batería y Christian Wiesner al bajo.
En esos primeros pasos practicaban una mezcla de doom y rock setentero
de bastante peso que les acercaba a los sonidos de algunas bandas doom
de culto como Saint Vitus o Trouble, aunque evidentemente salvando las
distancias. Todos provenían de bandas anteriores que habían surgido del
mundillo underground alemán del punk y el hardcore experimental como
Organized Noise o Surface Tension y que habían tenido una relativa
repercusión. Después de darse a conocer tras un año de conciertos y
conocer cierta evolución musical logran editar en 1995 su primer CD,
Chopping Machine, mediante un pequeño sello de Munich, David Records. La
tirada es de mil ejemplares y pronto tiene una buena acogida en la
prensa musical especializada, pero las ventas son desastrosas, sobretodo
debido a una distribución casi inexistente que les condena a seguir
siendo unos desconocidos más allá de un círculo muy pequeño de
seguidores. <br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyazKzIapwf4wuJlcKTVVNasyXUHzLVLOuETzmb9ton74MCp0U_QIu6NqBSP2zlGQ2K4g_ZmEoEP_FkvZaVMlEro_K9F9dBI4NTfxldDRe_qqBfos9cpZsUx9uhRZA6rcTUUGQXHLF1Sg/s1600/chopping_machine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyazKzIapwf4wuJlcKTVVNasyXUHzLVLOuETzmb9ton74MCp0U_QIu6NqBSP2zlGQ2K4g_ZmEoEP_FkvZaVMlEro_K9F9dBI4NTfxldDRe_qqBfos9cpZsUx9uhRZA6rcTUUGQXHLF1Sg/s1600/chopping_machine.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /> Por lo demás, Chopping
Machine es un aceptable disco debut si tenemos en cuenta que fue grabado
en unas condiciones muy modestas. Era bastante original para su momento
y ya deja ver el potencial de Colour Haze, aunque también es evidente
que es un trabajo aun poco definido. Las influencias del doom rock aun
están presentes, sobretodo en algunos ritmos lentos y densos, pero que
están pasados por cierto regusto esquizoide a lo Neurosis. También se
deja ver el variado interés del grupo por sonidos progresivos, el kraut
rock o la psicodelia más guitarrera, y por otro lado se nota la
irremediable influencia de lo que venía de la escena anglosajona de esos
momentos, especialmente de bandas como Kyuss o Melvins. </span> <span style="font-size: small;"><br /> El
resultado es francamente oscuro y mucho menos refinado que otros
trabajos que vendrían después, podríamos decir que de una agresividad
muy teñida de punk, tal y como solía ocurrir con muchas bandas de rock
los 90. Como hemos dicho no es un mal disco, pero se nota mucho que
todavía están en proceso de encontrar un sonido personal. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">De
igual manera Stefan Koglek, alma mater del grupo, aun no demuestra del
todo su talento con la guitarra eléctrica y su voz deja bastante que
desear. Si hubiera que destacar algún tema me quedaría con “Subversive”,
el largo corte de más de catorce minutos que abre el disco y que se va
desarrollando lentamente (sin duda, este tipo de estructura progresiva
será una de las marcas de fábrica de Colour Haze en el futuro) para
entrar de golpe un riff maquinal y cortante, además dividido en varios
cambios de ritmos, que recuerda a la etapa 1973-74 de King Crimson.
También “Sometimes” o el que da título al disco son temas destacables.
Sin embargo la calidad es algo irregular y en general es un CD que llega
a sonar monótono y poco pulido pese a las buenas intenciones. Este
disco les dio la oportunidad de recorrer (a duras penas) toda Alemania
durante 1996, ofreciendo numerosos conciertos en locales pequeños.
Intentan aprovechar al máximo este impulso y en cuanto pueden graban
otros temas nuevos que irán incluyendo en diferentes recopilatorios. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Pero
la banda no tiene suficiente cohesión y el entusiasmo se desinfla
rápidamente, por lo que 1997 es un año casi muerto para Colour Haze. Tim
Hofer decide en ese momento abandonar el barco. Mientras buscan un
nuevo batería entra en la banda un nuevo cantante, Felix Neuenhoff. Con
esta nueva formación (los baterías se van turnando por un tiempo sin
encontrar uno fijo) van creando nuevos temas, algunos de los cuales se
registran. Sin embargo Christian deja repentinamente el grupo en agosto
del 98 dejándolos de nuevo paralizados. Pero afortunadamente la
situación no dura demasiado, provenientes de otros grupos que Stefan
conocía de las cercanías de Munich, entran Manfred Merwald a la batería y
Philipp Rasthofer al bajo, siendo esta la base rítmica permanente de
Colour Haze hasta el momento, además de un ingrediente crucial en los
logros musicales del grupo. En ese año graban una demo que será
distribuida en 50 CD-r y que está titulada como Seven. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Ésta
maqueta presenta una clara evolución hacia el sonido que en ese momento
se roconocía como stoner rock. Es una grabación sembrada de riffs mucho
más rockeros y rápidos, donde Stefan se luce más con unas guitarras que
suenan muy a lo Hendrix. La sombra de Kyuss es alargada y estos nuevos
temas no ocultan en lo más mínimo su influencia. No es un mero plagio,
pero Seven no es precisamente el colmo de la creatividad, sumándose así a
una oleada de grupos de segunda generación que beben del stoner sin
plantearse demasiados riesgos musicales (algo que por otro lado es
comprensible, ante todo se trataba de grupos formados por fans que
deseaban emular a sus ídolos, no inventar nada). Aun así esta demo
contiene buenos temas que gustarán a cualquier fanático del stoner más
típico. Que yo sepa no ha sido reeditada en otro formato, salvo en
ediciones piratas y lo que corre por internet, por lo cual no forma
parte de la discografía oficial del grupo. En todo caso sirve como un
buen documento para observar la evolución de Colour Haze y del stoner
rock en general. Tras sacar esta demo Felix deja el grupo. Stefan decide
entonces volver a asumir las funciones de cantante tras dos años
descansando la garganta. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Parece que estos cambios son para bien y
en unos meses se va estableciendo un buen equilibrio con esta formación
de trio. Trabajan visiblemente más relajados y los resultados son
prometedores. Juntos crean un montón de nuevos temas que en octubre de
1999 dejan registrados en lo que será una nuevo demo, Periscope, que
repartirán en una edición de 100 CD-r. Esta nueva maqueta puede
considerarse como el primer trabajo destacable de Colour Haze, su
primera grabación verdaderamente personal, en la que empezarán a
reflejar su particular estilo. Después, unos años más adelante, sería
reeditada en formato vinilo y CD (con un tema extra) con algunas partes
regrabadas, lo que demuestra cuanto aprecian esta grabación, ya que pasa
de esta manera a engrosar la discografía oficial. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh1wg-4efjYJnd4BowzN_SMuAmswmxigvH2rpegQfEFh4nZadiQTfQwSdDN2el2on1iq_TbGhkLfsGluNxukmqpB2GK4f-tsf_fCMI8Ukbb7aR6qW1brlooVQB-DXt5_S18VOCyM06U34/s1600/periscope.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh1wg-4efjYJnd4BowzN_SMuAmswmxigvH2rpegQfEFh4nZadiQTfQwSdDN2el2on1iq_TbGhkLfsGluNxukmqpB2GK4f-tsf_fCMI8Ukbb7aR6qW1brlooVQB-DXt5_S18VOCyM06U34/s1600/periscope.jpg" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"><br /> Pese
a que no está grabado en las mejores condiciones, Periscope presenta ya
ese especial carácter de los mejores discos de Colour Haze, con esa
mágica mezcla entre parsimonia, sutileza y fuerza. La cohesión
conseguida entre los tres músicos es evidente, demostrándose la gran
calidad y autonomía de una base rítmica con cierto espíritu jazz
respecto a una guitarra cada vez más poderosa. Stefan igualmente dibuja
fligranas como se desparrama en pantanosos riffs de una densidad
extrema. Mientras tanto, el bajo y la batería llevan todo el peso, pero
también se permiten muestras de creatividad. Kyuss y ahora los primeros
trabajos de QOTSA siguen siendo un referente inevitable, pero se suman
otras influencias como el rock ácido de Motorpsycho, grupo que será un
referente importante, la experimentalidad con los ritmos de Can y otros
grupos del krautrock, o los tiempos y atmósferas de los Pink Floyd de
los primeros 70. Así, Colour Haze incorpora a la corriente stoner rock
un espíritu más instrumental que los aleja de los temas tan directos de
otras bandas como Fu Manchu o Dozer . Prefieren acercarse al space rock y
la psicodelia, aunque sin dejar de ser muy potentes y densos. Stefan no
es un gran cantante (aunque mejorará mucho con el tiempo) y se nota
claramente que su mayor preocupación es desarrollar los temas como
tirando del hilo, en este caso un riff principal que se va desarrollando
poco a poco, consiguiendo cortes muy hipnóticos y frescos que contienen
el espíritu las mejores sesiones jams.</span> </div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Es, por supuesto, un
disco aun mejorable, que aun arrastra cierta inseguridad en su
ejecución, pero también es mucho más regular y todos los temas son de un
nivel de calidad similar. Por destacar alguno me quedaría con “Always
Me”, potentísimo tema que engloba todas las características que han
hecho tan grandes a Colour Haze, aunque quizás todavía de forma
germinal, especialmente por sus riffs atípicos y unas melodías
verdaderamente originales. También el que cierra la re-edición en LP,
“Periscope (Breit Return)”, es un tema instrumental excepcional, con un
trabajo de guitarra admirable durante todo su minutaje y una base
rítmica que no se queda atrás, especialmente en las estupendas lineas de
bajo de Rasthofer. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Viendo que el grupo empieza a dar mucho de si
Manfred y Philipp deciden por fin mudarse a Munich para dedicar más
tiempo al grupo, lo cual aporta aun más estabilidad al proyecto. Con
este espíritu graban nuevos temas en el 2000 de lo que sería CO2, su
próximo disco. Tras editar 100 copias en CD autoeditado, deciden también
arriesgarse con una serie de pequeñas tiradas en vinilo y se esfuerzan
por buscar distribución a través de infinidad de fanzines, locales de
conciertos y la infinidad de páginas de internet que sustentan el
fenómeno subterráneo stoner, consiguiendo en poco tiempo un aluvión de
pedidos y un buen montón de nuevos contactos y amigos en el mundillo.
Pero sin duda el empujón definitivo viene cuando participan en el Burg
Herzberg, el mayor festival hippie de Europa. Allí la respuesta del
público es contundente, Colour Haze gusta a los forofos de la psicodelia
y los desmadres lisérgicos. Con este éxito logran que un nuevo sello
especializado en stoner rock, Monsterzero, se decida a re-editarles el
disco en CD, que esta vez es distribuido más eficientemente. El
resultado es que poco después se ha agotado tanto la edición en vinilo
que había hecho el propio grupo, como la versión en CD de Monsterzero,
quedando claro que Colour Haze hace furor entre las filas de los "stonerheads".</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxjHr7Ti2fmRatKSU3NmCjHK7ykdGphifhAKmPOFZo2LqtXxGaf0mbg6l8NCBSnGk0CWp3YQmhVCdRyIiMu_pXhlrOnEBncyAs3ZeTtZ8XyCk-f8gHF2IG_FBaY9q-8O1zToTw-fzt5uU/s1600/co2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxjHr7Ti2fmRatKSU3NmCjHK7ykdGphifhAKmPOFZo2LqtXxGaf0mbg6l8NCBSnGk0CWp3YQmhVCdRyIiMu_pXhlrOnEBncyAs3ZeTtZ8XyCk-f8gHF2IG_FBaY9q-8O1zToTw-fzt5uU/s1600/co2.jpg" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"><br /> Musicalmente Co2 es una vuelta de tuerca al
sonido que hasta ese momento estaba haciendo Colour Haze. Se alejan cada
vez más de la escena stoner más típica, para adentrarse a un terreno
todavía más más personal. La sempiterna influencia de Kyuss se va
disipando y el grupo tiene puestas sus miras en las bases del hard rock
de los 70: Hendrix, Buffalo, Hawkwind y otros muchos grupos pioneros que
todavía tienen mucho que aportar a la escena actual. Stefan ha mejorado
mucho con la voz, lo cual le permite modular más aun las melodías que
salen de su cabeza, creando unas canciones cada vez más complejas y
ambiciosas. Su guitarra, de igual manera, está llegando a unas altas
cotas de calidad, permitiéndose experimentar con unas texturas
eléctricas exquisitas, y especialmente fabricando unos solos que cada
vez suenan más emocionantes. </span> </div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Parece que como trío han aprendido
la lección de tantas grandes bandas del pasado y empiezan a ser
insuperables en ese formato, demostrando que no hace falta mucha gente
para producir rock de alto voltaje. No por casualidad su sonido en
directo se labra una gran reputación que les va aportando cada vez más
audiencia. A destacar de este disco la inmensa “Motormind”, un medio
tiempo muy bien construido a través de un monolítico riff de guitarra y
una base rítmica salvaje que llega hasta la médula. “Co2” el largo corte
casi instrumental que cierra el disco es, igualmente, un tema magistral
que va desarrollándose en etapas que suben y bajan en intensidad con
paciencia. Por su parte “Alright” es un corte fenomenal, de una
estructura más rockera y directa que me recuerda mucho a grupos de hard
rock ácido como Damnation o Third Power, aunque pasado por el siempre
especial filtro de Colour Haze. El año 2001 está pleno de actividad para
el grupo, que vuelven a recorrerse Alemania e incluso salen a Bélgica
para participar en algunos festivales. Surgen nuevos fans por todos
lados y a sus conciertos vienen gente desde cientos de kilómetros de
distancia. En estas condiciones inmejorables MonsterZero les ofrece la
oportunidad de editar un nuevo disco. Este sería Ewige Blumenkraft ,
lanzado en una edición de lujo en doble LP y que poco después en versión
CD digipack. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpRN4pYY37W2xk5MTG1JF9dEp7uKUp5C-h0QoX_DdWsX3tTNGZcVn0_xr2xqnwueRNlJFD2i5it1ffwTSSOuRNmGLuJTzUgQ8hP_Mc64P6IYjuTde9GpfWmKbrtucbUp6VZYZF9brPQuc/s1600/ewige_+blumenkraft.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpRN4pYY37W2xk5MTG1JF9dEp7uKUp5C-h0QoX_DdWsX3tTNGZcVn0_xr2xqnwueRNlJFD2i5it1ffwTSSOuRNmGLuJTzUgQ8hP_Mc64P6IYjuTde9GpfWmKbrtucbUp6VZYZF9brPQuc/s320/ewige_+blumenkraft.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Si Pericope suponía el verdadero
inicio creativo de Colour Haze, Ewige Blumenkraft es el primer gran
disco de Colour Haze, una auténtica joya de la psicodelia guitarrera
moderna. Con una sola escucha se constata que ya han conseguido un pulso
verdaderamente propio que les convierte en uno de los mejores grupos de
rock del momento y un modelo obligado para infinidad de nuevas bandas
que van surgiendo a principio de siglo XXI del inmenso de cultivo que es
la escena stoner rock. A partir de este momento Colour Haze se separa
bastante de la corriente principal para re-inventar su sonido con
ingredientes cada vez más diversos.</span> </div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Es evidente que las
influencias siguen ahí, al fin y al cabo no ocultan que vienen de una
tradición musical reconocible, pero es su manera de digerir sus
referencias creando nuevas coordenadas y matices loque les hace
espaciales, aireando de esa manera en un estilo que estaba ya se estaba
congestionando. En este disco Colour Haze parece extraer su música de la
pura electricidad. De un muro de sonido de tonos grabísimos van
surgiendo melodías y ritmos que se concretan en canciones definidas.
Stefan cada vez canta mejor y se atreve con más melodías, lo cual se
conbina con la terrible fuerza de la música, dando como resultado temas
muy fuertes, densísimos, pero emocionantes a la vez. Me atrevería a
decir que todos los temas de este disco son buenos, pequeñas obras
maestras, con infinidad de detalles que extraer de sus muchos minutos,
con lo cual se me hace complicado destacar un tema sobre otro ya que
todos me gustan casi por igual. “Freakshow”, tema que inicia el disco es
un corte rápido y muy contundente, con un trabajo de batería estupendo y
un solo de guitarra en su centro que corta la respiración por su
intensidad. “Almost Gone” es un medio tiempo construido sobre un riff
atípico, de los que al grupo les gusta tocar con espíritu muy
progresivo. En este tema se permiten cantar los coros en falsete,
contrarrestando así la mucha energía puesta en movimiento, lo cual queda
bien y lo volverán a usar en discos posteriores. “Smile 2” es un tema
que se apoya en un mejestuoso trabajo de batería y bajo, demostrando que
Colour Haze no es solo Stefan Koglek. “Self” es mi tema preferido, con
una melodía vocal muy bonita y combinada con una guitarra simplemente
salvaje. También es necesario destacar el pedazo de versión que se
marcan del “Freedom” del mítico grupo australliano Buffalo, referencia
constante para este grupo y que aquí homenajean muy dignamente. En 2002
sus discos son ya distribuidos por muchos paises de Europa, incluyendo
España, y de otros continentes como USA y Japón. La prensa especializada
internacional les considera el grupo más importante de Alemania y uno
de los mejores de toda Europa. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Ese año, además de trabajar en la
reedición de la demo Periscope (que es la edición que comentamos más
arriba), tocan en gran cantidad de festivales europeos. Tenían previsto
una gira por España, pero es repentinamente cancelada, con esto sacan
tiempo para grabar nuevos temas para su próximo disco. Al iniciarse el
2003 Stefan decide fundar su propio sello. Harto de tener que tratar con
terceros y creyendo que el grupo no es lo suficientemente promocionado,
más allá de unos círculos demasiados especializados, crea el sello
Elektrohasch, con la idea de editar y promocionar los discos de Colour
Haze y apoyar a otros grupos que le gustan. Stefan se aplica con
intensidad a este nuevo proyecto y pronto se convierte en uno de los
mejores sellos europeos, de una importancia capital en estos momentos
para la promoción de la psicodelia o el hard rock underground. Lo
primero que edita es, por supuesto, el nuevo disco del grupo, Los Sounds
de Krauts. Éste será considerado por muchos como el mejor disco que
Colour Haze haya grabado hasta ahora. Es, en todo caso, una obra maestra
de la psicodelia y el rock progresivo. Y no es para menos, se trata
efectivamente de un disco impresionante donde la banda de Stefan Koglek
decide darlo todo a través de un inmenso ejercicio de creatividad y
pasión.</span><span style="font-size: small;"> </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0YJF24ryksX1XgfBkD18FMXs3-g07W3MlYQ944yxic045HcLiwODO-A-aWBo1rah2yPSY6qBqhfJsd_HV1y_l9kz50nQJ9qQ7xlBqFHtbjkfuVQsQpO5BJH-Zbbrw_gos8LteflGYjGk/s1600/krauts.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0YJF24ryksX1XgfBkD18FMXs3-g07W3MlYQ944yxic045HcLiwODO-A-aWBo1rah2yPSY6qBqhfJsd_HV1y_l9kz50nQJ9qQ7xlBqFHtbjkfuVQsQpO5BJH-Zbbrw_gos8LteflGYjGk/s1600/krauts.jpg" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Los Sounds de Krauts es un disco
complejo y de una cuidada construcción. Stefan lo produjo con mucha más
finura que los anteriores, logrando dar una textura más envolvente a
todos los temas, por lo que parece obligado una escucha completa de este
doble disco para poder disfrutarlo al máximo. Cada tema en si mismo es
una pieza delicada de un puzzle sonoro que solo tiene todo su sentido en
relación con el conjunto. También aquí es donde demuestran, como trio,
ser un perfecto mecanismo y a la vez brillar cada uno por su lado. Y no
exagero mi entusiasmo si digo que con ello consiguen innumerables
matices que hacen que la escucha de este artefacto una fuente de placer
inagotable. Todos los temas merecen ser citados sin excepción. </span> </div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> El
disco se abre con “I won't stop”, una pieza dinámica donde Stefan canta
realmente bien, además de demostrar una fiereza brutal con la guitarra.
Es un inicio deslumbrante que hace que no sepas si pegarte al asiento
para escuchar con toda atención o ponerte a bailar como un loco. A esto
le sigue “Roses”, otro tema buenísimo con un inicio de batería magistral
y que gana tensión a medida que avanza. Le sigue “Zen”, un tema
instrumental que tiene un espiritu marcadamente jazz. Grande el trabajo
de bajo y batería, muy grande. La guitarra se vuelve aquí más sutil ,
complementada por unos acertados toques de piano Rhodes, para de pronto
pero sonar realmente tormentosa. El final,es de antología, con toda la
banda en una escalada de fuerza. “Plazmakeks” se arrastra lentamente,
iniciándose con efectos de guitarra que pronto se convierte en una linea
que va dibujándose con gran estilo. A la mitad sube de tono y entra
unas guitarras dobladas que recuerdan a la mejor época de Bevis Frond.
Tras “2+7”, tema más corto y liviano, llega “Sundazed”, un corte
luminoso con una atmósfera muy a lo Grateful Dead y otras bandas de rock
ácido de la california de los 60. Aquí Stefan empieza a mostrar su vena
más hippie con un inicio suave y muy psicodélico. Pero después vuelven a
una intensidad extrema. “Plazmakeks” es un gran medio tiempo donde, una
vez más, se dejan llevar por el gusto por los ritmos atípicos.
Especialmente espectacular el trabajo de bajo de Rasthofer.
“Weltraummantra”, es, como indica su nombre, un mantra casi totalmente
instrumental de 18 minutos que se va desenvolviendo con lentitud,
administrando su energía muy poco a poco, hasta que de pronto estamos
envueltos en pura electricidad. “Other side” es un corto trallazo de
guitarra wah-wah y voces psicotrónicas. “Overriding” es para mi el mejor
tema de Los Sounds de Krauts, una verdadera maravilla donde Colour Haze
llega a cotas de calidad solo comparables a los mejores grupos de los
70. La melodía vocal es buena, realmente buena, la batería logra
hipnotizarnos y el bajo se nos mete hasta el tuétano, pero es esa pedazo
de guitarra de Stefan lo que hace de este corte algo mágico. Este es un
tema largo, son más de 17 minutos, pero la cúspide se encuentra
alrededor del minuto 7, cuando Stefan empieza a gritar y la guitarra se
desparrama en un solo que nos hace llegar alto con una dosis frenética
de acidez y electricidad. El climax pasa y poco a poco el tema se va
apagando con la entrada de un órgano Korgel. “Schiaflied” es el cierre
del disco, un corte suave que nos lleva otra vez al suelo. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Los
Sounds de Krauts produjo una aclamación inmediata en la crítica
especializada y fue considerado uno de los discos del año 2003. El grupo
pasa por un momento envidiable y este clima de triunfo es llevado a sus
extremos en el festival Swamp Room Happening, donde Colour Haze ofrece
un concierto excepcional durante dos horas que son recordadas con
verdadero cariño por el grupo. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Elektrohash Records crece mucho a
partir de esos momentos editando gran cantidad de discos, organizando
festivales y giras de grupos como Hypnos 69, Los Natas, Hainloose o
Rotor. Con el tiempo se ha convertido en un soporte importante de la
escena stoner y psicodélica de Alemania y norte de Europa. De esta
manera, junto a otros sellos como Nasoni o Alone Records aquí en España
se va creando una red que promete consolidarse, gracias entre a otras
cosas a las nuevas posibilidades que ofrece internet, con un contacto
más directo entre fans y músicos y la creciente proliferación de webs,
ezines y blogs que tratan con pasión a los grupos de estos estilos al
margen de intereses comerciales. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En 2004 se meten a grabar, de
forma totalmente analógica, lo que sería su siguiente disco, llamado
simplemente Colour Haze. Esta forma de grabar deja claro que ahora
cuentan con más medios. La verdad es que la tecnología analógica se nota
y el sonido es mucho más profundo y de calidad, algo que por supuesto
se comprueba mejor en la versión en vinilo. Con este trabajo se confirma
la definitiva evolución de este grupo hacia una hard psycho madura y
sobresaliente. Si bien no deja de notarse de donde vienen y muchos
seguirán viendo en Colour Haze un simple grupo stoner, pero sin duda son
algo más que eso. Es verdad que se notan por ahí ciertas reminiscencias
del stoner más machacón, pero siempre jalonados de numerosas
incursiones en el space rock, la psicodelia y un hard rock ácido propio
de los Buffalo o el Hendrix más duro. Continúa claramente la senda
abierta por el disco anterior, pero cambiando un poco de dirección, es
de más tonelaje, aunque sin abusar de los graves llevados al máximo de
sus primeros discos. En suma, es un disco excelente, de gran calidad,
que en ciertos momentos supera a Los Sounds de Krauts.<br /> </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguHd-CPAZBEWr9QjwQHatOTMknAKGmFuC04vTMjgbbJ-BgsSvXUWIdPLta4FcOuMtvAa1QxaEFRG416u7gPQ_qC4zQySq8UKUSnHMXo7Ze56wVSCDQ6LuejNK_vTUT5X9aVg80AiNJhNc/s1600/colourhaze.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguHd-CPAZBEWr9QjwQHatOTMknAKGmFuC04vTMjgbbJ-BgsSvXUWIdPLta4FcOuMtvAa1QxaEFRG416u7gPQ_qC4zQySq8UKUSnHMXo7Ze56wVSCDQ6LuejNK_vTUT5X9aVg80AiNJhNc/s320/colourhaze.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Por
lo demás, hay también más presencia de sonidos acústicos, lo que da
mucha diversidad. Es el caso del excelente tema “Flowers”, cierre del
disco, tema que cuenta también con amplios cambios de ritmo siempre
atravesados por un estupenda guitarra desprovista de distorsión, o
“Solitude”, corto y delicado tema construido a base de ácustica. </span> </div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Como
no podía ser de otra manera, la mayoría de los cortes empiezan con un
ritmo pausado que después va desarrollándose a cada vez a más velocidad e
intensidad hasta llegar a un paroxismo guitarrero que deja sin
respiración, tal y como ocurre en “Love”, tema de 9:20 minutos, donde
los leves punteos de Koglek van transfomándose en entradas tremendas de
pura distorsión. Así pues, lo normal es el sonido eléctrico de la
guitarra apoyándose en una base rítmica ágil que puede llegar a ser
poténtisima. Pero no podemos dejar de destacar la batería de Manfred
Merwald y el bajo de Philp Rasthofer, casi una segunda guitarra, ambos
aportando su imprescindible labor en este trio de talentos que es Colour
Haze y cada vez de una forma más profunda. Así, apoyándose en esta
soberbia base rítmica, Stephan suele construir sus temas en su
particular forma, como si de un mantra se tratara, girando alrededor de
una linea central que va desarrollando poco a poco, añadiéndole cada vez
más matices, como es el caso de “Peace, brothers & sisters!”,
espectacular corte de 22:11 minutos. Este tema es quizás el mejor
grabado por el grupo. Se inicia con un fondo de sutiles efectos sonoros
propios de los míticos Hawkwind. Después, la banda al completo va
desarrollando un riff que va subiendo en intensidad más. Unos minutos
después entra un estupendo solo ácido empapado de wah-wah y distorsión.
Tras otra nueva fase de riffs muy setenteros el tema se desacelera hasta
solo quedar un linea suave que puede recordar a algunas partes del
“Dark Start” de los Grateful dead, para volver despues a subir de
intensidad. En suma, un tema magistral que podría colocarse sin problema
en una antología de los mejores temas de la historia de la heavy psych.
Y así llegamos llegamos al 2006. Tras dos años jalonados de éxitos en
críticas, ser una sensación en el festival Roadburn por dos años,
asentar la marcha de Elektrohasch con la edición de numerosas novedades,
reediciones, splits y discos de colaboración con otros músicos, etc.
Colour Haze edita por fin su nuevo disco, Tempel. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> La verdad es
que este fue un disco muy esperado, quizás demasiado, ya que tanta
expectación ha podido quizas causar en muchos seguidores del grupo algo
de decepción. Sin duda no estamos aquí ante la grandeza de sus dos
discos anteriores, pero Tempel es un magnífico disco. El problema es que
dado la carrera ascendente en complejidad de sus últimos discos se
esperaba, quizás, algo mucho más espectacular. En cambio este es un
trabajo bastante más sencillo en comparación con los anteriores, con
temas menos ambiciosos, más cortos, como se suele decir más redondos.
Pero lo cierto es que al lado de muchos otros lanzamientos del momento
sigue siendo un disco más rico y experimental de lo normal. <br /> </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQv7ivAYvL5uYplCbSNPqthn25V_7-IgJGcdoVU6CJtj21MYvpub5oMaHNHd-0LR6SSWhW_h0RRBC3A2ePO2MfvrH7zLNqwaZguhDLqNE-zUlObAte0rTwCtoi60H5XrxyknVFZJkF7HE/s1600/tempel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQv7ivAYvL5uYplCbSNPqthn25V_7-IgJGcdoVU6CJtj21MYvpub5oMaHNHd-0LR6SSWhW_h0RRBC3A2ePO2MfvrH7zLNqwaZguhDLqNE-zUlObAte0rTwCtoi60H5XrxyknVFZJkF7HE/s1600/tempel.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /> Por
lo demás, como hemos dicho, Tempel es un disco que tiene una calidad
indiscutible. Es un trabajo inteligente, ejecutado a la perfección y
merece una atentación especial que irá desvelando cantidad de detalles
substanciosos. Escuchándolo uno se da cuenta hasta que punto los músicos
están tocando a gusto. Su compenetración ha llegado a unos niveles
altísimos y se nota, algo imprescindible para que un disco suene
auténtico. Stefan canta mejor que nunca y logra sacar mucho más partido
de su voz con registros más suaves y armoniosos. A su vez, la música ha
bajado algo la intensidad y exploran mucho más la vertiente jazzística
que apuntaban en Los Sounds de Krauts con resultados más que notables. </span> </div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> También
se nota un tono más épico que recuerda un poco a grupos de los 60 como
Quicksillver M. Service o Christopher, con unas atmósferas muy
luminosas. El disco se abre con “Aquamaria”, un gran corte con muchos
cambios de ritmo. Desde un comienzo destaca el magnífico juego de
bajo/batería, sobre el que la guitarra va construyendo un punteo
verdaderamente mágico. En el centro un gran trabajo de guitarra que nos
lleva a un final vertiginoso. “Fire” es un tema bastante más contenido,
de una gran sutileza, pero muy rítmico. “Mind” es un tema corto,
bastante más contundente y directo que los dos primeros, que incluye en
el centro unos toques de Hammond (colaboración de Christian Haweller).
Es un tema realmente bueno que nos lleva a “Tempel”, con una estructura
típica del grupo a base de un riff repetitivo que se va desarrollando a
pasos. “Gold & Silver” es mi canción preferida del disco,
especialmente por una melodía vocal muy conseguida y bonita, además de
una música que emociona por combinar lirismo y fuerza, algo propio del
mejor rock west-coast de los 60, estilo que parece ser la nueva
dirección apuntada ahora por el grupo. “Earth” es el corte más rápido y
salvaje del disco. “Ozean” es una etérea pieza instrumental con una
guitarra distorsionada como única protagonista. Ésta sirve de bella
introducción a “Stratofarm”, corte muy suave que cierra el disco y que
también me suena muy del rock ácido americano (Grateful Dead en 1967,
por ejemplo). </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Despues de Tempel el grupo ha continuado haciéndose
un hueco en la escena internacional mediante actuaciones en los más
importantes festivales de stoner y psicodelia, además de tener cada vez
más presencia en los medios de su país. El sello de Stefan,
Elektrohasch, también sigue con sus lanzamientos y reediciones de
discos, como es el caso de los diferentes projectos de Mat Bethancourt;
Josiah, The Begining o The Kings of Frog Island, compartiendo la edición
con otros sellos europeos en muchos casos. A finales del año 2007 y
comienzos del siguiente el trío volvió a entrar en los estudios para
preparar un nuevo disco. De estas sesiones resulta All, el cual ha sido
lanzado en Junio de 2008. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> La verdad es que había bastante
expectación en saber que iban a hacer tras su Tempel editado en 2006 y
hay que decir que no ha habido grandes sorpresas ni cambios traumáticos
en su estilo, al menos no demasiado destacables, salvo la inclusión de
instrumentos como el sitar o la utilización de un efecto tan
tradicionalmente psicodélico como es la reprodución sonidos al revés,
más el hecho de que algunas colaboraciones han cobrado mucha importacia,
como es el caso del órgano. No obstante, este cierto estancamiento
también puede verse como una profundización en la personalidad del grupo
y donde otros intentan inventarse y renovarse constantemente ellos
prefieren mantenerse en una linea que consideran la correcta. Como
resultado habrá quien piense que este disco es más de lo mismo o quienes
lo disfruten como una pieza más del coherente universo Colour Haze.
Quizás en ambos casos tengan parte de razón. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtV6xil1gvxS31Q5MxTi5sIK182xSgJht3yS_Chg4cX7CV2enc3AHbRRjOuOqBuLT0CNnziVsmwo5n4jHvB8NvzO8XDR9meqEH9J9D9DmddACv6hhMqvGRomRlSUlke4jt6MXNxnnuONI/s1600/Colourhaze_all.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtV6xil1gvxS31Q5MxTi5sIK182xSgJht3yS_Chg4cX7CV2enc3AHbRRjOuOqBuLT0CNnziVsmwo5n4jHvB8NvzO8XDR9meqEH9J9D9DmddACv6hhMqvGRomRlSUlke4jt6MXNxnnuONI/s320/Colourhaze_all.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"> </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Se
abre el disco con “Silent” un tema que va ascendiendo en intensidad y
donde ante todo destaca el impresionante trabajo de Manfred Merwald a la
batería y Philip Rasthofer al bajo. Stefan se desliza sobre esta base
rítmica sin despegarse y articulando su guitarra sin hacer solos ni
dejando ver demasiado protagonismo por el momento. El segundo tema
“Moon” tiene más cambios de ritmo y potencia, la guitarra ya suena más
libre. “Turns” es un tema suave y melódico que empieza de forma acústica
y pronto suena sobre todo un fondo de sonidos reproducidos al revés.
“Ligths” es uno de los platos fuertes del disco, uno de esos temas
instrumentales made in Colour Haze que ponen los pelos de punta. </span> </div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> A
la siempre efectiva base rítmica se suma aquí el órgano de Christian
Hawallek y Stefan se desata en una guitarra tocada con elegancia. Todo
esto en funcionamiento me recuerda un poco a unos Allman Bhothers Band
en plena jam. “If” es un corte mucho más breve y potente, quizás para
que no olvidemos de donde vienen las raices del grupo. “Stars” se inicia
con el siempre sugestivo sonido del sitar, en un tema esencialmente
acústico y melódico. “All” es el corte más largo del disco,
prácticamente de un cuarto de hora, donde la guitarra se va abriendo
suavemente camino en solitario durante los primeros minutos hasta que
suena el resto hacia la mitad del tema, donde la cosa sube
repentinamente, aunque sin perder un lirismo extremo, entonces entra un
largo solo de guitarra dividido en varias partes que hará las delicias
de más de uno. Al final regresa el órgano dando un toque atmósferico que
cierra el tema de forma perfecta. Aquí enlazamos con “Fall”, que es
también un corte muy laberíntico, con muchos cambios de ritmo, numerosos
solos de guitarra e incluso unos acertados coros femeninos aquí y allá.
“One” permanece en esa misma linea, con mucha fuerza y guitarreo sin
descanso, además, en su final nos encontramos de nuevo con el sitar.
Cierra el disco “Remains”, que es un suave instrumetal acústico. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Como
curiosidad hay que señalar que todos títulos de las canciones juntas
forman una frase: Silent Moon Turns Lights if Stars All Fall One
Remains. En suma, un buen disco de unos Colour Haze que se reafirman en
su línea ya conocida, aunque quizás algo más suaves que otros discos y
con menos psicodélia. Es verdad que no alcanza las cotas del Sounds De
Krauts o homónimo del 2004, pero aun así es un discazo muy recomendable
para todos los amantes del progresivo guitarrero y la psicodelia.
Veremos por donde tiran ahora, pero por lo pronto siguen contando con
nuestro apoyo al cien por cien.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-size: x-small;">Este artículo puede ser reproducido sin ánimo de lucro y siempre citando autor y fuente. </span></span></div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-17797457328015113222012-06-19T07:02:00.002-07:002013-03-05T14:54:37.631-08:00Electric Riders<div style="color: black; text-align: right;">
<span style="font-size: small;"><i><b><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Un artículo de Antonio Ramírez</span></b></i></span></div>
<div style="color: black; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /></span>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQQgiD_wnbTd_eVeCs2ogMeR_YtFwGo0ObO5L1CBuwmx7BMQtNEJw8l1BDPvmKmQo86HHJTziQY2qLSGA8iGDJOGI8eDkCF_cU54DZ7bju1AFiIRTGHB48RzDquRWeYuy_aJpIDCVIAsI/s1600/1.jpg" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQQgiD_wnbTd_eVeCs2ogMeR_YtFwGo0ObO5L1CBuwmx7BMQtNEJw8l1BDPvmKmQo86HHJTziQY2qLSGA8iGDJOGI8eDkCF_cU54DZ7bju1AFiIRTGHB48RzDquRWeYuy_aJpIDCVIAsI/s1600/1.jpg" /></a></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Electric Riders pertenecen a esa generación de grupos españoles que protagonizó el renacer de la psicodelia al acabar la década de los 90 (antes hubo un breve “conato” con grupos como Blue Bus, Soul Bisontes, Kozmic Muffin, etc.) y junto a otros como Mermaid, Fuzz machine, Viaje a 800 o Fooz abrieron el camino para muchas de las bandas que han ido surgiendo después. Aun así, el rock psicodélico ha sido un género poco fértil en España en comparación con otros géneros musicales y aun dentro de esa escasez pocos grupos se han atrevido a pisar el terreno por el que ha ido evolucionando el sonido de los Electric Riders, con esa mezcla de psicodelia luminosa y melódica heredera de la costa-oeste americana en los 60 y un hard rock muy de los 70. Ellos, con tres discos editados son ya una auténtica banda de culto para muchos de los amantes del rock psicodélico, y poco a poco se han ido haciendo un hueco a un nivel internacional hasta el punto de llamar la atención del sello alemán Nasoni Records. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La banda se formó en Pamplona a finales del verano de 1999 y la integraban Iñaki Anoz al bajo, Angel Aietxu a la batería y el que ha sido la columna vertebral de Electric Riders durante todo este tiempo: Adolfo Alcocer a la guitarra/voz. Durante esta primera etapa se denominarían como Ghostriders, aunque se cambiaron pronto a Electric Riders cuando supieron que había un grupo extranjero que se llamaba de la misma manera. En cuestión de gustos musicales había bastante unanimidad en la linea a seguir, pues todos sus integrantes se interesaban desde un primer momento por sonidos más o menos similares: psicodelia, progresivo y hard rock de los 70. Aprovechando los ensayos (en los que al parecer se fumaban cantidades industriales de porros) se hacen unas primeras grabaciones, pero no será hasta febrero y marzo del 2000 cuando se graba una primera maqueta con 6 temas que les ayudará a encontrar sus primeros bolos. Estos primeros conciertos, todos por Navarra, son definidos por el uso de mucha distorsión en temas muy largos que no se sabían muy bien cuando iban a acabar. También echaban mano de parafernalia psicodélica, como los juegos de luces y efectos con sonidos pregrabados, con un resultado que el mismo Adolfo definiría después como “curioso y desastroso a la vez”.</span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Después de un año Iñaki deja la banda y entra Javier Sarrias, normalmente llamado Sarri, un colega suyo proveniente de otro grupo que se había separado, para ocupar su puesto al bajo. Este cambio renueva las energías del grupo y rápidamente preparan nuevos temas, esta vez mucho más consistentes que los del comienzo. Así, con muy pocos medios materiales (dinero), pero con la ilusión de tener entre manos lo que consideraban un buen material, se meten en junio de 2001 en un estudio de Pamplona y graban lo que sería su primer disco, usando un fin de semana para registrar todos los temas y poco más de una jornada para mezclarlos. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El trío cuenta para la grabación con algunas colaboraciones en varios de los temas. Terminado el verano editan en CD el disco que se llamaría “Get Your Experience” a través de un sello creado por ellos mismos: El Nagual (término extraído de “Las enseñanzas de Don Juan” de Carlos Castaneda). Get Your Experience es un disco grabado con poco medios, lo que se nota en cierta crudeza en su sonido que tiene mucho que ver con las prisas y la inevitable falta de detallismo en este tipo de grabaciones a contra-reloj. Pero pese a eso cuenta con una magia innegable, muy eléctrico y más progresivo que psicodélico es un disco bastante oscuro y de atmósferas muy inquietantes. Adolfo no tiene una gran voz, es evidente al escuchar este disco, pero la austeridad de sus melodías vocales hace un interesante contrapunto con el resto de los instrumentos y el resultado es un rock que igual tiene los pies en el suelo que de pronto puede dispararse hacia el espacio, y así ocurre con muchos de los temas. La presentación del disco si deja mucho que desear, sobretodo porqué la portada que escogieron para este primer trabajo es francamente horrorosa... ¡mejor hubiera sido usar el colorista diseño del interior del libreto!.</span></span><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjskViQkBiqYYDP3gD1NiQewU00v_exVWvfN8iugn7Q6HXSCfuowA_-KTIT4LiZSWD19_5u47a1uc6_Xz_th9S9HqpXIxeEruzfmERWECmwwq68WXFRvdSRzymmhZ6Zd1NGLXEf-skfH8/s1600/2.JPG" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjskViQkBiqYYDP3gD1NiQewU00v_exVWvfN8iugn7Q6HXSCfuowA_-KTIT4LiZSWD19_5u47a1uc6_Xz_th9S9HqpXIxeEruzfmERWECmwwq68WXFRvdSRzymmhZ6Zd1NGLXEf-skfH8/s1600/2.JPG" /></a></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Respecto a la música (que al final es lo que más importa), se abre Get Your Experience con el estupendo “Graceland”, un tema con un marcado juego de bajo/batería y una guitarra muy sucia por el fondo. En su centro hay una repentina entrada de un sintetizador de un sonido muy radiactivo. En el segundo corte, “All Dead”, la guitarra tiene mucha más importancia, con varios espléndidos solos repartidos a lo largo de todos su minutos. También me gustaría destacar la linea de bajo. Es un tema muy bueno, para mi gusto uno de los mejores del disco. “Olimpos Temple”, es una composición a medio tiempo donde la guitarra suena muy distorsionada y diría que efervescente, con muy buenos detalles como un solo de bajo en su centro y un breve un final con sitar y percusiones orientales. “El Nagual” es un impresionate instrumental con muchos cambios de ritmo (gran trabajo del batería) y una cruda guitarra que me recuerda al Neil Young más ácido y agresivo. A continuación “Ocean Velvet”, otro corte instrumental que suena algo más contemporáneo (pienso en Screaming Trees o los primeros discos de QOTSA por ejemplo), donde Adolfo da una lección de todos los diferentes sonidos que pueden sacarse de una guitarra. El resultado es un corte muy evocador que transmite muchas sensaciones diferentes. “L.S.D.” es nuevamente un tema instrumental, pero esta vez mucho más duro y agresivo que los anteriores, con una batería muy contundente y un fabuloso riff de guitarra, también una linea de bajo bien trabajada sobre la que un órgano empieza a crear figuras. Es otro de los platos fuertes del disco. “Stone Wall” es también bastante contundente, con un base rítmica muy machacona. Al final suena nuevamente un sintetizador creando interesantes atmósferas. “Last Afternoon” es algo más melódica, contando con coros, entradas de flauta, sonidos al revés y una suave y espléndida guitarra wah-wah. El final es acústico y enlaza con “Adromeda” un breve instrumental también acústico y un toque de teclado en plan cacofónico. “Stainless Dream” es el corte que cierra el CD y el más largo, es casi en su totalidad un instrumental con aires de raga que va desarrolládose poco a poco, subiendo de intensidad eléctrica hasta que al final entra la voz de Adolfo con una muy aceptable melodía vocal. En suma, es un disco francamente bueno pese a sus carencias en cuanto a producción, lógicas por la escasez de medios. Por lo demás no es un disco nada comercial, con muchos instrumentales, no hay melodías pegadizas aunque si muy efectivas y su fuerte es la explotación de un sonido muy eléctrico y primario en combinación con cierta experimentación en los ritmos. Adolfo es un guitarra muy original y su sonido no es el típico que se podría esperar dentro del estilo, de hecho está muy alejado de los riffs pastosos típicos del stoner y su guitarra suena mucho más abierta y dinámica. Por lo tanto este disco no los coloca directamente en la emergente escena stoner, sino que marca el inicio de una trayectoria en constante evolución dentro del rock psicodélico y progresivo como referencias permanentes, tal y como demuestran sus posteriores discos.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> A partir de octubre de 2001 inician una gira (contando con la colaboración de un teclista, Felix) para ir presentando el disco y así venderlo como podían, sobretodo en los numeros conciertos que dieron con grupos como Sex Museum (Fernando Pardo los citaría en entrevistas de aquella época como uno de sus grupos españoles favoritos), Mermaid, Fooz, Blackberry Clouds, etc. además trabajan con una distribuidora de Bilbao (sobretodo especializada en grupos punk) para mover un poco el disco. En todo caso la difusión fue bastante precaria y sobretodo lenta, con lo que pocos medios, ni siquiera los locales, se harán eco de este primer disco de Electric Riders (que ahora ya es difícil de encontrar, por cierto). Pese a ello la banda no para de ofrecer conciertos durante un año y medio, ganándose poco a poco el respeto en los ambientes underground, especialmente del norte de España.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En septiembre de 2002 participan en el 5º Magic Festival de Torredembarra (Tarragona) junto a otras 20 formaciones, como por ejemplo los madrileños Fuzz Machine. Tras esta gira Adolfo decide que su voz no es la más apta para el grupo y se buscan un vocalista para el poder limitarse a tocar su guitarra (y haciendo de ocasional voz de apoyo). Para ello piden a David “Dowie” Goñi, al que conocían por su participación en otras formaciones de la zona, que se integre en la banda, el cual acepta. También entra una nueva teclista, Bea Hurtado, que empezará a tocar de forma fija en los conciertos de esta etapa. Con esta nueva formación siguen tocando mientras van preparando nuevos temas, pero no será hasta 2003 que entren a registrarlos, para ello se van a un estudio de Galicia. Allí tienen algunos problemas, pero pese a ello ellos están muy contentos con los temas y graban al margen de cualquier tipo de contratiempo.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La entrada de los nuevos miembros hace que el sonido de Electric Riders evolucione hacia una dirección más melódica y matizada. David aporta un cierto sentimiento pop a las melodías vocales y quizás por eso el nuevo material es más tendente a la psicodelia de los 60, especialmente la que se hizo en la costa-oeste de Estados Unidos, con ritmos fuertes y muy eléctricos, pero con un cuidado especial en las melodías y las voces. También el órgano da una dimensión mucho más profunda a la música del grupo. Por todo ello el sonido se vuelve mucho más preciosista y sembrado de unos detalles que merecen muchas escuchas para ser apreciados del todo. Así pues, la banda edita su segundo disco, que se llama Messengers, otra vez envuelto en una portada bastante “arriesgada” (en este caso un dibujo muy naiff y extraño) y nuevamente a través de su propio sello El Nagual.</span></span><br />
<br />
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<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixi3jlNJ-2BhSo4gM5TEOuIJ8WfUwFw4DNZ8D3sU08rFmGiizxlnmN_nUnHrdEKCInCG4IGQCfOvx3QTVKU4F4SG0yaHvrb5q3oI0bUnvKK83nDo66bgpQMC-GJFTTCg4A0Fr8Y9XB6yQ/s1600/3.JPG" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixi3jlNJ-2BhSo4gM5TEOuIJ8WfUwFw4DNZ8D3sU08rFmGiizxlnmN_nUnHrdEKCInCG4IGQCfOvx3QTVKU4F4SG0yaHvrb5q3oI0bUnvKK83nDo66bgpQMC-GJFTTCg4A0Fr8Y9XB6yQ/s1600/3.JPG" /></a></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Este disco tiene bastante más incidencia que el anterior y obtiene excelentes críticas en aquellos medios que se toman la molestia de tomarlos en serio. Por desgracia esto no significa gran cosa en realidad (por ejemplo para encontrar discográfica y un respeto a un nivel fuera del underground), aunque para el grupo supone mucho en cuanto a darse ánimos para seguir en la brecha. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Messenger se abre con “Two pieces broken mirror”, buen ejemplo de por donde ha ido los tiros para la banda, con una fuerte presencia de órgano, un juego bajo/batería mucho menos rudo que antes y la guitarra de Adolfo cediendo a la voz parte de su protagonismo. Sigue con “Nevolution” un tema casi instrumental con una interesante combinación de órgano y guitarra. “Bad your Body” se inicia con una atmósfera muy a lo Pink Floyd, con un órgano muy atmósferico y unos sutiles punteos de guitarra. David demuestra que es un cantante seguro y con muchas posibilidades, en este es caso es apoyado por unos coros. “Fall in the fall” es un tema con un estupendo trabajo de David en las melodías vocales. Tambien el batería hace una buena exhibición y Adolfo de marca un gran solo. Muy en esa linea es el siguente corte: “The Great Bonfire”.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> “Sign on the roof” es un corte mucho más acústico y en cierta manera me recuerda a esos temas tan melancólicos de los primeros Smashing Pumpkins, con una guitarra eléctrica muy sutil y evocadora. “Metamorphosis” es un gran corte con aires de rock sureño que se inicia con un excelente juego bajo/batería, pero donde pronto entra la guitarra de Adolfo para darnos un buen recital. El órgano y la voz se combinan a la perfección con las figuras que él va creando. “Song for a Awakening” es mucho más sixtie, por momentos me recuerda nuevamente a Pink Floyd y otros a cosas como Spirit.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En “Floten Beauty” el órgano tiene otra vez mucho protagonismo, especialmente en la breve jam que suena al final del tema, donde también hay que destacar el buen trabajo del batería. Tras un breve intervalo silencioso de 20 segundos llega “Outburts!” el único instrumental del disco, esta vez con aires muy a lo Doors. Cierra el disco con “S.F. Sorrow is Born”, una estupenda e intensa versión de un tema de los Pretty Things, con un afilado órgano como principal protaganista y el resto de la banda siguiéndole muy de cerca. Es, en suma, un buen disco, aunque mucho menos potente que el anterior pues la guitarra eléctrica interviene menos, no hay solos demasiado largos y la distorsión es mucho más suave, algo que se reafirma por una producción bastante más refinada y detallista, nada que ver con la crudeza del primer disco.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En mi opinión es un disco que hubiera agradecido algún exceso guitarrero aquí y allá, o algun tema largo donde los intrumentos se hubiena lucido más. Aun así, como decimos, es un buen disco de rock psicodelico tirando a suave, de grandes melodías y atmósferas muy sugerentes. Tras editar el disco siguen tocando y en 2004 se presentan al certamen Villa de Bilbao, donde quedan como finalistas, lo cual les vale para telonear a Arthur Lee en el mítico concierto que ofreció en Bergara el 24 de marzo de ese año, un hecho que marca uno de los momentos cumbre de la Electric Riders. Sin embargo hay deserciones y el grupo se queda sin batería, teclados y bajo. Esto provoca un tiempo de parón forzoso hasta que entran Jaime Zuasti al bajo y Carlos Lanas a la batería.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras un cierto tiempo de incertidumbre comienzan a ofrecer conciertos y entre otros eventos participan en Sevilla en nuestro primer Festival de Mentes de ácido, celebrado en diciembre de 2005 junto a otros grupos como Green Manalishi (donde está tocando actualmente Sarri), Zoom, Rip KC y Mater Dronic. En ese festival cosechan un gran éxito y sorprenden por su gran fuerza en el escenario. Es un hecho que la entrada de Jaime (que se suma al nucleo compositivo del grupo) y Carlos aporta aires nuevos a Electric Riders y como consecuencia se produce una tercera regeneración en el estilo del grupo. Las guitarras se endurecen y los ritmos se aceleran de forma sensible. Ahora la referencia más clara del grupo es el hard rock de los 60/70, pero también el rock ácido más guitarrero e incluso la movida grunge de los 90.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Con este nuevo ímpetu van preparando nuevos temas mientras no dejan de tocar por toda la geografía del estado. Para grabar el disco usan los servicios de una casa okupa en Tolosa que dispone de un estudio, allí graban el disco casi totalmente en directo, salvo algunas guitarras y las voces. Cuentan para ello con Karlos Osinaga (responsable de gran cantidad de grabaciones de grupos de la zona) y la colaboración de Txiki de los Soulbreaker Company, Iñigo Cabezafuego (Ex-Mermaid y ahora en Royal Canal) que también estuvo por allí haciendo de las suyas, J. C. Sisto (Mater Dronic) y la antigua teclista del grupo, Bea. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Comienzan a mover el resultado de estas grabaciones entre varias discográficas hasta que la alemana Nasoni Records (que ha editado a grupos como La Ira de Dios, Johnson Noise, Liquid Visions, etc) se muestra interesada en sacarles el disco en CD y una edición limitada en vinilo para coleccionistas. Esto supone, por fin, dejar la auto-edición y contar con el respaldo de una discográfica. Pero eso no significa en la práctica gran cosa, al menos en la cuestión de promoción y conciertos, o al menos así ocurre con Nasoni, bastante desentendida con esas labores para los grupos que edita. No obstante es un hecho muy positivo ser editados por una discográfica tan referente para los amantes de la psicodeñia y eso los coloca en el centro del punto de mira a un nivel internacional.</span></span><br />
<br />
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<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8iAPIy5X3lS4MeSlXNVIXiGBdgByc_mQQDryqvqBt2B4C5lY_bmtSDSOIALcJF5bcc0ekG5TODRdjNWwUO_vimUwpG6NvNv1ENr5uTIuO46aGIz-elp5fNbNBL7GlHoofvnJZSSMiw70/s1600/4.JPG" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8iAPIy5X3lS4MeSlXNVIXiGBdgByc_mQQDryqvqBt2B4C5lY_bmtSDSOIALcJF5bcc0ekG5TODRdjNWwUO_vimUwpG6NvNv1ENr5uTIuO46aGIz-elp5fNbNBL7GlHoofvnJZSSMiw70/s1600/4.JPG" /></a></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El disco, que se llama “Music for a family gathering”, ofrece una estupenda combinación de hard rock y rock ácido, con un sonido brillante, con temas bien ejecutados y originales, y quisiera destacar el tono alegre que los Electric Riders han logrado dotar a su sonido, algo que es dificil de encontrar en estos momentos. El resultado es un disco que puede recordar a los Screaming Trees más caleidoscópicos, los sesenteros Spirit o a los míticos Demian, grupo al que riden varios homenajes en este disco. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Comienza con “Needles”, donde destaca rapidamente la voz de Dowie y un estupendo bajo que lleva todo el peso del tema. En el centro un solo de guitarra muy bueno que se combina con la siempre excepcional línea de bajo y unos acertados toques de órgano del teclista de los Soulbreaker Company. Le sigue “Frank and Me”, un corte más rápido y galopante, con acústica, gran trabajo de batería y una buena linea de voz (incluido coros). En el centro cambios de ritmo, toques de sintetizador y otra vez la gran guitarra eléctrica de Adolfo. “Death of a Omega Man”, tema donde destacaría el bajo de Jaime, como siempre fenomenal, que en el centro se luce en una sección muy trabajada (acompañado por una batería eficaz). Continuamos con “Skating over crystal dome”, tema que empieza de forma muy similar a uno de los míticos Demian, por lo demás es un corte marchoso aderezado con muy buenos coros, una parte central repleta de cambios de ritmo (otra vez con un bajo muy bueno) y toques de órgano. Tiene un final guitarrero magistral. “13th Roses” es un corte más progresivo, de ritmo más lento y algo cercano al Jazz. También lento, aunque con una parte al final más intensa, el corte llamado “FAQ”, donde la guitarra se combina con el bajo a la perfección. “Scarecrow and Loaded Gun” es uno de los himnos del disco, muy rápido, donde Dowie canta a las mil maravillas y donde todo el grupo se luce, especialmente Adolfo con su guitarra. “Paper Spermatozoids” es otro corte con el espíritu de Demian, con un buen riff y una batería ejecutada diestramente, poco después del centro encontramos un fenomenal solo de guitarra. “Feedind a dog with an empty disch” es un corte con gran carga de guitarra ácida donde Adolfo hace un trabajo fenomenal, este es de los mejores. “The strange world of Wanda Potts” es el tema más experimental y progresivo del disco, con cambios cortantes de ritmo y toques de vientos. Después se convierte en un tema suave para acabar como en el comienzo. “Cellophane girl” es un tema que suena ultra-americano, como si viniera de las praderas de Utah o algo así. Para acabar, “Coming”, versión de un tema de Demian (grupo que fuera la segunda parte de los mágicos Bubble Puppy), tocada a la perfección y donde debemos destacar la impresionante combinación de las guitarras de Adolfo y JC Sisto (Fuzz Machine, Mater Dronic), toda una orgía eléctrica. Un cierre de disco que resulta un placer. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras sacar el disco hacen una gira para presentarlo y su incidencia en los medios es mayor y aun más positiva que con los dos anteriores, contando incluso con un artículo en la revista Ruta 66. Un servidor pudo verles un par de conciertos en Algeciras en dos días consecutivos, uno con sus temas y otro exclusivamente de versiones con temas de Monster Magnet o The Stooges por ejemplo. Fue algo fenomenal. Todo parece ir como la seda, pero Carlos tiene que dejar el grupo. Esto es un nuevo varapalo y deben buscarle un substituto adecuado, el cual será Ander Zabalza, batería en Royal Canal (grupo donde había entrado a colaborar Adolfo) y también en Galactus, banda paralela donde también participa Dowie. Con esta formación tocan nuevamente en el festival Mentes de ácido, concretamente en la fiesta de presentación de la segunda edición. Ander apenas se sabía todavía los temas (había tenido muy poco tiempo para preparárselos), pero aun así dan un conciertazo que nos deja con la boca abierta. También tocan en el Grande Rock festival junto a otros grupos como Viaje a 800 o Rip KC. Tras esto intentaron tocar lo máximo posible y hacen una gira muy agotadora, incluyendo incluso algunas actuaciones en el extranjero. Esta gira es bastante eccidentada y entre otros imprevistos deben parar un tiempo por una lesión del bajista en un brazo. Cuando se recupera vuelven a la carga y entre otros eventos participan en el SpaceLopera Rock de Algeciras donde se les nota mucho el cansancio. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Comienzan a idear un nuevo disco pero su gestación se prolongó más en el tiempo de lo que el grupo esperaba. A comienzos de su grabación, David, el que fuera vocalista de la banda desde 2003, abandona la banda provocando un largo parón y muchas dudas sobre la continuidad del proyecto. No obstante, el resto del grupo tiene grandes ilusiones y afortunadamente para sus fans decide seguir adelante, para ello reclaman la ayuda de Txus, cantante ya participante en otras bandas de la vecina Vitoria (ER son de Pamplona) como Dixon II o Arenna, para que ponga voz a las canciones del grupo y finalmente termina por integrarse como miembro para sus actuaciones. Así pues, la grabación del disco se extendió desde junio de 2009 hasta enero de este 2010, se lo tomaron con bastante tranquilidad y es algo que se nota totalmente cuando se escucha el disco, extremadamente cuidado. El registro del disco, llamado The Trial, tuvo lugar en el estudio Primera Base de Madrid, contando con el trabajo técnico de Jose Lopez, que también ha producido el disco junto a la banda. Como en otros discos en los que ha participado (Soulbreakers Company, Mystic Frequency Worm, etc), Lopez ha conseguido un sonido impecable para este nuevo disco de los Riders, con una textura más limpia y refinada que en trabajos anteriores de los ER. </span></span><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVQh80W7bmQruujcjTp17H6_TnF9RaWZ2fBFT-Em8YKmsI0ooC6IidrIZYhsiWjsIbsUkYDSfr5_MjlumtD59wdBR7XAdCmDOLxbcjcOxQL8utsI6nIQh3PletCZ9y5xM74D8E0Kp8Trs/s1600/trial.jpg" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVQh80W7bmQruujcjTp17H6_TnF9RaWZ2fBFT-Em8YKmsI0ooC6IidrIZYhsiWjsIbsUkYDSfr5_MjlumtD59wdBR7XAdCmDOLxbcjcOxQL8utsI6nIQh3PletCZ9y5xM74D8E0Kp8Trs/s320/trial.jpg" /></a></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Respecto a este refinamiento del sonido opino que vino muy bien al cambio de estilo de la banda. Porque la entrada de Txus ha supuesto un cierto viraje musical, y es algo muy lógico dada la importancia de un vocalista a la hora de definir el sonido global de una grabación. Aunque sin abandonar las bases de un rock con tendencias psicodélicas o progresivas, Electric Riders han variado algo sus referencias y sobretodo su actitud musical y les ha salido un disco que yo definiría como crepuscular, pues desde el rock bastante alegre e incluso en ocasiones festivo de sus dos anteriores discos han regresado ahora al espíritu de los comienzos del grupo, a aquel Get Your Experience del 2001, con un estilo bastante más oscuro y enrevesado, más imprevisible y que exige del oyente mucha más atención. Es, desde luego, un disco muy eléctrico y guitarrero, pero ya no se basa tanto en los temas repletos de melodías pegadizas y directas, aquí nos encontramos con un desarrollo de los temas mucho más dramático (y yo diría que incluso teatral) y los temas se entrelazan los unos con los otros formando un conjunto, algo que no es casual pues se trata de un disco conceptual en lo temático: la triste historia de John Merrick, el llamado Hombre Elefante que hiciera célebre David Lynch con su excelente pelicula. Algunos de los temas son practicamente instrumentales, con largas secciones eléctricas, breves interludios acústicos y finalmente la voz de Txus, ejemplo de ello es “Cut this crap with your knive”, un auténtico temazo. Txus, hasta el momento, había participado en bandas relacionadas con el sonido stoner, su estilo en otras grabaciones era logicamente en esa onda tan concreta, pero para este disco ha roto con esa linea y ha aportado un registro diferente, pienso que mucho más interesante y rico, quizás debido a que Electric Riders no es un grupo facilmente catalogable y trasciende etiquetas, por tanto ofrece a sus miembros más libertad a la hora de explorar sus posibilidades o sus ideas.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Respecto al resto de la banda, se presenta a un nivel excelente. Evidentemente su guitarra destaca por un trabajo impresionante a lo largo de todo el disco. Adolfo es un consumado músico que poco a poco ha modelado su estilo y sabe dosificar y mantener un equilibrio entre la sutileza o los deparrames de pura electricidad. Pero la base rítmica, en un constante mano a mano entre Jaime a las cuatro cuerdas y Ander en la batería, es algo fenomenal, crucial para haber conseguido la alta calidad del disco. También destacar el uso de los coros de Jaime y Adolfo en contrapunto de la voz de Txus, algo que puede ser anecdótico para otro grupo en ER se ha convertido en una constante, muchos de sus temas cuentan con un trasfondo coral que queda muy bien, como en “Foreword to abyss”, el corte que abre el CD, aunque ocurre en casi todos los temas. Igualmente hay que recordar que han habido varias colaboraciones de músicos con instrumentos de vientos u otros. En suma, The Trial es un disco altamente recomendable, con temas que en mi opinión quedan regitrados en la mente para siempre como la muy acústica “Galows pole” o la impresionante “Don't lie to the raper”, con unos riffs de antología y un diálogo de guitarra y harmónica (grabada por Roberto Lopez) que corta la respiración. En fin, el nivel global de los temas es excelente. Una vez más Electric Riders se salen por la tangente y continuan por un camino absolutamente personal y escasamente transitado en este país, con un pie en el hard rock y otro en lo progresivo, logrando una mezcla perfecta y equilibrada. Sus tres anteriores discos son muy buenos, llevamos mucho tiempo diciéndolo, pero creo que este último es de más alcance, es una obra más arriesgada y exigente para con el oyente, quizás porque es un disco que debe juzgarse en todo su conjunto, si el oyente conecta con su propuesta obtendrá una muy grata recompensa de un disco repleto de matices y recobecos esperando ser descubiertos. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras editar este disco la banda no logra cuajar con esta formación y en estos momentos el grupo ya no está en activo, sus miembros andan en diferentes proyectos más o menos estables. No obstante, los discos de Electric Riders quedan ahí para ser descubiertos y disfrutados por todo aquel interesado en la buena psicodelia y el rock en general. Es lo que hay, una banda más que desaparece (aunque quien sabe si vuelven a juntarse) en un país que maltrata la música rock con desinterés y falta de apoyos. Difícil es aguantar en estas circunstancias.</span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
<div style="color: black; text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Este artículo puede ser reproducido sin ánimo de lucro y siempre citando autor y fuente. </span></span></div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-62414184631937073662012-06-17T12:10:00.003-07:002013-03-05T14:54:13.273-08:00Cactus<br />
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-align: right; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><i><b>Artículo por Jano Delgado </b></i></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-align: right; text-indent: 0.5cm;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-align: right; text-indent: 0.5cm;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBypmawdVM1TUi8JFrhkdV-F79sFLeZYxK68LfQkhZjyBJ7q6HNzwyW1dEeYdCtDqNGJPPhantN7rAdWhzNc9PByCbx4eGzc1yprKz4m_enH5wJCtX-Xk17dIaZHatEscNASExuVKX-_E/s1600/cactus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBypmawdVM1TUi8JFrhkdV-F79sFLeZYxK68LfQkhZjyBJ7q6HNzwyW1dEeYdCtDqNGJPPhantN7rAdWhzNc9PByCbx4eGzc1yprKz4m_enH5wJCtX-Xk17dIaZHatEscNASExuVKX-_E/s1600/cactus.jpg" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-align: right; text-indent: 0.5cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<br />
<span style="font-size: small;">Aunque
no son todo lo conocidos que se debiera, algunos los ven como la
secuela de Vanilla Fudge, algunos como el antecedente de Beck, Bogert
& Appice, algunos como meros continuadores de la esencia del
sonido Cream, lo cierto es que Cactus es una de las más
grandes bandas que ha dado la historia del rock. Cuatro talentos
indiscutibles dieron origen a uno de los supergrupos más
interesantes de su tiempo…</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Cuando
sale a la venta el quinto álbum de la Vanilla Fudge, ‘Rock &
Roll’ (1969, Atco), nada hace presagiar el enorme batacazo
comercial que los Fudge van a recibir. La verdad es que Vanilla Fudge
fue una banda inclasificable, capaz de lo mejor (‘Vanilla Fudge’,
1967) y de lo peor (‘The Beat Goes On’, 1968), complejos y
ambiciosos, tuvieron la mala suerte de ser tachados de pretenciosos
demasiado pronto. El álbum ‘Rock & Roll’ era un disco
que, a priori, parecía que iba a tener buenas ventas: se
acercaba más al hard rock que se estilaba por aquella época,
como Led Zeppelín, Deep Purple o Black Sabbath. Sin embargo,
el disco sería un fracaso absoluto, a pesar de ser un disco
sobresaliente.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Tras
la gira promocional del disco en 1969, la sección rítmica
de la banda, los fundamentales Carmine Appice (batería) y Tim
Bogert (bajo), se da cuenta de que no buscan lo mismo que los otros
dos miembros de los Fudge, el guitarrista Vince Martell y el teclista
Mark Stein. La lucha de egos se había hecho evidente desde la
grabación de ‘Rock & Roll’, y Bogert y Appice tenían
planes al margen de Vanilla Fudge: hacer una superbanda de blues
rock, al estilo de Cream o The Jeff Beck Group. De hecho, Bogert, que
era un apasionado de la música clásica y que, al
parecer, descubrió el R&B muy tarde, estuvo bastante
tiempo obsesionado con el grandioso ‘Beck-Ola’ del Jeff Beck
Group. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Bogert
no tardó en comentar a Appice la idea de separarse de los
Fudge, y fundar juntos un nuevo grupo. Cuenta la leyenda que el
nombre del nuevo grupo lo acordaron durante la gira de despedida de
Vanilla Fudge, tras un concierto en Arizona, donde al volver al hotel
pasaron por un autocine llamado The Cactus Drive-In. Lo que no es
leyenda es el hecho de que ambos se decidieron a dejar Vanilla Fudge
a finales de 1969, aunque aun tardarían unos meses en dejar la
banda definitivamente, con dos ideas claras: la primera que su nuevo
grupo haría blues, y la segunda, que Jeff Beck debía
ser el guitarrista.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Tanto
Bogert como Appice eran unos enamorados del estilo de Beck con la
guitarra, ya desde los tiempos de The Yardbirds, amor que se había
multiplicado desde la fundación del Jeff Beck Group. En
seguida contactaron con él por mediación de un amigo
común, un por aquel entonces desconocido John Bonham. A Jeff
Beck le encantó la idea, pues resultaba que el también
era un fan del estilo rítmico de Bogert y Appice, y además,
le garantizaba algo que para Beck sería determinante, con
Bogert y Appice se alejaría de la psicodelia. Desde los
tiempos de los Yardbirds, Beck había sido una especie de
‘gurú’ de la guitarra psicodélica, algo que ya no
le hacía ninguna gracia ni ninguna ilusión seguir
manteniendo. Beck aceptó unirse al proyecto, y propuso a Rod
Stewart como vocalista. Aunque a Stewart no le gustó nunca la
idea de formar un grupo con músicos americanos, y menos con
unos freaks como Bogert y Appice a los que les gustaba el jazz y la
música clásica, aceptó principalmente por Beck.
Todo parecía listo para hacer historia, pero todo se truncó
muy rápido.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">En
noviembre de 1969 Jeff Beck sufrió un accidente que casi le
cuesta la vida y que le tuvo dos meses alejado de la música.
El accidente fue la excusa perfecta para que Rod Stewart abandonase
el proyecto, y se decidiese a fundar The Faces, junto a Ronnie Wood y
Ronnie Lane. Appice y Bogert, viendo el panorama de quedarse sin
grupo, deciden no esperar a que Beck se recupere, y se deciden a
reclutar un vocalista y un guitarrista de los propios EE. UU. Hoy es
un misterio cómo habría sonado semejante cuarteto pero,
desde luego, como proyecto era fascinante.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">El
guitarrista que ocuparía la plaza de Jeff Beck dentro del
grupo sería Jim McCarty, un auténtico genio de la
guitarra que nunca gozó de la fama que merecía por
haber sido primero guitarrista de los Detroit Wheels de Mitch Ryder,
y luego por haber vendido sus servicios en la ciudad de Detroit
(además de grabar con la Buddy Miles Express, también
participó en la mítica jam session de Hendrix y Jack
Bruce de 1968). El encuentro se produjo a través de Bogert,
que vio a McCarty en un concierto con los Detroit Wheels y luego
hicieron una jam session juntos, y sin duda le había dejado un
buen sabor de boca. Hoy nos resulta raro pensar en Cactus con otro
guitarrista que no fuera McCarty, pues en esta banda demostró
que fue uno de los mejores guitarristas de su tiempo, cambiando el
registro R&B y soul de la banda de Ryder por la dinamita y el
frenesí que desprendía con Cactus.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">La
elección del vocalista sería, aunque más tardía,
más fácil. Bogert y Appice conocían a Rusty Day
de las diversas colaboraciones de éste con Vanilla Fudge, pues
había sido vocalista en algunos conciertos y, además,
su calidad estaba por encima de toda duda después de los
formidables trabajos que había realizado al lado de la banda
de Ted Nugent, los grandísimos Amboy Dukes. A pesar de ello,
algunas fuentes afirman que fue una recomendación de McCarty.
Day había sido despedido por Nugent de la banda por motivos
relacionados con las drogas, de hecho, en los Ambos Dukes ‘se juntó
el hambre con las ganas de comer’, ya que si bien es cierto que Day
tenía un serio problema con las drogas, no es menos cierto que
Nugent era un severo líder de banda y totalmente contrario a
su uso. Aun hoy sorprende cómo los discos del reaccionario
Nugent pueden sonar tan psicodélicos siendo completamente
contrario al uso de drogas.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">La
banda ya estaba formada: Rusty Day a la voz, Jim McCarty a la
guitarra, Tim Bogert al bajo y Carmine Appice a la batería.
Todo parecía perfecto… la banda al completo deseaba formar
un grupo de blues, a los cuatro miembros les interesaba la
improvisación, no parecía haber ningún problema,
pero ya salían a la luz algunos futuros problemas,
principalmente la adicción de Day a las drogas en general y a
los estupefacientes en particular. Bogert y Appice eran una sección
rítmica de ensueño, ambos tenían una técnica
prodigiosa y, a la vez, eran capaces de imprimir a los ritmos una
potencia desbordante. Por su parte, Jim McCarty era el guitarrista
perfecto para el grupo, se había educado y crecido con el R&B
(además de nacer en una ciudad claramente vinculada a la
música, Detroit) y era un asistente fiel a las jam sessions
que se llevaban a cabo en diversos locales de Detroit, o de todo el
país, cuando se encontraba de gira (además de hacer
jams con Hendrix, con el que mantenía una cordial amistad, y
con Jack Bruce, también participó en diversas jams en
la Costa Oeste), lo que hizo que tuviese una gran calidad en las
improvisaciones. Day, por su lado, era el perfecto cantante de blues,
potente o delicado cuando hay que serlo, pero siempre enérgico
y con un toque de buen gusto que le hacía inimitable.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Y
a partir de ahí, el trabajo de Cactus fue una locura. Actuaron
en pequeños garitos durante la que sería última
gira de Vanilla Fudge, de modo de Appice y Bogert tocaban con los
Fudge y cuando terminaban, se iban a pequeños clubs para tocar
con Cactus. Esto era, como decíamos, una locura, y no duro
mucho: a mediados de mayo de 1970 Bogert y Appice se separan
definitivamente de Vanilla Fudge para dedicarse por completo a
Cactus. Aunque parece que estaban dedicados a Cactus más de lo
que podría parecer, pues en marzo de ese mismo año ya
se habían metido en el estudio junto a McCarty y Day para
registrar lo que sería su primer álbum, ‘Cactus’
(1970, Atco).</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"> <b>
</b></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<b><span style="font-size: small;">‘</span><span style="font-size: small;">CACTUS’
(1970)</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilQhMdoW3D8gEaOXKqJ0l3HByjomZEshdXA78ZC-wDijX-YSxUU7-NaWx7VKnqbICBSYP_LOpyBHtkfOtkInlEyAuIwUA7NKXTC5dXvc4MX9nr2ZdPARi6tkL4647Lry658r-eOx7kkUQ/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilQhMdoW3D8gEaOXKqJ0l3HByjomZEshdXA78ZC-wDijX-YSxUU7-NaWx7VKnqbICBSYP_LOpyBHtkfOtkInlEyAuIwUA7NKXTC5dXvc4MX9nr2ZdPARi6tkL4647Lry658r-eOx7kkUQ/s1600/1.jpg" /></a></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">El
debut de Cactus en estudio no pudo ser más afortunado y, a
pesar de que fue producido por la propia banda, hoy se mantiene como
uno de los mejores discos de blues rock jamás grabados. En su
momento se dijo que era un disco de ‘blues progresivo’, algo así
como hermanado con lo que, por la misma época, estaban
haciendo Johnny Winter en EE. UU. o Savoy Brown en Inglaterra. Lejos
de entrar en una disputa sobre las etiquetas, el homónimo de
Cactus es uno de los mejores discos de la historia del rock: hard
blues intenso y boogie rock son las características de esta
joya que, sin embargo, también tuvo problemas en su
lanzamiento: Atlantic (marca dueña de la firma Atco) censuró
y retiró la portada original, similar a la que apareció
pero que representaba a un cactus más sencillo, uno grande con
dos pequeños a los lados… como la imagen se asemejaba a un
pene fue retirada de inmediato.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Posiblemente,
el disco de blues más potente grabado hasta su fecha, con una
base rítmica demoledora (Bogert toca el bajo como si de una
guitarra se tratase, mientras Appice golpea frenético la
batería), un trabajo deslumbrante de McCarty (sus riffs son
tan antológicos como sus solos) y un Rusty Day que derrocha
potencia en los temas más poderosos y delicadeza cuando los
temas lo requieren, además de realizar un trabajo
completísimo, y también maníaco, con la
harmónica. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">No
hay más agresiva de comenzar un disco que con una versión
ultra-acelerada del clásico ‘Parchman Farm’ un frenético
boogie con un Bogert y un Appice grandiosos, sobre los que destacan
los riffs de guitarra y harmónica. Una de las mejores
versiones, si no la mejor, jamás grabadas de este clásico
del blues. Más relajada es ‘My Lady From South Of Detroit’,
una balada pseudo-acústica con protagonismo absoluto de Day y
un reposado solo de McCarty. ‘Brother Bill’ es más
interesante, un country-blues a la vieja usanza con buena harmónica
y mejor guitarra, pero a la que le sigue uno de los mejores temas del
disco, la revisión del clásico ‘You Can't Judge A
Book By The Cover’, de Dixon, un derroche de clase y potencia con
buenos cambios de ritmo y unos solos magistrales. ‘Let Me Swim’
es un rock and roll como mandan los cánones, y ‘No Need To
Worry’ es un blues lento absolutamente prodigioso que sería
uno de los momentos álgidos de sus directos, con versiones
larguísimas dirigidas por la guitarra de McCarty. ‘Oleo’
es un blues rock marca de la casa, todo un himno de Cactus, con un
Day bestial y los enormes guitarrazos de McCarty, y con solos de
Bogert y McCarty para enmarcar… así hasta la tremenda ‘Feel
So Good’, magnífica, y con un solo de
Appice...Imprescindible.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Después
de los numerosos conciertos en pequeños garitos cuando Bogert
y Appice aun pertenecían a Vanilla Fudge, quien les iba a
decir a los cuatro músicos que su debut oficial iba a ser en
un enorme estadio y que, además, lo iban a llenar… el lugar
sería Philadelphia, y se congregaron allí más de
200.000 jóvenes para disfrutar de un concierto de Grateful
Dead, The Steve Miller Band, Jimi Hendrix y Cactus (menudo cartel)…
</span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">En
mayo de 1970, ‘Cactus’, el debut homónimo sale a la luz y
sus ventas son ínfimas. De hecho tan sólo llegó
a un triste puesto 54 de las listas americanas… las ventas escasas
destinaban al grupo casi irremediablemente a ‘banda de culto’,
algo que el aun menor éxito de los discos posteriores iba a
afianzar. Resulta increíble que en un tiempo en el que el
mercado de rock está dominado por el hard rock, el blues rock
y el recién nacido rock progresivo, este álbum no
barriera en las listas… pero la historia del rock está llena
de estas situaciones tan contradictorias.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Cactus
no se da por vencido, y a comienzos del siguiente año se edita
su segundo Lp, ‘One Way… Or Another’, y también editado
por Atco.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<b><span style="font-size: small;">‘</span><span style="font-size: small;">ONE
WAY… OR ANOTHER’ (1971)</span></b></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDLpMdK46lHJPxNxtnyU5agfuxnNx0cXbAVgyggv_1vwQIK7QNksPXqdoHjolELGBHXdkEqmm6mBZ5IY3N_smyF2Cnnmgon62Jf86cVkKevGTh5L-LdzRk_jQpkkguoCiK76SazU1eTgs/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDLpMdK46lHJPxNxtnyU5agfuxnNx0cXbAVgyggv_1vwQIK7QNksPXqdoHjolELGBHXdkEqmm6mBZ5IY3N_smyF2Cnnmgon62Jf86cVkKevGTh5L-LdzRk_jQpkkguoCiK76SazU1eTgs/s1600/2.jpg" /></a></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Con
el álbum debut, Cactus había puesto el listón
muy alto, pero el cuarteto no sólo salió airoso de las
comparaciones, sino que en mi opinión se trata de una obra más
madura y perfecta, una obra de arte que aguanta comparaciones no sólo
con el LP homónimo del grupo, sino también con otros
grandes clásicos de su tiempo (léase ‘Led Zeppelín
II’, ‘Led zeppelín III’, ‘Deep Purple In Rock’,
‘Captain Beyond’, ‘Climbing!’ o ‘Johnny Winter And’, por
poner algunos ejemplos).</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">La
banda suena, si cabe, más compacta, de forma que funciona como
un perfecto mecanismo de relojería. Blues rock, boogie rock y
mucha clase son la receta de este segundo disco de Cactus, y el
modelo a seguir por muchas, muchas bandas a partir de este momento.
Para este álbum, de nuevo bajo el sello Atco, la banda contó
con una sencilla portada de un paisaje, alejada de la polémica
de la foto de su debut, aunque no todas las ediciones de ‘One Way…
Or Another’ tienen esta portada, pues en distintas reediciones la
portada fue cambiada por otra, si cabe, más sencilla.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">El
disco se abre con el clásico de Little Richard ‘Long Tall
Sally’, convertido por Cactus en un blues lento y espeso, de una
fuerza demoledora (al que beneficia, sin duda, la ralentización
del ritmo) que parece ser un título de la propia banda
(imponente trabajo de Bogert y, sobre todo, Appice). Más
movida es la siguiente pieza, ‘Rockout, Whatever You Feel Like’,
escrita por Cactus, y que constituye un típico tema de su
tiempo, con un ritmo, si se quiere más pop, al que las voces,
casi recitadas, de Day, y la guitarra (doblada) y la harmónica,
no hacen sino mejorar. Más interesante aun es ‘Rock N’Roll
Children’, tema original de la banda que con el tiempo se ha
convertido en un himno clásico del blues rock, con un solo de
McCarty antológico. ‘Big Mama Boogie’, otro tema propio,
es un acercamiento al blues de John Lee Hooker, dividido en dos
partes, la primera de las cuales se trata de un boogie acústico
con McCarty a la guitarra y Day a la voz y harmónica, que da
paso a la segunda parte, un frenético boogie eléctrico
instrumental. La cara B comienza, como la primera, con una versión,
en esta ocasión el clásico del soul ‘Feel So Bad’
de Willis, que la banda transforma en un oscuro y opresivo blues
marca de la casa, con un trabajo de McCarty imponente, del que su
amigo Hendrix estaría orgulloso, y que da paso al precioso
instrumental acústico ‘Song For Aries’. ‘Hometown Bust’
es un magnífico country blues lento, arrastrado, decadente,
que la banda lleva de forma magistral hasta la explosión y
clímax final. Para cerrar semejante joya, el tema que da
título al álbum, ‘One Way… Or Another’ que,
posiblemente, sea el mejor tema jamás grabado por Cactus, un
heavy blues de una intensidad insuperable, con un trabajo alucinante
de la sección rítmica (lo que hacen es realmente
complejo) y con un McCarty que demuestra que es uno de los mejores de
su tiempo a las seis cuerdas....Alucinante.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Sin
embargo, a pesar de las buenas críticas, ‘One Way… Or
Another’ aun se vende menos que su debut (no subió del
puesto 88 de las listas), lo que condena a Cactus a ser una banda
minoritaria con público fiel (lo que hoy llamaríamos
banda de culto). Pero paralelamente, su reputación como banda
de directo sube como la espuma. Hubo quien dijo que Cactus fueron la
mejor banda en directo de su tiempo: la fuerza de una sección
rítmica que podría competir con cualquier otra de la
historia del rock, un guitarra solista que se educó con el
soul de Detroit y se desarrollo en el hard blues con ayuda de su
amigo Hendrix, y un vocalista, loco y desorientado en la vida,
centrado como pocos encima de un escenario, favorecieron esta
reputación. No se grabó ningún disco oficial de
Cactus en directo, aunque es posible encontrar discos piratas de la
primera formación: entre ellos, destacan ‘Live At WCFM-FM,
Rochester NY 1971’ o ‘Live At The Action House, Long Island, NY
1971’, además de un extraordinario ‘Cactus First LP
Outtakes’, con tomas alternativas y descartadas para su debut, que
incluye ‘Help Me’, de Williamson, y ‘Rumble’, de Wray. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Sus
shows, que mezclaban potentes y anfetamínicos temas de hard
blues con apasionadas versiones de clásicos del blues, los
sitúo en la cumbre de su tiempo (los mismísimos Hendrix
y Ted Nugent llegarón a afirmar que eran la mejor banda de
directo de su momento), e incluso, según cuenta la leyenda,
fueron despedidos en varias ocasiones debido a que volaban la cabeza
del público antes de que salieran al escenario las estrellas
del cartel. Al parecer, a menudo, sus conciertos se convertían
en auténticos campos de batalla, que comenzaba con Rusty Day
soltando discursos políticos de corte anarquista en los que
fomentaba la desobediencia cívica o en las que animaba al
público a enfrentarse con las fuerzas de seguridad (alguna vez
Day fue, incluso, arrestado ‘por incitación a la
violencia’), otras veces en cambio, los conciertos de Cactus se
convertían en paraísos artificiales de drogas y
hermandad, con el público subiendo al escenario a bailar… el
público nunca sabía lo que se iba a encontrar en un
concierto de Cactus, pero la calidad interpretativa, los buenos temas
y el espectáculo sobre las tablas del grupo lo hacían
algo difícil de resistir. Pero no todo era complicado en sus
shows, sino también al margen de los directos, ya que la
personalidad de los miembros de la banda era compleja y difícil
fuera del escenario: en los hoteles, con los fans y las groupies, el
comportamiento de la banda dejaba mucho que desear. En su tiempo las
bacanales y las orgías de Appice eran comentadas y conocidas
en todos los sectores de la industria, desde los tiempos de Vanilla
Fudge. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">La
dificultad en la que se movía la banda en estas circunstancias
(alabados por sus compañeros, seguidos por un público
fiel, pero ignorados por la crítica y los medios) trajo
consecuencias terribles al seno de la banda. Bogert y Appice, líderes
indiscutibles de la banda, que adoraban a Day eran conscientes de
que, tarde o temprano, tendrían que deshacerse de él:
sus problemas con las drogas cada día lo hacían más
incontrolable, y en directo llegaba a perder los papeles con más
frecuencia de los que al resto del grupo le gustaba. Además,
Appice y Bogert, recibían presiones para cambiarlo desde Atco,
que prefería un cantante a la forma de Robert Plant (modelo a
seguir en aquellos años). Por otro lado, parece que McCarty
tampoco estaba del todo a gusto en el seno de la banda, aunque no
estamos seguros de si se debió al camino que llevaba la banda,
o de si se debió a que era ninguneado por sus propios
compañeros, ya que realmente, tanto Bogert como Appice siempre
han tenido fama de ‘hombres difíciles’. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">A
pesar de estos problemas que, al final, darían con el fin de
la banda, al menos con esta formación legendaria, a finales de
ese mismo año 1971 sacarían a las tiendas su tercer
álbum, ‘Restrictions’ (1971, Atco).</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<b><span style="font-size: small;">‘</span><span style="font-size: small;">RESTRICTIONS’
(1971)</span></b></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMSLmzrg1z2LMUf679-o36e_a4LkLbvgNKQ5MnxIXiWTvHi6oz8T0He50T8m2MTVIHkIeYk-laF3Ff5c3UeZiJJVl2XWoZb3cA1UqkI1lKPoJDYKxExBmfFDBYm_URr36lB9tczs1FOgU/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMSLmzrg1z2LMUf679-o36e_a4LkLbvgNKQ5MnxIXiWTvHi6oz8T0He50T8m2MTVIHkIeYk-laF3Ff5c3UeZiJJVl2XWoZb3cA1UqkI1lKPoJDYKxExBmfFDBYm_URr36lB9tczs1FOgU/s1600/3.jpg" /></a></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Absolutamente
magistral álbum que hace del Cactus con la formación
original, desde este momento, una banda mítica: tres discos,
tres obras maestras. Los primero que sorprende es la portada, ya que
después de las dos primeras, clásicas fotografías
de paisajes más o menos americanos, para este ‘Restrictions’,
Cactus opta por una portada algo más, si se quiere, futurista.
Pero habrá más novedades en el interior de la carpeta,
en la música. Ya que este disco no sigue la evolución
lógica que se supondría teniendo en cuenta los dos
primeros trabajos de la formación… para este tercer trabajo,
lo que se muestra es una vuelta a las raíces de la banda, por
lo que aparece más hermanado con el debut que con el más
progresivo segundo álbum.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Naturalmente
hay anfetamínicos hard blues, o heavy blues, pero también
country blues a la vieja usanza, soul y algo de folk, lo que
convierte a este disco en uno de los más completos de Cactus.
Para este disco, cuentan con algo de ayuda: Ron Leejack a la guitarra
slide y Albhy Galuten al piano, luego productor, entre otros, de los
Bee Gees de finales de los setenta y principios de los ochenta (los
del ‘Stayin’ Alive’). Leejack era miembro de Wicked Lester,
banda pre-Kiss que también incluía a Gene Simmons y
Paul Stanley). Los juegos de guitarras entre Leejack y McCarty serán
uno de los factores más interesantes del disco.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Desde
la inicial ‘Restrictions’, de Day y Appice, que se trata de un
producto soul rock bastante intenso con un Day colosal y un unas
guitarras inmejorables. ‘Tokin’ Chokin’’, es un country blues
a la vieja usanza con una excelente slide de Leejack, y voces
corales. Más interesante es ‘Guiltless Glider’, más
de ocho minutos de hard blues, oscuro y opresivo, que suena realmente
actual, y que es uno de los pilares del disco (sensacional McCarty).
Aunque la versión del clásico de Howlin’ Wolf ‘Evil’
será el tema por el cual el disco es recordado: otra nueva
reinvención del blues, sencillamente, con Bogert y Appice en
continuo estado de gracia, y un McCarty impecable. El siguiente tema
sería ‘Alaska’, un medio tiempo de blues con protagonismo
de la harmónica de Day y la guitarra de Mccarty, en las
antípodas del frenetismo del anterior tema. El blues rock
salvaje vuelve a hacer su aparición con ‘Sweet Sixteen’,
firmada por la banda, aunque toma la melodía del clásico
‘Rollin’ And Tumblin’’ de Waters, y que es una gozada. Más
oscura es ‘Bag Drag’, de McCarty y Day, más cercano al
hard rock que se estila por la época de procedencia
fundamentalmente británica, con un solo memorable de McCarty.
‘Mean Night In Clevaland’ es un breve blues acústico, que
muestra la vinculación de la banda al blues tradicional.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Es
increíble que este ‘Restrictions’ aun tuviera menos
repercusión que ‘One Way… Or Another’, de hecho no pasó
del puesto 155 en las listas. Pero en cierta forma, se puede explicar
por la ‘cabezonería’ del grupo, que lejos de ceder ante
las presiones de Atco, que les pedía un sonido ‘más
británico’, para competir con unos Led Zeppelin o unos Black
Sabbath que estaban ocupando las listas en todo el mundo, Cactus
saca, en pleno 1971, un álbum de puro blues rock. El precio
que tuvieron que pagar por hacer lo que ellos quisieron fue el fin de
la banda: Jim McCarty decidió abandonar la formación y
Rusty Day fue despedido.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Jim
McCarty colaboraría posteriormente con Bob Seger en sus Bob
Seger’s Seven y con Bob Hodge en sus The Dynasaurs And Alleycats,
aunque la estabilidad la alcanzaría posteriormente con The
Rockets. Day por su parte, tuvo peor suerte, ya que tras un intento
con moderado éxito de hacer una nueva versión de Cactus
entre Georgia y Florida, nunca dejó las drogas y fue asesinado
un 3 de junio de 1982 a consecuencia de un ajuste de cuentas,
naturalmente, relacionado con sustancias prohibidas. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Con
McCarty y Rusty Day fuera de la banda, Bogert y Appice deciden ceder
a las presiones de Atco, que querían algo similar o bien a Led
Zeppelin o bien a The Faces, las dos bandas que estaban arrasando en
aquellos años. Ahora sin Day existía la posibilidad de
contratar a un cantante ‘más británico’, como le
exigía Atco. El elegido para sustituir a Day sería el
gran Peter French, que abandonó los colosales Atomic Rooster
para ponerse a las órdenes de Appice y Bogert. Para sustituir
a McCarty, se optó por un camino alternativo, ya que se ficho
al guitarrista Werner Fritzschings
(posteriormente en Riff Raff, junto a Doug Lubahn, bajista de
The Doors y Clear Light) y al
teclista Duane Hitchings (posteriormente teclista de Beck, Bogert &
Appice, Ted Nugent, Badfinger y Alice Cooper, entre otros, aunque
anteriormente había prestado sus servicios a Janis Joplin y a
Hendrix).</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Aunque
la banda es excepcional, lo cierto es que está a años
luz de la formación original, y eso que tanto Fritzschings
como French cumplen a las mil maravillas, pero en el grupo no tienen
ningún tipo de poder: es la banda de Appice y Bogert. La nueva
formación, en quinteto, gira por EE. UU. con éxito, y
recogen algún tema de esa gira para lo que sería su
cuarto álbum, ‘Ot’N’ Sweaty’ (1972, Atco).</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<b><span style="font-size: small;">‘</span><span style="font-size: small;">OT’N’
SWEATY’ (1972)</span></b></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2A_glCQXw-_Ow7wA08Jm_uj4n0vb5-PwTU15GW77Ljg2zcmkAwuBC9YWyhcLkBHORhoqwyLiEUjiKo6wnmKFPXTH7Sei3hf75kDpBMdjalLaaQYHcpnUfD5dTwMC5JzxNU11GNFRS3I8/s1600/4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2A_glCQXw-_Ow7wA08Jm_uj4n0vb5-PwTU15GW77Ljg2zcmkAwuBC9YWyhcLkBHORhoqwyLiEUjiKo6wnmKFPXTH7Sei3hf75kDpBMdjalLaaQYHcpnUfD5dTwMC5JzxNU11GNFRS3I8/s1600/4.jpg" /></a></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Sin
duda, estamos ante su disco más flojo, un intento de acercarse
al hard rock de origen británico que, aunque aceptable,
palidece al compararlo con sus tres obras anteriores. Grabado la
mitad en directo y la otra mitad en estudio, sin duda se beneficia de
la parte en directo, tres soberbios temas de blues rock y boogie rock
grabados en el Mar-Y-Sol Pop Festival, en Puerto Rico, en abril de
1972: la gran ‘Swim’ con un buen trabajo a la guitarra y
teclados, la frenética ‘Bad Mother Boogie’, que como su
título indica es un boogie rock, con un French ejerciendo de
perfecto maestro de ceremonias y un Fritzschings
realmente magistral, y ‘Our Lil' Rock'n'Roll Thing’, un
rock claramente inspirado en el sonido Faces, aunque más
salvaje, con un French demasiado similar a Rod Stewart (que, al fin y
al cabo, era lo que Atco pedía a Bogert y Appice). La verdad
es que estos tres temas en directo son realmente buenos y demuestran
que la banda sigue teniendo pese a las perdidas buena forma sobre las
tablas.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Sus
temas en estudio, por el contrario, son más oscuros, cercanos
al hard rock de la época: aunque ‘Bad Stuff’ es un buen
tema de hard rock, con potentes riffs, carece de la pegada que
conferían a sus temas la anterior formación, y es que
no se parece a los anteriores discos de Cactus, de forma que existe
un problema de fondo, ¿realmente este es un disco de Cactus?
Lejos de polémicas, ‘Bad Stuff’ es un tema realmente
interesante, aunque ‘Bringing Me Down’ no lo sea tanto, y que,
pese al buen hacer de French, no consigue rematar un medio tiempo
que, en el fondo, es mediocre. Más interesante es ‘Bedroom
Mazurka’, un muy buen R&B de French y Hitchings, del que los
futuros Black Crowes parecen haberse inspirado para varios temas…
de nuevo, se baja el listón con ‘Telling You’, otro medio
tiempo, hasta finalizar con ‘Underneath The Arches’, un breve
tema cantado casi a capela por la banda, que parece grabado en una
reunión de borrachos…Una pena de disco, que podía
haber tenido mejor suerte…</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Cuál
sería la sorpresa de Atco cuando resultó que el disco
en el que se había cedido a todas sus demandas (nuevo cantante
que, aunque alemán, tenía un estilo británico,
nuevo cambio de dirección de la banda como punto intermedio
entre los Led Zepp y los Faces…), resultó ser el disco menos
vendido de Cactus (no subió del puesto 162 de las listas).
Esto supone que Atco deje de interesarse por completo en Cactus, lo
que destina a la banda hacia un final claro. Pero el final no se
debería tanto a Atco como a los propios Bogert y Appice que,
desencantados ya con un proyecto en el que han dejado todo, no
consiguen remontar el vuelo. Todo cambiaría para ellos cuando
ven la posibilidad de unirse a un sueño de años atrás:
el guitarrista Jeff Beck. Jeff Beck había roto por segunda vez
el Jeff Beck Group, por lo que, por fin, parecía hacerse
realidad un sueño de ambos sectores, tanto de Beck como de
Bogert y Appice, ruptura que, además, coincidía con una
situación nefasta de Cactus. Así se crea la Beck,
Bogert & Appice, supergrupo que dejaría para la posteridad
dos discos geniales: ‘Beck, Bogert & Appice’ (1973, CBS) y
‘Beck, Bogert & Appice Live’ (1974, CBS, en edición
japonesa), pero esa es otra historia...</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Por
su parte, es Duane Hitchings quien
consigue el nombre de Cactus, aunque lo cambiará por un más
realista The New Cactus Band, con el que grabará un disco, el
mediocre ‘Son Of Cactus’, en el colaboraban músicos que,
anteriormente, habían formado en Blues Image y Iron Butterfly…</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Sin
embargo, aquí no acaba la historia de esta gran banda. En 1996
aparece ‘Cactology: The Cactus Collection’ un completo
recopilatorio que incluía una increíble versión
en directo de ‘Parchman Farm’. Pero todo mejoraría, ya que
en 2004 aparecen dos discos dobles esenciales: ‘Barely
Contained: The Studio Sessions’ y ‘Fully Unleashed: The Live
Gigs’.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<b><span style="font-size: small;">‘</span><span style="font-size: small;">BARELY
CONTAINED: THE STUDIO SESSIONS’ (2004, Rhino)</span></b></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjATTwhPEENYfxOIHnHBWVEauFyUv8Osdnuj9qtDcXwuHkJBn-cwtWKIVWDzAZ6nXsEhnwMwu-t1G9n6w9GDhOkbl8nmFfPvaYlfl6f_NEqYIrF4EMrYgEdcYmGM5kHZ-UcyM6LjpFSb3E/s1600/5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjATTwhPEENYfxOIHnHBWVEauFyUv8Osdnuj9qtDcXwuHkJBn-cwtWKIVWDzAZ6nXsEhnwMwu-t1G9n6w9GDhOkbl8nmFfPvaYlfl6f_NEqYIrF4EMrYgEdcYmGM5kHZ-UcyM6LjpFSb3E/s200/5.jpg" width="200" /></a></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Doble
álbum que contiene toda la producción de Cactus en
estudio, es decir, incluye completos sus cuatro discos para Atco:
‘Cactus’ (1970), ‘One Way… Or Another’ (1971),
‘Restrictions’ (1971) y ‘Ot’N’ Sweaty’ (1972), por lo que
es la mejor obra conocida para acercarse al grupo. Además,
contiene algún tema inédito magistral, como ‘Rumblin’
Man’, ‘The Sun Is Shining’ y ‘Hound Dog Sniffin’’.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<b><span style="font-size: small;">‘</span><span style="font-size: small;">FULLY
UNLEASHED: THE LIVE GIGS’ </span><span style="font-size: small;">(2004,
Rhino)</span></b></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaVmNVGjXvqfPeylFpAOC7r_txRlJdBqvp7zKJsynAHw2cbCB4gUZs9-iRyha6wQD7eKro33ebeGoz_wuQn_i-dDoMgBEQ7O4qy0gvvLpBShVYqn1H4VtZ5zoit-8sdL0Iy62VcgJXVJM/s1600/6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaVmNVGjXvqfPeylFpAOC7r_txRlJdBqvp7zKJsynAHw2cbCB4gUZs9-iRyha6wQD7eKro33ebeGoz_wuQn_i-dDoMgBEQ7O4qy0gvvLpBShVYqn1H4VtZ5zoit-8sdL0Iy62VcgJXVJM/s1600/6.jpg" /></a></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
<div align="CENTER" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Mucho
más interesante es este doble ‘Fully Unleashed: The Live
Gigs’, doble recopilatorio en directo que responde a una de las más
grandes demandas de la historia del rock: material en directo de los
originales Cactus, al margen de discos piratas de sonido mediocre.
Este doble CD lujosamente editado se muestra como uno de los mejores
discos en directo de la historia, mostrando a una banda en estado de
gracia, y en su mejor momento. Aunque el disco no es un concierto
íntegro, sino que está hecho a base de remiendos de
distintas actuaciones, sorprende ver lo bien que queda el disco en
conjunto, incluso por el hecho de contener actuaciones de las dos
formaciones de Cactus.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">De
los 18 temas que tiene, 12 nunca habían visto la luz, por lo
que el álbum es imprescindible, aunque tiene el inconveniente
fundamental de su elevado precio, debido a que se trata de una
edición limitada de 5.000 ejemplares numerados.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Entre
los dos discos, hay actuaciones diversas: temas grabados en el Ellis
Auditorium, en Memphis, Tennessee, en diciembre de 1971; parte de la
actuación de la banda en el mítico festival de la Isla
de Wight, Inglaterra, en agosto de 1970, tan sólo cuatro meses
después de la fundación de la banda; una actuación
en el Gilligan’s Club de Buffalo, Nueva Cork en junio de 1971, en
el cual está presente el guitarrista Ron Leejack, que había
sido guitarra en el álbum ‘Restrictions’; los temas del
Mar-Y-Sol Pop Festival, recogidos en ‘Ot’N’ Sweaty’ en abril
del 1972, entre otras cosas.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">Desde
la inicial ‘Intro/Long Tall Sally’ del CD 1 que mejora
enormemente a la versión en estudio, a la que le sigue un
anfetamínico ‘Bag Drag’. Uno de los puntos álgidos
del álbum es la colosal versión de más de 16
minutos del clásico ‘Evil’ convertida por la banda en una
impresionante jam session con protagonismo de la guitarra de McCarty
y, luego, un extenso solo de Appice. Le sigue una potente versión
de ‘Parchman Farm’, con un Day excelente a la harmónica.
Después, el medio tiempo country blues ‘Alaska’ da paso a
una versión potentísima de ‘Oleo’, que incluye un
solo de Bogert sensacional, que comanda, con su bajo, una jam
realmente original. Uno de los grandes momentos de sus directos era
la versión que la banda hacía del blues lento ‘No
Need To Worry’ que, siempre se convertía en una jam
sessions. En esta ocasión ‘No Need To Worry’ se desarrolla
más de 20 minutos, tras una introducción de McCarty,
comienza un tema que va subiendo en intensidad continuamente,
acariciando un clímax que nunca llega a alcanzar. Magistral.
Cierra el CD 1 ‘Let Me Swim’, en una versión similar a la
del estudio.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-size: small;">El
CD 2 comienza con la tremenda ‘Big Mama Boogie, Parts 1 & 2’,
magnífico, una de las grandes piezas del doble disco, que se
desarrolla más de cuarto de hora, en el que la intensidad va
creciendo cada segundo, hasta una explosión de electricidad
casi insuperable. También es sensacional el collage de
clásicos del R&B hecho puro salvajismo eléctrico
‘Medley: Heeby Jeebies/Money/Hound Dog/What'd I Say’, en más
de 17 minutos, o dos versiones, más cortas, pero igualmente
intensas que en el primer CD de ‘No Need To Worry’ y ‘Parchman
Farm’. Aun más excitante, quizás por ser de mis
favoritas de la formación, es ‘One Way... Or Another’, que
tras una larga introducción comienza el tema con una fiereza
absoluta, y un McCarty absolutamente pletórico, o la buena
versión que ofrecen de ‘Bro. Bill’. Los siguientes temas
pertenecen a la etapa de Fritzschings
y French, y son los tres temas incluidos en ‘Ot’N’ Sweaty’:
‘</span><span style="font-size: small;">Swim’, ‘Bad Mother
Boogie’ y ‘Our Lil Rock-N-Roll Thing’, que se benefician del
buen trabajo vocal de French y la guitarra de Fritzschings,
como hemos comentado más arriba. </span><span style="font-size: small;">Para
cerrar semejante obra maestra del rock en directo como es este doble
CD nada mejor que una versión inédita de ‘Bedroom
Mazurka’, de ‘Ot’N’ Sweaty’,
que como decíamos se asemeja a lo que décadas
después harían The Black Crowes, y con un glorioso
Fritzschings.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: Arial,sans-serif; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Cactus,
una de las bandas más injustamente olvidadas de los tiempos
gloriosos del invento del rock que hoy parece, afortunadamente, está
volviendo a ser valorada como lo que fue: una de las mejores bandas
de la historia</span>.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="color: black; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-style: normal; margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-align: center; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-size: x-small;">Este artículo puede ser reproducido solo sin ánimo de lucro y siempre citando autor y fuente </span></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
</div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-6391321544156155362012-06-17T11:46:00.000-07:002013-03-05T14:53:51.896-08:00Hawkwind 1969-1975<br />
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<span style="font-size: small;"><i><b>Un artículo de Antonio Ramírez </b></i></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1DATMoRA5yNss15VAjnLrYLJis1rM8a2QX2n2Hdnaix6xGEbTUPhVhZU8xQP3N-zXIKwSvz37ntvxpVOfKvZrqgSdRYzpFFQsktTuvL-Fj3uncis_0kcBmxTbo8voBhyphenhyphen6iNNpvF1YfbU/s1600/banda.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1DATMoRA5yNss15VAjnLrYLJis1rM8a2QX2n2Hdnaix6xGEbTUPhVhZU8xQP3N-zXIKwSvz37ntvxpVOfKvZrqgSdRYzpFFQsktTuvL-Fj3uncis_0kcBmxTbo8voBhyphenhyphen6iNNpvF1YfbU/s1600/banda.JPG" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Entre los muchos grupos que surgieron a finales de los 60, Hawkwind fue uno de los que se adelantaron a ciertos aspectos del punk de finales de los 70. Con una actitud inseparable de su música eran ajenos a la supuesta aureola de intelectualidad que a veces rodeaba el rock progresivo o experimental y nunca ocultaron que sus fuentes provenían de la cultura popular: comics, novelas de ciencia-ficción, el cine serie-B y el rock’n’roll en su sentido más salvaje y embriagador, es decir, el consabido estribillo de sexo, drogas y rock’n’roll pero visto a través de los ojos de un Galactus de Jack Kirby. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Este artículo versa sobre la historia y discografía de Hawkwind desde sus comienzos hasta la edición del Warriors On The Edge Of Time. Después salieron muchos discos de la banda o de proyectos paralelos relacionados con sus miembros, pero en mi opinión la etapa entre 1969 y 1975 fue irrepetible. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Todo comienza con Dave Brock, el indiscutible fundador y principal engranaje de Hawkwind en sus posteriores etapas. Sus inicios musicales datan de 1953, cuando recibe un banjo como regalo de un tío suyo. A finales de los 50 ha dejado sus estudios y se traslada al Soho de Londres para dedicarse a tocar en bandas acústicas de folk, blues y jazz al estilo Nueva Orleans, aunque en principio sin intención de hacer de ello una forma seria de ganarse la vida. En 1960 adquiere una guitarra eléctrica y sigue recorriendo los clubs nocturnos londinenses llegando a compartir escenario con muchos jóvenes músicos que después serían célebres, como es el caso de Eric Clapton. Después, tras un periodo de deambular como músico callejero, se une temporalmente a la Dharma Blues band con quienes graba cuatro temas, dos son versiones de clásicos del blues que terminan formando parte del segundo volumen recopilatorio Blues Anytime, editado en 1966 por Inmediate Records. Y además tocan como banda de apoyo para músicos de blues americanos que pasaban de gira por las islas. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> A finales de 1966 Brock deja su puesto en Dharma Blues band aunque el resto de la formación sigue su camino sin él y llegarán a editar un disco. Después Brock forma parte del trío de folk/blues Famous Cure, junto a John Illingworth y Pette Jud. Con ellos gira por Holanda logrando cierta relevancia en los medios de ese país. Una vez de regreso Jud es substituido por Mick Slattery (futuro miembro de Hawkwind) y graban un single titulado “Sweet Mary” que llega a tener bastante éxito en las listas alemanas. Tras esto consiguen un buen contrato y se unen a una nueva gira por Holanda junto a otros músicos en una especie de circo musical ambulante. Entre la numerosa plantilla de roadies, técnicos y músicos estaba Nick Turner, flautista, saxo y voz del grupo Mobile Freakout. Brock se hace muy buen amigo suyo, después se volverían a ver en Hawkwind, siendo Turner uno de sus miembros más importantes. Esta gira, la cual tenía intención de recorrer gran parte de Europa se vio interrumpida repentinamente por un asunto de drogas y en noviembre de 1967 todos son expulsados del país. Ya en Londres, Famous Cure hacen de teloneros de los míticos Deviants de Mick Farren, clara señal de que la música del trío se estaba alejando a marchas forzadas del folk o el blues ordinarios para ir acercándose a la psicodelia, algo que tenía que ver, evidentemente, con el consumo de substancias lisérgicas por parte de Brock y compañía. Este concierto con Deviants marcó el inicio del contacto de Brock y Farren, ambos mantendrían a la postre una estrecha relación, como veremos después. Famous Cure finalmente deciden separarse, pero poco antes de eso graban un single con sus nuevas influencias psicodélicas, aunque desgraciadamente nunca llegó a editarse y acabó perdiéndose con el tiempo la única maqueta existente. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En 1968 encontramos a Dave Brock haciendo de nuevo de músico callejero para ganarse la vida, formando parte de grupos itinerantes y alternándose en varios instrumentos. En ese plan sigue durante un año, pero precisamente en ese momento la música callejera estaba en auge y EMI Records invita a Brock (junto a una gran cantidad de otros cantantes, músicos y bailarines de claqué callejeros) para grabar un disco en directo en enero de 1969 en el Royal Albert Hall. En el disco, llamado Buskers (expresión que en inglés designa a los músicos callejeros), aparece una versión de Willie Dixon efectuada por Dave Brock. Este disco tuvo su extensión en varias actuaciones en la BBC y puso definitivamente de moda la música callejera durante una buena temporada, lo que hizo que las calles de Londres se vieran aun más invadidas por cientos y cientos de músicos esperando ser descubiertos o al menos conseguir algo de dinero. De esa manera la competencia se hizo salvaje y las posibilidades de ganarse la vida por ese medio se vieron muy reducidas. Por lo cual Brock decidió probar con algo en otra dirección, algo que le permitiera seguir con la música y vivir de ello. A la luz de los grupos que en ese momento más escuchaba empezó a experimentar en la onda psicodélica sacando sonidos a su guitarra, a veces en combinación con los sintetizadores analógicos que estaban saliendo en esa época. Decidió que por ahí iba a seguir y para ello se dedicó a buscar músicos para formar una nueva banda, tirando de sus viejos amigos, poniendo anuncios en la prensa musical o preguntando a la gente que rondaba por la tienda de música de Bob Kerr de Londres. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> A mediados de 1969 ya contaba con un plantel de miembros que comprendía a Mick Slattery a la guitarra, John Harrison al bajo, Terris Ollis (con solo 17 años) a la batería, Nick Turner al saxo, Dik Mik a los sintes y él mismo como guitarra, voz y harmónica. Desde un comienzo pretenden que la banda fuera algo ultrademocrática y consiguen que sea caóticamente libertaria no siguiendo una línea establecida e incorporando todas las ideas que fueran aportándose, no solo de sus miembros, sino de amigos y toda la gente que estuviera a su alrededor. Y con esta formación, aun sin nombre, comienzan a ensayar en el sótano del local de Bob Kerr y a veces en el Royal College of Art. Sobre versiones de clásicos del blues y algunos temas de grupos de ese momento la banda arremete con largas jams sembradas de efectos sonoros y experimentos vocales, especializándose en un sonido que ellos denominarían por aquel entonces “sunshine special”, que en esencia es una especie de mezcla del estilo acústico de la época callejera de Brock y una amalgama de sonidos psicodélicos. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfJyUFWxLYd92E1p8K3_p_KjTXKNwWwmdN9SvvgCn6932yusDoxVsKHJcY8uhMhHH_d9IQRfpNKDAY3jAivx6dBPlFw1IMCmnMz_27j8FJLbglv_QDpwaF-sO4ygkuiv3TSYraTLWXBoY/s1600/banda2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfJyUFWxLYd92E1p8K3_p_KjTXKNwWwmdN9SvvgCn6932yusDoxVsKHJcY8uhMhHH_d9IQRfpNKDAY3jAivx6dBPlFw1IMCmnMz_27j8FJLbglv_QDpwaF-sO4ygkuiv3TSYraTLWXBoY/s1600/banda2.jpg" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"></span></div>
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<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /> El 29 de agosto debutan ante el público en una actuación en el All Saint Hall de Nothing Hill. Como aun no han acordado un nombre concreto comparecen como Group X, una muestra del desenfado y el sentido del humor con que la banda definía su actitud ante la ortodoxia musical. Por si fuera poco no traen ningún repertorio preparado y deciden a última hora una larga jam sobre el tema Eight Miles High de los Byrds. Según los testimonios fue una actuación impresionante que dejó pasmado a un público entre el que se encontraba John Peel de la BBC, el cual señala a Douglas Smith, uno de los organizadores del evento y dueño de una agencia de artistas, el gran talento de la banda. Smith se ofrece al grupo como manager y les garantiza que en poco tiempo tendrán algún contrato discográfico. Aceptan, pero en ese momento tienen por fuerza que buscarse un nombre que los haga reconocibles y toman el de Hawkwind Zoo. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Según la versión respetable la palabra Hawkwind sale de un libro de Michael Moorcok, pero según otra versión más canalla (y seguramente más fiable) el nombre surge de la combinación de dos defectos de Nick Turner: su manía de carraspear (hawking) y sus excesivas flatulencias (wind). Como Hawkwind Zoo entran en noviembre de 1969 en los estudios Abbey Road y graban tres temas que servirían como demo a Smith para presentarlos por unos cuantos despachos, consiguiendo rápidamente un contrato con Liberty Records (dependiente de United Artists). Los temas grabados son “Harry On Sundown”, “Kiss Of the Velvet Whip” y “Cymbaline”, las dos primeros son arreglos del grupo sobre composiciones de Dave Brock y el tercero es una versión de uno de los cortes del More de los Pink Floyd. Son tres grabaciones bastante conseguidas para el poco tiempo que el grupo llevaba funcionando. “Harry On Sundown” sería usada posteriormente para el primer disco de los Hawkwind en una versión algo más suavizada y “Cymbaline” es simplemente una correcta adaptación del tema de Pink Floyd, por tanto nos centraremos en “Kiss of the Velvet Whip”, un estupendo corte que anticipa muchos de los ingredientes que después explotarían con más amplitud a lo largo de sus discos. Hasta cierto punto se nota las reminiscencias de los primeros Pink Floyd por la atmósfera psicodélica y enrarecida, por así decirlo, así como una ligera influencia del free jazz sobretodo gracias al saxo de Turner. Por su parte, Brock no es un cantante virtuoso ni nada de eso, pero arremete con una carga importante de hipnotismo que es lo que cuenta para el estilo del grupo. Aun no han adquirido ese toque espacial que los caracterizará, pero hay una clara intención en llegar a eso. De todas formas es un corte no demasiado largo y todos esos ingredientes están bastante concentrados, no expresan totalmente el gusto por la improvisación (bastante salvaje) que ya demostraban en los directos. Respecto a la letra, es una especie de canto al masoquismo mezclado con un regusto cósmico, quizás sea la evidencia de otras de las mayores influencias de Dave Brock por esa época: Velvet Underground Después de firmar con Liberty deciden acortarse el nombre y ya se quedan como Hawkwind. Tras grabar la demo Slattery deja el grupo y su puesto es ocupado por Huw Lloyd Langton, un amigo de Dave Brock que conoció en una tienda de música. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Liberty programa la grabación del primer disco y decide que Dick Taylor va ser el productor, pero además de producir terminaría por tocar la guitarra anónimamente en varias partes del disco. Taylor había sido uno de los fundadores de los Rolling Stones, pero apartado de la guitarra a favor de Brian Jones se fue del grupo. Posteriormente pasó a formar los Pretty Things junto a Phil May. Así pues, de la mano de Taylor, Hawkwind entran en los Trident Studios de Londres y entre marzo y abril de 1970 tienen listo el disco. En Julio sale un single con “Hurry on Sundown” y “Mirror of Illusion" en sus respectivas caras. El album saldrá a la calle en agosto. Antes de eso Brock se había reencontrado con Mik Farren en un festival gratuito. Éste, tras probar fortuna en Estados Unidos había montado una nueva banda junto a varios de sus viejos camaradas de Deviants y el batería Twink Alder (ya una leyenda en los medios musicales por su paso por Tomorrow y Pretty Things). Este grupo era Pink Fairies. Aunque los dos grupos musicalmente no eran muy parecidos filosóficamente estaban muy en sintonía y acuerdan montar un concierto paralelo a las puertas del Festival de la Isla de Wight, el cual se iba a celebrar en ese agosto de 1970. Así pues, durante 5 días seguidos tocan frente al recinto de forma totalmente gratuita en protesta por el precio de las entradas y la comercialización general de la música rock. Según la leyenda Hendrix pasó junto a la gran carpa que habían montado, los escuchó y les pidió tocar con ellos después de su actuación en el festival principal. Pero por desgracia el caos reinante impidió que se pudiera llevar a cabo esa colaboración con Hendrix, algo que de ocurrir hubiera sido histórico. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Irónicamente, pese a que protestaban por el precio de las entradas del festival, varios de los miembros de Hawkwind entraron gratis ya que conocían a gente del dispositivo de seguridad. Nick Turner se pintó la cara de azul y se paseó entre el público, su fotografía salió en muchas revistas de la época tipo Vogue o Paris Match, las cuales cubrían el festival más como un evento social o pintoresco que como algo musical. Hendrix, en un momento de su actuación lanza un saludo a Nick Turner. Además, el grupo procura mezclarse todo lo que puede entre la gente (especialmente si era de sexo femenino) y Nick Turner queda impresionado por una chica que dice llamarse Stacia, ella también queda impresionada al conocer a alguien que toca en una banda, sobre todo si va con la cara pintada de azul. El encuentro es breve, pero como veremos tendrá afortunadamente continuidad en el futuro. Así pues, como una extensión del espíritu caótico de su música fueron 5 días frenéticos de borracheras y consumo de todo tipo de substancias. Entre otras “aventuras”, Huw Lloyd Langton sufre una crisis nerviosa a causa de un mal viaje de LSD, algo que no era la primera vez que le ocurría, dejándolo totalmente KO. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Como ya hemos dicho el primer disco, simplemente titulado Hawkwind, sale a la venta ese agosto. No tuvo unas ventas excesivamente importantes pese al golpe de efecto del Festival de Wight, pero catapulta directamente la fama de la banda en los ambientes más undergrounds. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3GcEbTbJOreEkUIA9UwyQUQnCH6qCPxbI_QOzF0B_kyNkk2nQ1zljM4ig5iFNnfpLOwfZwKfFgp7ZdbRzjgkjyjyu4iOSq097YeEY3Q1rv5xnwYRM8C7JgC-P17F_rtYvdwVW-j1T33g/s1600/h1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3GcEbTbJOreEkUIA9UwyQUQnCH6qCPxbI_QOzF0B_kyNkk2nQ1zljM4ig5iFNnfpLOwfZwKfFgp7ZdbRzjgkjyjyu4iOSq097YeEY3Q1rv5xnwYRM8C7JgC-P17F_rtYvdwVW-j1T33g/s1600/h1.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"> Musicalmente es un disco muy interesante, aunque se nota que el grupo es muy primerizo y está aun buscando su sonido. En mi opinión se queda un poco a medio camino. La forma de presentar los temas, prácticamente unidos todos entre sí, hace que sea un disco que necesita ser oído entero para ser verdaderamente disfrutado. Por ejemplo, el primer tema “Harry On Sundown” es un r’n’blues de toda la vida, pero cobra otro sentido cuando después enlaza con el instrumental “The Reason is?” que es mucho más psicodélico, que a su vez lleva a “Be your self”, aun más intenso y eléctrico, plagado de efectos y planteamientos más progresivos. Otro de los platos fuertes es “Seeing It As You Really Are” de más de 10 minutos, bastante cercano al sonido posterior de Hawkwind, sobretodo en sus partes más frenéticas de efectos y guitarreo. La última, “Mirror of Illusion”, es una canción entre acústica y eléctrica que en mi opinión es lo mejor de todo el disco, con una melodía alegre pero con una letra muy melancólica que puede leerse como una crítica al contenido de las experiencias visionarias tan en boga en ese momento: “Crees que has encontrado las puertas de la percepción, pero abren a una mentira”. En suma, es un disco que si bien está lejos de llegar a las cotas de sus próximos lanzamientos está realmente bien, asienta las bases de su sonido y de por sí es una pieza disfrutable dentro de la psicodelia tardía de comienzos de los 70. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Tras el lanzamiento del disco se suceden los conciertos junto a bandas como Atomic Rooster, Mighty Baby o Little Free Rock, pero especialmente siguen tocando junto a Pink Fairies. Tantos conciertos harían juntos durante los dos siguientes años que terminaron por anunciarse en ocasiones como Pinkwind, combinando el nombre de ambas formaciones. Seguirán participando juntos en multitud de festivales gratuitos y en conciertos benéficos para causas relacionadas con el underground londinense. Pero Hawkwind no es aun totalmente estable y los cambios se suceden entre sus miembros hasta la primavera del año siguiente. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En septiembre Huw Lloyd Langton deja su puesto a la guitarra. A causa de su mala experiencia con LSD durante el festival de la Isla de Wight decide alejarse de las drogas, algo que era imposible formando parte de Hawkwind. Poco después John Harrison se va, igualmente espantado a causa del abuso de drogas que constantemente se mantenía en el grupo. Su puesto al bajo es ocupado por Thomas Crimble del grupo Skin Alley. Pero además de eso se suceden otros problemas. Terry Ollis pasa por una mala época personal y se atiborra de Mandrax, un tranquilizante muy fuerte, lo que en muchas ocasiones lo deja fuera de combate o altera su carácter hasta el punto en que, por ejemplo, sale a tocar desnudo en algunos conciertos. A veces deben suplantarlo con Twink de los Pink Fairies o Viv Prince (ex-batería de Pretty Things). Para colmo Dik Mik también se va, aunque solo temporalmente, a causa de un grave accidente de automóvil donde él solo sale herido leve, pero muere uno de los implicados. En su lugar entra Del Dettmar para la sección de generación de sonidos. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> La entrada de Dettmar es crucial para dirigir la música de Hawkwind hacia lo que se venía llamando Space Rock. Dettmar había sido roadie de varios grupos como Edgar Broughton Band, Arthur Brown y Juicy Lucy. En el momento de la partida de Dik Mik estaba trabajando precisamente como road manager para Hawkwind y algunas veces había substituido a Mik, ya que gracias a sus conocimientos técnicos en la mesa de mezclas entiende de sintes y demás cachivaches electrónicos. Eso llevó a Douglas Thomas, el mánager de Hawkwind, a invitar a Dettmar a entrar oficialmente en el grupo. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Cuando Mik vuelve poco después Dettmar se mantiene en el puesto formándose un dúo capaz de producir sonidos verdaderamente cósmicos gracias a la combinación de ambos en el uso de sintes primitivos como el VCS3 o el Synthi que la casa EMS (Electronic Music Studios) de Londres. Estos aparatos se limitaban a ser generadores de sonidos y funcionaban con osciladores de frecuencia, pero precisamente por su simplicidad aportaban grandes posibilidades de combinación (y no de suplantación) con los demás instrumentos eléctricos. En el caso de Hawkwind su función era dotar a las canciones de una dimensionalidad extreterrestre, algo que conseguían de sobra. De una manera u otra, pese a los cambios de personal, los numerosos problemas y el alto número de conciertos (incluyendo actuaciones para la BBC) habían ido sacando nuevos temas y a comienzos de la primavera ya tienen material para empezar a pensar en un nuevo disco, pero en ese momento Crimble deja la banda para encargarse de la organización del festival de Glastonbury ‘71. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Entonces deben buscar un substituto para el bajo, que encuentran en la persona de Dave Anderson, un inglés que se había ganado la vida como músico de sesión para numerosos grupos o solistas y que dando tumbos había acabado en Munich tocando para los germanos Amon Duul II por una larga temporada. Anderson había conocido casualmente a Nick Turner en una visita a las oficinas de United Artists en Londres y habían hablado de intereses musicales muy similares. Cuando Hawkwind se quedó sin bajista se enteraron de que Anderson ya no estaba con los Amon Duul II y tras llamarle y hacer una audición le ofrecieron el puesto, y de esa manera Anderson terminó entrando en el grupo y participando en la grabación del segundo disco de Hawkwind. Además de Anderson hay que contar también con dos nuevas incorporaciones muy importantes: Robert Calvert y Stacia. Calvert era un poeta amigo de Nick Turner, de origen sudafricano, pero inglés de adopción. Sus intereses abarcaban la fantasía y la ciencia-ficción y había creado numerosos fanzines centrados en esos géneros. Escribió en 1970 un artículo sobre Hawkwind y poco después se ofreció para darles poesías y letras que dieran un sentido más conceptual a su música. Además les presentó al editor y escritor Michael Moorcock, el cual se identificó inmediatamente con la imaginería del grupo. Ambos sintonizaron con la atmósfera desquiciada e irreverente que se respiraba en Hawkwind, pues Calvert sufría de trastorno bipolar y Moorcock era un confeso anarquista… ¡así que eran perfectos para el grupo! Por la misma época Stacia vuelve a entrar en contacto con Nick Turner y se ofrece como bailarina para los conciertos. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZKUfJhezNWhsOi12qsOJE_yS6XzEzH4ZrjWQ4cs2HYNsyjIsorfFk21yjQvQzL9SOv3aY-wr6ATdr4TJsYrc1NUSzwd0XCgWjPdjTwwuOvoQJnCnzDwpx8JSs3Ma7eLgTASy5_DWTgws/s1600/banda3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZKUfJhezNWhsOi12qsOJE_yS6XzEzH4ZrjWQ4cs2HYNsyjIsorfFk21yjQvQzL9SOv3aY-wr6ATdr4TJsYrc1NUSzwd0XCgWjPdjTwwuOvoQJnCnzDwpx8JSs3Ma7eLgTASy5_DWTgws/s400/banda3.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"> Todas estas incorporaciones cristalizan en el Festival de Glastonbury. Allí Stacia hace su debut, dejando al público con los ojos a cuadritos gracias a su exuberante constitución física, ya que bailaba prácticamente desnuda. Sin embargo la banda se cuidó siempre de dejar claro que el papel de Stacia era una cuestión artística, que por supuesto contenía una carga erótica implícita, pero no permitían que ello desembocara nunca en nada más (al menos de puertas para fuera). En algunas ocasiones Stacia era abordada ofensivamente después de los conciertos, incluso recibió ofertas para participar en películas pornográficas, pero su reacción era claramente cortante en ese sentido e incluso bastante violenta más de una vez. Por su parte, Anderson, un tanto asombrado, tiene que tocar sin apenas tiempo a prepararse sus partes de bajo e inclusive debe substituir la guitarra de Brock porque éste se puso enfermo. Por la misma razón Robert Calvert substituye a Brock en la voz a lo largo del concierto. Glastonbury supuso para Hawkwind un antes y un después. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Con esta nueva formación Hawkwind sufrió una metamorfosis en sus planteamientos musicales. De la curiosa mezcla de r’n’blues y psicodelia tardía del primer disco fueron pasando a un sonido cada vez más potente y que a veces roza lo directamente proto-heavy metal. Las jams se alargan, pero casi siempre en pro de unos riffs potentes que sirven de base al desarrollo del tema, atacando con sonidos repetitivos y voces que apoyan todo ese frenesí sónico casi como un instrumento más en una especie de mantra. Según se dice el grupo experimentó en sus conciertos con frecuencias muy altas o muy bajas que el oído no podía traducir, pero que el cerebro recibía y respondía a esos estímulos de forma subconsciente, podríamos denominarlo música subliminar. Lo que es seguro es que sus conciertos eran una orgía cósmica, pues el público seguramente estaba tan drogado como el propio grupo. Al fin entraron a grabar el nuevo disco en verano en los estudios AIR de George Martin, pero debido a las quejas de los técnicos por el mal comportamiento de la banda se tuvieron que trasladarse a los estudios Olympic con la producción de George Chkiantz. Las quejas de los técnicos de AIR se debían, entre otras cosas, a que habían metido ácido en sus bebidas sin previo aviso, también al desorden y las juergas que se montaban interfiriendo en el curso de la grabación. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Así pues, cuando ya tienen alguna toma hecha cambian de estudio y continúan. Hay que señalar que la participación de Anderson en esta grabación es importante, aunque a la postre no recibe la acreditación que según él se merecía. Anderson era un músico de estudio experimentado, con mucho más oficio que el resto, y además aportó el legado de haber tocado con Amon Duul II, una banda que ya había explorado terrenos musicales muy cercanos (hasta cierto punto) a los que Hawkwind buscaba en ese momento. Figura como coautor de un solo tema, pero después afirmó ser el autor de gran parte de los arreglos de los cortes del disco. Sea como fuere el disco está plagado de jams e ideas colectivas de todo tipo y es difícil señalar un autor concreto, aunque es justo decir que junto a la influencia de Anderson también Nick Turner también se afianza en el liderazgo de la banda prácticamente a la misma altura de Dave Brock. Además de lo musical otro ingrediente importante añadido a la nueva etapa de Hawkwind fue la participación de Barney Bubbles. No solo por la cubierta desplegable del nuevo disco y el diseño del libreto con multitud de páginas repletas de textos de Calvert e ilustraciones y fotografías del nuevo disco, sino también en el diseño de los escenarios y planteamientos del lightshow que después Liquid Len (Jonathan Smeeton) llevaba a la práctica, algo que iba a ser crucial para los conciertos de la banda. Como curiosidad decir que Dik Mik sale sin recuadro en las fotos del grupo que hay en la contraportada porque fue añadida sin más cuando este volvió a la banda tras el accidente de coche. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> In Search of Space (en la cubierta figura una X, aunque en el lomo de disco y otras referencias no aparece, así que hay quien ha planteado que se trata de un mero error tipográfico que nunca se corrigió, aunque con un grupo así nunca se sabe) es un disco denso, repleto de capas de sonido, pero no por ello es un disco necesariamente complejo en sus estructuras ni melodías, no se basa en un experimentalismo más o menos radical como el llevado a cabo por grupos como Gong u aquellos germanos que ya llevaban tiempo sumergidos en el space rock, sino que su sonido se caracteriza por el exceso y lo repetitivo, lo que ellos denominarían ataque sónico. Siempre con una base de hard rock evidente, aunque deformado por una actitud libre y con intenciones de producir un trance en el oyente. De esa manera, como un verdadero manifiesto teórico y práctico, el disco se abre con “You Shouldn’t Do That”, un monumento bestial a lo que el grupo considera space rock, inaugurando un tipo de desarrollo que podríamos definir como de despegue. Cuando comienza la canción uno no puede sino sentir que se está accediendo a algo enorme y que es necesario prepararse para una especie aventura imaginaria que sin duda será cósmica. La línea de bajo de Anderson, repetitiva, densa y precisa, sostiene toda el tema de principio a fin, pero el saxo (retorcido y distorsionado hasta sus límites), la guitarra, los sintes, una espléndida batería y para remate una letra que está cantada en forma de mantra, todo ello sumado nos lleva a cotas de intensidad nunca antes oídas en la música rock. También hay que destacar “Master of the universe”, otra vuelta de tuerca a la sensación de despegue, aunque esta vez mucho más claramente hardrockera, con un riff de guitarra mastodóntico que será muy influyente en varias generaciones de músicos posteriores. En sus directos solían acelerar mucho más esta canción llevándola al salvajismo. Ahora bien, pese a la intensidad del disco no faltan los temas más suaves y acústicos como “We took the wrong step years ago”, con una temática ecologista que dice cosas como “Ahí está la llamada de la naturaleza, prestemos atención a su advertencia”. También en esa onda es “Children of the Sun” un breve tema de contenido utópico y de una gran belleza e intensidad. Así pues, como vemos, el salto cualitativo entre el primer disco y el segundo es grandísimo, la banda ha crecido en todos los sentidos.</span></div>
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<span style="font-size: small;"> Podemos decir que In Search of Space es un hito en la historia de la música rock y plantea para el grupo un empujón considerable, sin embargo, antes de ser lanzado al mercado el disco Anderson deja el grupo debido a que no ha terminado de cuajar ni en las relaciones personales ni con la filosofía de la banda. Los demás le acusan de estar demasiado pendiente del dinero y los lujos, como por ejemplo el hecho de que tenga un coche deportivo de gama alta con el que viajaba solo a los conciertos, pasando de viajar en la furgoneta como los demás. Además, Anderson se resiste a los conciertos y festivales gratuitos con los que la banda solía colaborar en muchas ocasiones, siempre llegaba tarde o simplemente no aparecía. De esa manera, aprovechando que Anderson les falló en un concierto en Portobello Road en agosto de 1971 invitaron a un nuevo bajista a tocar con ellos. Se trataba de Lemmy Kilmister. Era un compañero de piso de Dik Mik, el cual llevaba tiempo insistiendo a los demás para admitir a Lemmy como segundo guitarra, pero se oponían a ello. Lemmy era un conocido consumidor de speed y eso les podía causar aun más problemas de los que ya tenían con las drogas. Pero al final accedieron a condición de que aceptara tocar el bajo y Lemmy cambió sin pensarlo de instrumento. Esto supuso la salida definitiva de Anderson. Años después Anderson dijo que su descontento y consiguiente marcha se debió a muchas causas. Le fastidiaba el funcionamiento poco profesional del grupo, como ejemplo dijo que “Children of the Sun” fue metida en el disco en el último momento y fue grabada una mañana en solo media hora (algo que no dice tampoco nada malo del grupo, ya que el tema es buenísimo). También se quejó de la intromisión de todo tipo de personas ajenas al núcleo de Hawkwind. Incluso achacó al resto de la banda que no soportara a su esposa. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En suma, su permanencia en Hawkwind se hizo insoportable, aunque eso no evitó que durante una temporada hiciera conciertos con ellos cuando montó un nuevo grupo. Pese a todo hay que subrayar que aunque la estancia de Anderson fue breve, unos 6 meses, su influencia en el sonido de la banda fue crucial y de largo alcance. Así pues, la entrada de Lemmy marca otro nuevo comienzo. Anderson era un músico quizás más experimentado, pero Lemmy aportó su actitud y estética macarra, aumentando, si cabe, el halo de gamberrismo que rodeaba a la banda. Su entrada se produce en un momento en que Hawkwind comienza a tener sus primeros éxitos comerciales gracias a que In Search of Space logra llegar a número 18 de las listas británicas. Pero no por ello dejan de tener problemas. Terry Ollis, que recordemos estaba abusando de los tranquilizantes, llega a una situación insostenible y estaba provocando escenas cada vez más bizarras en los conciertos, algo que les daba muy mala prensa. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Un día Lemmy se encontró casualmente con Simon King, que fue batería en uno de sus grupos anteriores, y sabiendo que tenían que buscar un substituto para Ollis le invitó a hacer una prueba con Hawkwind. Fue admitido inmediatamente. Lemmy conocía la forma de tocar de King, era un batería bastante contundente y él, siendo guitarra, tomó el bajo de una forma muy especial tocándola casi como una guitarra rítmica, estilo que continuaría después en Motorhead. Con esto se estableció una base rítmica poderosa que orientó, una vez más, el sonido de Hawkwind a otra dirección. Con esta formación tocan en febrero de 1972 en un concierto en The Roundhouse, una sala mítica para el underground londinense. Se registran varias canciones en esa grabación, una de ellas es Silver Machine, un tema que Robert Calver escribió inspirado por un texto de Alfred Jarry. Calvert había entrado en la banda de forma más permanente, por lo que él mismo canta en ese tema, pero su voz no queda muy bien en la cinta y se intenta mejorar en el estudio para usarla como un single, aunque no es posible recuperar un mínimo de calidad y se decide entonces regrabar la voz en el estudio. Pero en ese preciso momento Calvert está ingresado a causa de sus problemas mentales y le es imposible, por lo que se resuelve que sea Lemmy quien regrabe esa parte sobre la voz de Calvert. Ese single (con “Seven by Seven” de Dave Brock en la otra cara) es lanzado con mucho éxito de ventas, llegando al número tres. El 2 de agosto participan en una actuación larga en la BBC. Unos días después de la actuación la BBC informa a su manager que Hawkwind estarán vetados en lo sucesivo en la radio pública. Según parece un micrófono propiedad de la cadena había sido substraído durante el registro del programa y acusaban al grupo del robo. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Efectivamente Hawkwind tuvo muchos problemas en lo sucesivo para volver a pisar la BBC. Tras este varapalo viajan al sur de Gales y entre septiembre y octubre de 1972 graban lo que será su tercer disco, Doremi Fasol Latido, en los estudios Rockfield, el cual era un lugar muy tranquilo en mitad del campo donde podían residir el tiempo que tardara la grabación. Para acometer ese nuevo disco graban de un tirón largas tomas y después sobre esas grabaciones vuelven a introducir las cosas que consideren necesario, cortando algunas partes, desechando otras o uniéndolas mediante efectos. </span></div>
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<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> El resultado es un disco bastante bueno aunque según mi opinión un tanto menos que In Search of Space, aunque quizás esta opinión está determinada por la grandiosidad de ese disco, algo fuera de lo normal. Indudablemente tiene algunos temas muy valiosos como “Brainstorm”, el primer tema escrito en solitario por Nick Turner, el cual sigue creciéndose dentro de la configuración del sonido colectivo de Hawkwind. En general es un disco donde se nota un desarrollo hacia un talante aun más duro, quizás debido a la ausencia de Anderson que tiraba más al progresivo. Está claro que hay partes y desarrollos muy en una línea progresiva y espacial, pero en general suena bastante más rudo (¡quizás los coros de Lemmy ayuden a eso!) y algo más con los pies en el suelo, por decirlo de alguna manera. Algunos miembros del grupo no quedaron satisfechos con el resultado final, según se dice Brock hizo la mezcla final totalmente drogado. Hay que señalar que en el disco nos encontramos la primera composición de Lemmy para Hawkwind, “The Watcher”, canción que después volvería a rehacer para Motorhead más de una vez. Otra vez la cubierta del disco es un desplegable con ilustraciones y diseños espectaculares de Barney Bubbles. Además tiene un cierto énfasis conceptual. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> El título Doremi Fasol Latido es una referencia a la Música de las Esferas (la correspondencia entre los astros y las armonías musicales), una idea que se manejaba desde la época griega y que en el Medievo y Renacimiento se extendió junto a la astrología y la alquimia. Además hay una participación indirecta de Michael Moorcock en el tema semiacústico “Space is Deep”, ya que se trata de una adaptación de su poema Black Corridor. Antes de que el disco salga a la venta se le pide a Robert Calver que diseñe la gira de apoyo para Doremi Fasol Latido. Piensa primero en una ópera rock como las que estaban tan de moda en esa época, pero el proyecto crece y crece y finalmente se convertirá en un impresionante espectáculo multimedia que se llamará Space Ritual. Gracias a los recientes éxitos en ventas tenían dinero a su disposición y lo usan para montar un circo ambulante repleto de luminotecnia y la mejor calidad sonora posible. Se añade una bailarina más a Stacia, sería Renee (que había bailado en Estados Unidos para Quicksilver Messenger Service) y también un mimo llamado Tony Carrera. Será una gira muy trabajosa para los cánones del grupo, pero termina cosechando un gran éxito. Además, la relevancia adquirida gracias a Silver Machine fuera de las fronteras de UK les abre las puertas del resto de Europa y después de Estados Unidos. Entre otras aventuras, tocando en Italia tienen un incidente, tras uno de sus conciertos cientos de lúbricos jóvenes persiguen a Stacia, la cual termina por cobijarse en un coche que es zarandeado de una forma muy peligrosa. ¡Deciden ir armados con porras el resto de la gira! </span></div>
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<span style="font-size: small;"> En primavera de 1973 sale a la venta un doble LP, que resultó ser éxito en ventas, con una selección extraída del Space Ritual Tour por Liverpool y Brixton. Es un directo simplemente bestial que deja evidente que Hawkwind eran entre 1972 y 1973 una banda de directo, sus discos son excelentes cartas de presentación, pero Space Ritual es un documento asombroso y emocionante de lo que suponía por esa época estar en uno de sus conciertos, especialmente con el equipamiento que llevaban en esa gira (de hecho, parece ser que se sintieron bastante deprimidos cuando después tuvieron que volver a la carretera con su show normal). Space Ritual contiene temazos uno detrás del otro, incluso los interludios con recitados de poemas de Moorcock o Calvert ayudan a crear una atmósfera única. Born To Go, inicio del disco, es una absoluta maravilla que pone automáticamente en sintonía con lo que vamos a encontrar en ese disco, desparrame guitarrero, macarrismo, rapidez, feeling y una intensidad cósmica que realmente se siente. En mi opinión todos los temas del Doremi Fasol Latido que aparecen en este directo son mejorados en todos los sentidos, como si los que aparecen en el disco de estudio fueran meras maquetas en comparación con lo que después hacían en el directo. Un ejemplo es “Space is Deep”, algo más larga que en el disco y bastante más electrificada y que pone los pelos de punta desde su primer segundo hasta que conecta con el pequeño interludio “Electronic N.1”. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8G3fNU55wUpom03pzkZhgCj0FAIUY0_WF4bzIGZe5mTY63BYkxGba-_0yE2hwpn5-n_pgSQYC4NpEVTkVUJsqmNTj0deG7SqLR-_ZEmtkyEpkACEAaHg3C2v6Apf7VVEz2wKkPOBmqEI/s1600/h4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8G3fNU55wUpom03pzkZhgCj0FAIUY0_WF4bzIGZe5mTY63BYkxGba-_0yE2hwpn5-n_pgSQYC4NpEVTkVUJsqmNTj0deG7SqLR-_ZEmtkyEpkACEAaHg3C2v6Apf7VVEz2wKkPOBmqEI/s1600/h4.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"> En suma, es un disco indescriptible, las palabras no pueden hacerle justicia. En verano se edita el single “Urban Guerrilla”, obra de Brock y con letra de Robert Calvert, trabajo con el que esperaban tener un éxito similar al cosechado por “Silver Machine”. Éste también se trata de un tema bastante más directo de lo que solían ser los temas del grupo, con un deje punkarra y hasta festivo que se hace muy pegajoso e irresistible. Pero al poco de ser radiado la BBC decide censurarlo porque dice que contiene referencias muy directas a los atentados que por esa época estaban asolando el Reino Unido, algo erróneo ya que Calvert había escrito la canción mucho antes de que ocurriera eso, pero aun así algunos miembros del grupo son molestados por las autoridades. Seguramente hubiera sido un single exitoso debido a que el Space Ritual Tour había puesto a Hawkwind en el candelero, pero perdieron la oportunidad y ya nunca más volvería Hawkwind a entrar con fuerza en las listas de ventas de singles. En noviembre (y posteriormente en varias fechas del año siguiente) parten a Estados Unidos, pero sin una gran cantidad de los elementos grandes de su gira a causa de los excesivos costos que suponía, aun así, siendo un show más modesto será una gira muy exitosa. Años después se editó un CD titulado The 1999 Party, que ofrece un concierto en marzo de 1974 en chicago que aunque sin la calidad del Space Ritual sirve para comprobar que seguían en un muy buen momento. Como muestra del humor de la banda llamarán a parte de esa gira como 'The Ridiculous Roadshow', ya que una vez acabada la grandeza del Space Ritual la comparación era algo triste. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Robert Calvert se había ido de Hawkwind para hacer un proyecto en solitario que se llamará Captain Lockheed and the Starfighter, donde participa casi todo Hawkwind y multitud de otros músicos como Brian Eno (que no sale acreditado), Jim Capaldi o Arthur Brown. Se trata de un disco conceptual satírico que mezcla la ciencia-ficción y la crítica política. Además de eso, entre las idas y venidas de la gira americana Hawkwind entran en los estudios Olympic a finales de la primavera para grabar lo que será su siguiente disco. Poco antes Dik Mik ha dejado definitivamente la banda y para ocupar su puesto entra Simon House, quien se había curtido en el uso de los teclados y del violín en los legendarios High Tide. Además había colaborado con la Third Earth band en la realización de la banda sonora de Macbeth, película de Roman Polanski. Así pues en verano vuelven a Estados Unidos coincidiendo con la edición de su nuevo disco Hall Of The Mountain Grill, un título que esconde un homenaje a un restaurante que solían frecuentar en Portobello Road. Este disco marca, una vez más, el inicio de otra etapa de Hawkwind, algo más calmada respecto a la vertiginosa ascención psicotrónica culminada en el monumental directo Space Ritual. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjI5ARbClTjPKf0WeJgGfyB__DQZi17s-M14SQ2WUp16QsjdrY11r6tlL_qVfC_7UIx3ehd93T9Rcg8qCvOCADCJi3zbDKMU0dQ_f4b9PIHwBAAdE8VVg7E-xZwvE_y1yEuR1I-ZwwafpQ/s1600/h5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjI5ARbClTjPKf0WeJgGfyB__DQZi17s-M14SQ2WUp16QsjdrY11r6tlL_qVfC_7UIx3ehd93T9Rcg8qCvOCADCJi3zbDKMU0dQ_f4b9PIHwBAAdE8VVg7E-xZwvE_y1yEuR1I-ZwwafpQ/s1600/h5.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"> Este disco en vivo significó una especie de catarsis que les hizo llegar a las cotas más altas de vértigo sonoro hasta dejarles satisfechos. Se les nota un especial esmero por sonar más progresivos, o incluso rockeros. Por mi parte me atrevo a afirmar que este “Hall of the Mountain Grill” es su mejor disco de estudio, lo cual es decir mucho tras las verdaderas obras maestras editadas con anterioridad por el grupo. Con toda seguridad, una de las razones para este acercamiento al rock progresivo fue la capital llegada de Simon House, con él entra una forma de entender la música más centrado en la melodías que en los efectismos psicodélicos. Además introduce el melotrón, el órgano Hammond y el violín en la banda, lo cual aporta mucha más profundidad a sus composiciones y por supuesto una estética bastante más estándar dentro de lo que cabe. Aunque es verdad que siguen haciendo aparición los típicos efectos espaciales “made in Hawkwind”, éstos pierden algo de importancia para dar paso a las atmósferas creadas por los mismos instrumentos. Hay también menos trabajo en trucos de producción, no por casualidad dos de los temas del disco (quinto y último) están registrados en estudio-directo. Aun así sigue habiendo mucha participación de todos los músicos, algo que se nota en el resultado general, pero todos siempre aunados por el genial Dave Brock. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> El inicio del disco con “The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)” es algo que se hace inolvidable para todo el que quede atrapado por este grupo. Es un tema impresionante sobre todo por su melodía vocal, trabajo a duo de Brock y Lemmy. La parte instrumental queda envuelta por el melotron de House (instrumento muy usado también en ese momento por grupos capitales del progresivo como King Crimson). Sin hacer solos, la guitarra es apenas rasgada y apoyada por el saxo, sintetizadores y melotron. El efecto creado en conjunto es una maravilla. Tras esto llega “Wind of change”, excelente instrumental que otra vez sirve de plataforma para el talento de Simon House, especialmente gracias a su violín. “D-Rider” es un tema compuesto por Nik Turner y uno de los mejores del disco. “Web Weaver” es un tema muy evocador que se inicia con acústica y piano, para después, casi al final, convertirse en una orgía de pura psicodelia. “You'd Better Believe it”, siguiente corte, es una de las cumbres de Hawkwind, siete minutos de chirriante hard rock espacial. Otra vez tremenda la conjunción de voces de Brock y Lemmy mientras la batería de Simon King atrona. De pronto nos vemos inmersos en una ola de sonido que nos envuelve con colores cósmicos y mucha velocidad. Es impresionante la capacidad de sumar instrumentos de Hawkwind creando una subida de tensión que llega más y más arriba hasta el orgasmo. “Hall of the Mountain Grill” es un bello instrumental obra de Simon House donde vuelve a dar rienda suelta a su maestría a la hora de crear atmósferas. Tras esto rompe de pronto el tremendo “Lost Johnny”, tema de Lemmy ( casi interpretado exclusivamente por él) y Mick Farren que sirve como anticipo del sonido de los Motorhead del “On Parole”, pero hecho todavía con el sello Hawkwind. “Goat Willow”, otro instrumental, esta vez obra de Dettmar, sirve de introducción a “Paradox”, otro impresionante tema (grabado en directo en el estudio) muy rockero, donde destaca ante todo los terribles toques de bajo de Lemmy. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> En suma, un disco que siendo más progresivo sigue siendo terriblemente hardrockero e incluso con un punto macarra. La edición de este disco coincide con la vuelta de Hawkwind a USA. Una vez allí, aparte de sus actuaciones y para continuar con su larga tradición contracultural colaboran en un concierto gratuito en honor de Tim Leary y a cambio reciben una gran cantidad de marihuana. Ya antes en Londres habían hecho otros conciertos en homenaje a Leary. Años después Nick Turner llegó a visitar al gurú del LSD cuando estaba en la cárcel. Y también para no dejar de ser ellos pierden por el camino a un miembro, pues Dettmar, que ya había avisado de su intención de dejar el grupo, hacía tiempo había adquirido unas tierras en Canadá con intención de emigrar allí, como efectivamente hace en mitad de esa gira americana. La presencia de Simon House en esa gira es mínima debido a que no tiene permiso de trabajo y se pasa casi todo el tiempo en el bar o haciendo turismo. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Es en general es una gira bastante caótica, como no podía ser de otra manera, entre otras cosas sufren un huracán cuando estaban tocando en Nashville o se relacionan con promotores metidos en el cine porno. Para remate son acusados por hacienda de no haber pagado las tasas fiscales a cuenta de su anterior gira, tienen que volver a UK, pues sus materiales son requisados hasta que logran pagar y así poder volver a continuar la gira. Tras todo este lío de gira y una vez de regreso a Inglaterra Simon King se partió unas costillas jugando al futbol y se tuvieron que buscar un substituto en varias fechas programadas por Alemania y Paises bajos, para ello llamaron a Alan Powell que había estado entre otros grupos en Shicken Shack. Una vez King estuvo repuesto decidieron continuar la gira con los dos baterías a la vez. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Como curiosidad decir que de pronto surge una inesperada fuente de ingresos al ser utilizado un pequeño trozo de uno de los temas de Hall Of The Mountain Grill en un programa de televisión, y además de dinero les sirve de evidente publicidad. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> A comienzos de 1975 entran otra vez en el estudio. Tienen en mente grabar un disco sobre ideas del libro El Campeón Eterno de Michael Moorcock, el cual se ha vuelto un colaborador muy estable tras la partida de Calvert. El disco será Warriors On The Edge Of Time, el cual completa el ciclo iniciado con el disco anterior en un viraje al rock progresivo. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> La crítica definiría este LP como el más profesional hasta la fecha y donde Simon House deja más clara su firma mediante sintetizadores de teclado. Desde luego es un disco mucho más tranquilo, más suave y menos espacial, pero no por eso deja de ser un gran trabajo a tener en cuenta pese a estar en el límite de abandonar el regusto a heavy rock que habían cultivado hasta el momento a cambio de un refinamiento que, no obstante, aun mantiene la personalidad del grupo. “Assault & Battery Part I” es un señor temazo, fantásticas las líneas vocales y la aparición de la flauta, así como los ataques de un bajo distorsionado. “Opa-Loka” es un ejemplo perfecto de los cambios en el rollo del grupo. Es una canción que explica porque Hawkwind ha sido influencia incluso en la música electrónica de baile, es un tema hipnótico y repetitivo que avanza, en cierta manera, muchos de las formas de la música dance más dura, donde antes metían una fuerte riff guitarrero aquí se sostienen con una serie de elementos que suenan prácticamente electrónicos, una sensación que la producción limpia y cristalina refuerza. “Magnu” vuelve hacia atrás y retoma el estilo del anterior disco, pero aun así se mantiene a un nivel bastante moderado en cuanto a sonidos eléctrificados. Para contradecir esto sale un tema más fuerte como cara B del single editado para apoyar la edición en primavera del nuevo disco, es “Motorhead”, una canción que es como una especie de oráculo porque adelanta el futuro de su autor, Lemmy. Pero en general el nuevo disco deja insatisfecho al grupo y recibe algunas malas críticas desde la prensa, es un disco que suena profesional, si, pero precisamente por eso ha perdido lo mejor que definía el sonido space rock de Hawkwind, un salvajismo apto para producir lirismo y grandiosidad cósmica, una capacidad de crear belleza desde la energía, todo lo contrario a las bases de virtuosidad y tecnicismo que muchas veces reinaban en el mundo del rock progresivo y experimental de los 70. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> En verano de 1975 Hawkwind están en plena gira americana. En la frontera con Canada la policía de aduana encuentra en el equipaje de Lemmy un pequeño cargamento de polvos que parecía droga, y efectivamente lo es, se trata de sulfato de anfetamina, aunque los funcionarios de aduana pensaban que se trataba de cocaína, lo que suponía una infracción más grave. Esto supone un varapalo grande para el grupo que así ve peligrar el resto de su gira por tierras americanas, así que deciden llamar a Paul Rudolph, guitarrista de sus amigos Pink Fairies y continuar la gira. Lemmy está por tanto expulsado y vuelve entonces a Inglaterra... ¡y ya sabemos que hizo allí! Años después Lemmy afirmaría que cuando dejó la banda (más bien le expulsaron) los "cojones del grupo" se fueron con él. Esta afirmación no es muy justa con la verdad, ya que Hawkwind ya demostró antes de su llegada una tendencia a ser contundentes y macarras en la actitud. Y yo pienso que en Motorhead, al menos en los primeros discos, hay algo de Hawkwind, sobretodo en esas estructuras sonoras machacantes e insistentes. De todas formas poco importa, gracias a la expulsión de Lemmy el hard rock ganó una banda inmensa, es es lo que importa. Lemmy siguió colaborando con Hawkwind a lo largo de los años, pues Motorhead fueron sus teloneros en algunos conciertos de 1977. Además Lemmy ha tocado varias veces con la banda en algunos conciertos especiales. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> En aquel mismo 1975 de la partida de Lemmy, Stacia abandona el grupo también, ambas ausencias marcan sin duda el fin de la etapa más interesante de Hawkwind, aunque el grupo ha seguido intermitentemente durante años con diferente fortuna, se ha bifurcado en varias ramas, ha suscitado polémicas y reencuentros entre sus miembros, y no ha dejado de tener el apoyo de una legión de seguidores que se han organizado en clubs y han editado multitud de fanzines dedicados al grupo en muchas partes del mundo. Sea como sea, quede aquí este somero repaso de su historia hasta 1975, léase como un sentido homenaje a una de las más intensas bandas de rock de la historia. </span></div>
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<span style="font-size: small;">Editado en la web Mentes de ácido en diciembre de 2010 </span></div>
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<span style="font-size: small;">Este artículo contiene mis discutibles opiniones personales sobre la música de Hawkwind, pero evidentemente he tenido que documentarme en cuanto a su historia y cuestiones más técnicas. He aquí mis principales fuentes. </span></div>
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<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">http://www.hawkwindmuseum.co.uk/index.htm </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">http://www.freewebs.com/daveanderson/biography1.htm </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">http://myweb.tiscali.co.uk/hawkwind/index.html </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">http://www.starfarer.net/index.html </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">http://home.clara.net/adawson/index.html</span></div>
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<br /></div>
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<span style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: x-small;">Este artículo puede ser reproducido libremente si es sín ánimo de lucro y siempre citando fuente y autor.</span></div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-32969757553772215072012-05-31T05:11:00.001-07:002013-03-05T14:52:58.922-08:00Viaje a 800 "Coñac Oxigenado" e historia del grupo.<div style="color: black; text-align: justify;">
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<i><b> Un artículo de Antonio Ramírez</b></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<br /></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqDoBEkI7T3zz__hfKq_Cw7XDHHXPLOYfID-tiRmqk4HPuqYb7zhMjzbh5j49JIPhlkZtXJoSux6TlZeaG60VdB8ktrAmSklogDB-nVpyZjOvkKK5OAtfT-BN77qPnAaZDLYUZcXMHDns/s1600/Viaje_a_800_Conac.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqDoBEkI7T3zz__hfKq_Cw7XDHHXPLOYfID-tiRmqk4HPuqYb7zhMjzbh5j49JIPhlkZtXJoSux6TlZeaG60VdB8ktrAmSklogDB-nVpyZjOvkKK5OAtfT-BN77qPnAaZDLYUZcXMHDns/s320/Viaje_a_800_Conac.jpg" width="320" /></a><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Un nuevo disco de Viaje a 800 está por fin en circulación. Tras un complicado y prolongado (y desesperante para sus seguidores) proceso ya podemos oírlo, lo cual nos llena de mucha alegría, pero por otro lado tenemos que anunciar que a estas alturas el grupo se ha separado. No obstante, Viaje a 800 ya ha conocido varias rupturas a lo largo de su historia, lo cual nos hace albergar la esperanza de que puede haber otra reunión en el futuro, o al menos esperamos que hagan una última gira para presentar el disco. Quizás si ven una buena acogida del disco, algo que depende mucho de si los medios musicales mayoritarios se deciden a apoyarlos, el grupo se anime a seguir. Sería una pena que Viaje a 800 fuera uno de esos grupos que se quedan en grupo de culto por culpa de la ceguera de los que llevan el cotarro musical en este país. </span></span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> En fin, pase lo que pase, de lo que no hay duda es que Viaje a 800 es una banda que ha sabido ganarse el apoyo de una considerable horda de fans aun teniendo en cuenta al nivel minoritario en el que se mueven. Y este apoyo se debe ante todo a la grandísima personalidad del grupo, algo que cada vez es más difícil de encontrar en un ámbito donde la regla es el mimetismo y donde las limitaciones suelen esconderse tras una supuesta autenticidad rockera. A esto hay que sumar una calidad indudable a la hora de grabar sus discos y una más que justificada reputación de ser un grupo con un poderoso directo. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> Si este es el disco de despedida (y repetimos que esperamos que esto no sea así) lo cierto es que se despiden a lo grande. Para el que esto escribe Coñac Oxigenado es el mejor disco de Viaje a 800. Desde el primer segundo es una grabación cuidada al extremo. Y hay que tener en cuenta que es un disco que ha sido grabado dos veces, no estaban satisfechos con la primera versión y decidieron volver al estudio para regrabarlo íntegramente, lo cual dice mucho de la banda. Y doy fe de que esa primera versión ya era espectacular, pero no cabe duda, ha merecido la pena la espera, el resultado final es sencillamente brutal. En fin, me imagino que esta reseña va a sonar exageradamente elogiosa, pero estoy seguro que la gran mayoría de los que escuchen el disco va a estar de acuerdo. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> Coñac oxigenado se abre con “Oculi Omnium in te Sperant Domine</span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;">”, un tema largo y tortuoso que puede traernos a la mente el rock andaluz de los 70, ya sea por las filigranas de la guitarra, el riff sobre el que se sustenta todo el tema o el toque de palmas que hay en su centro (dentro de un solo de batería). Pero esta canción es más que eso, su letra, tan en la linea que suele seguir siempre el grupo de una poética oscura y agresiva, aporta un sentimiento de fatalismo y condenación muy acorde con el flamenco más negro, todo expresado por una voz que ha ido mejorando en cada disco. Es éste, en definitiva, un corte de una intensidad enorme, donde a guitarra sube y sube cada vez que entra un solo, y cuando crees que ya ha llegado a lo más alto aun tiene reservada una cuchillada más, siempre envuelta por una banda en estado de gracia. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> Con este comienzo impresionante era muy difícil mantener la calidad del resto del disco, pero lo logran. El segundo tema es “Ni Perdón Ni Olvido</span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;">”, un tema menos acelerado, algo más contenido. Nuevamente nos encontramos con un riff fuerte, pero que está constantemente entrecortado por pausas y partes lentas o con diferentes cambios de ritmo. Este tema también tiene detalles que pueden recordar un deje sureño. En fin, otra canción sin duda muy buena, con infinidad de matices y detalles que van surgiendo en las sucesivas escuchas. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> El tercer tema “Eterna Soledad</span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;">”, que se inicia de forma acústica y se desarrolla muy lentamente, tomándose su tiempo para ir añadiendo elementos y diferentes capas de complejidad. Poco a poco la intensidad va subiendo y la electricidad va teniendo más protagonismo hasta lograr un efecto que mezcla lo alucinógeno con lo anfetamínico. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> “Tagarnina Blues</span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;">” es, como indica su título, un blues, pero tal y como sucede con otros blues del grupo, como el ya mítico “Roto blues”, es una composición para nada apegada a la tradición del estilo. Al igual que en “Eterna soledad”, el corte anterior, la voz es practicamente en off, recitando más que cantando una letra triste y angustiosa. Una vez más Jose Angel nos ofrece un maravilloso trabajo de guitarra. En general este es un disco donde Jose Angel se ha soltado mucho más y donde ha dispuesto de más espacio para lucir una guitarra que más que virtuosidad demuestra un sentimiento palpable y contagioso.</span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;"> “What’s Going On</span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-size: small;">" cierra este viaje sonoro y oscurísimo que es Coñac Oxigenado, un tema de casi un cuarto de hora, versión absolutamente libre de un tema de Buffalo hecho en 1974. Como decimos esta versión es muy libre, comenzando con que el tema original dura poco menos de tres minutos. Es un desarrollo muy creativo de la composición hardrockera de los australianos llevándola a terrenos alucinatorios y cósmicos con un sonido muy pesado. Es por tanto un ejercicio realmente fascinante, los Viaje a 800 han decidido ampliar, retorcer e interpretar a su gusto el tema de Buffalo. Y el resultado es apabullante. Varias veces había disfrutado este tema en directo, pero en el disco ha superado todas mis expectativas, simple y llanamente he alucinado. </span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En suma, es Coñac Oxigenado un disco que redondea la discografía de Viaje a 800, que la dispara hacia direcciones que nos hacen sospechar que aun les queda mucho por decir y explorar. Ojalá sea así, y si no puede ser solo cabe agradecer a la banda todos estos años de buenos momentos musicales. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><i><b>Historía de Viaje a 800 </b></i></span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwYGqJwWiO5aKcOEwOsUufkwRKJeEKvs9P9hb6iOA_fl1I3kzDNU4Qi3RUhJsAWHpwA1i6zvm-Fr2S0xxNfdgcFCUUqEL_TrkEWleLT9bNpB5HEJi8_XPnD1ptTtdnvHIpdmtSlvCbY7g/s1600/viaje-a-800-co%C3%B1ac-oxigenado-2011.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1-n06zUEEWgvh51-o-_T2uI29HYMU8CWT1iGJyRNg3FJkQbCBizN3DGXIJ5AUluTjNSuVSOAt91J-ErArpv4o_uCJvpn9uSqSYfOaPLYp3bhIrREI5yYVzrluouuedHFrh5XGjTnDjak/s1600/1.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1-n06zUEEWgvh51-o-_T2uI29HYMU8CWT1iGJyRNg3FJkQbCBizN3DGXIJ5AUluTjNSuVSOAt91J-ErArpv4o_uCJvpn9uSqSYfOaPLYp3bhIrREI5yYVzrluouuedHFrh5XGjTnDjak/s1600/1.JPG" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La primera noticia que tuve de Viaje a 800 fue a través de internet. Los vi incluidos en una lista de grupos stoners de alguna tienda de discos on-line afincada en el extranjero. Era 2003 y la fiebre por este estilo había pasado su cúspide y ya entraba en cierta disolución en lo que respecta al amplio público que había logrado conseguir en años anteriores (aunque en la actualidad stoner continúa siendo una definición totémica para mucha gente). El primer disco de Viaje a 800, editado a medias por el sello malagueño Alone Records y el yanqui Custom Heavy Records, no había pasado desapercibido (sobretodo fuera de nuestras fronteras) en los medios underground y en ese momento solían ser vinculados musicalmente con otras bandas como Nebula, Fumanchu, Los Natas, Colour Haze, etc. No obstante, a la larga se ha demostrado que calificar a Viaje a 800 de stoner era hacer una descripción bastante limitada de su música, por mucho que compartieran muchas de las características que suelen relacionarse con ese estilo. Es evidente que lo suyo es rock, y del fuerte, pero conteniendo muchos ingredientes peculiares que los hace uno de los grupos más sugerentes y originales de la escena underground que han surgido de nuestro país desde hace muchos años. Es uno de esos grupos que hacen historia y no de los que se quedan en mera anécdota, así de simple. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Por lo demás, al margen de su gran calidad musical se hace evidente que Viaje a 800 es un grupo muy inestable. Se ha disuelto ya una vez de forma seria con el resultado de un parón de variós años y cada cierto tiempo están al borde de volver a hacerlo, con lo cual sus fans más fieles siempre están con las mosca en la oreja preocupados por perder uno de sus grupos favoritos. Aunque, irónicamente, quizás sea esta inestabilidad un factor importante en la personalidad del grupo y parte clave en su creatividad. Quien sabe. Viaje a 800 se formó en Algeciras en 1996, cuando varios músicos provenientes de otros tantos proyectos de la zona (Pie Izquierdo, Malsoñando, Xudor Barato y otros grupos de diversos estilos que llegaron a contar con varias demos) deciden unirse con la intención de realizar un sonido claramente deudor de las míticas bandas del sello Triquinoise (Vírgenes adolescentes, Vamos a morir, 713Avo amor, etc.) y otros por el estilo que desde inicios de los 90 explotaban un sonido muy ruidista en combinación con letras en castellano de una temática oscura y surrealista. Así pues, la aventura se inicia con David (Batería), Poti (Guitarra) y Miguel Ropero (Guitarra), lo cuales llegan a ofrecer un par de conciertos (según parece desastrosos) en los pocos meses que dura esta primera formación, la cual prescindía del uso del bajo. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras estos primeros movimientos se separan. A partir de 1997 la banda vuelve a juntarse con algunos cambios. Continúa David a la batería, pero Poti se decide a experimentar con la voz y deja la guitarra, substituyéndole un nuevo integrante: Jose Angel. También entran otros nuevos miembros: Miguel "El negro" a la guitarra y Carlos al bajo. El estilo del grupo ha ido derivando a un sonido más grueso y agresivo que poco a poco se va acercando a lo que se venía llamando stoner rock. Aunque ellos siempre han declarado que no eran conscientes de que existiera una corriente que se definiera de tal modo el hecho es que Kyuss o Black Sabbtah formaban parte de sus referencias más evidentes. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El fruto del trabajo de esta nueva formación es la grabación entre finales de 1997 y comienzos del 98 de la maqueta con seis canciones "Santa Águeda", que se llamó así por el nombre del barrio donde lo grabaron, concretamente en casa del guitarra Jose Angel. Se hizo con unos medios bastante precarios, como por ejemplo un multipistas casero, algo que se nota perfectamente en la calidad amateur de la grabación, con un sonido entre atronador y caótico. Aun así, es una maqueta muy destacable tenidas en cuenta las circunstancias y contiene muchos de los ingredientes que la banda llevaría a sus ultimas consecuencias en el futuro, aunque de una forma mucho más madura, de hecho, alguno de sus temas sigue formando parte de los conciertos actuales del grupo, como es el caso del largo corte "Al-Yazhira", que fue grabado prácticamente improvisado (este es el único tema de la maqueta donde Poti toca el bajo). También se incluían "Solo" y "Cardiolímite", dos temas que posteriormente regrabarían para su primer disco. No obstante, debido a la falta de infraestructuras o la simple dejadez esta maqueta tuvo una difusión mínima, siendo totalmente restringida a un ámbito local. En ese momento saben de la existencia de Mermaid, a través de un amigo que los había escuchado en Radio 3. El mítico grupo de Pamplona estaba por ese tiempo promocionando su primer CD y buscaban bandas para hacer un recopilatorio a través de su propia discográfica Rec Orbital. Viaje a 800 deciden enviarles la maqueta y el resultado es la invitación de hacer una minigira con ellos por el norte, la cual se efectúa de forma inmediata con un buen resultado. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras aquello la posibilidad de formar parte del recopilatorio se convierte en la oferta de compartir un 10" con el grupo Argentino Natas. Por esa época (1999) había entrado un nuevo guitarrista al grupo, Antonio, con lo que la formación queda establecida en un cuarteto con Jose Angel a la otra guitarra, David a la batería y Poti al bajo/voz. Esta sería la formación que entraría en los estudios Punta Paloma de Tarifa donde grabarían los tres temas del split con Natas, que serían "Solo", uno de los temás más famosos del grupo, con un riff claramente sabbáthico y unos punteos deslumbrantes y "Higomonon", un instrumental rápido, denso y psicodélico. Estos dos primeros temas serían reutilizados para su primer disco largo. Además estaba "Inmensa" un corte mucho más setentero que parece una mezcla entre Hendrix y Grandfunk. Esta grabación, esta vez contando con medios técnicos mucho más dignos, desvela por fin claramente el gran potencial de la banda, que es el resultado de la combinación de cuatro talentos: una base rítmica que sabe ser aplastante por momentos, pero también sonar dinámica cuando hace falta (lo cual hace que tenga muchas posibilidades); dos guitarras que se combinan a la perfección, una más centrada en los punteos y otra con más tendencia a explorar los efectos y los riffs malsanos; a ello debemos sumar una voz en castellano con un claro aire andaluz, que en cierta manera aporta un cierto exotismo sureño quizás no buscado, pero que termina por salir y que se traduce en originalidadd. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidBX_SbLFrI45tD-pYE6p_Y1Wa9Nq5s_v-002419i9uGju1Xi165jAluUsFjIuVhDYHEMJjVrsSPfr1LPBERwf0nCrph7HUwT7CLuAv9JR2SeJLtdXz3j-G2mex3HVEKaayqQfqehFm7E/s1600/2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidBX_SbLFrI45tD-pYE6p_Y1Wa9Nq5s_v-002419i9uGju1Xi165jAluUsFjIuVhDYHEMJjVrsSPfr1LPBERwf0nCrph7HUwT7CLuAv9JR2SeJLtdXz3j-G2mex3HVEKaayqQfqehFm7E/s320/2.jpeg" width="320" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Gracias a este 10" comienzan a tener más repercusión en los diversos medios que se toman la molestia de prestar atención a lo que se cuece en el underground. Son entrevistados en algunas revistas y aparecen varias reseñas del EP, incluso en la radio suena alguno de sus temas. Además se suceden algunos conciertos por su zona, uno de ellos con el grupo sevillano Tierra (con gente que después integraría los ahora aclamados Orthodox) en Benalmadena. Gracias a esta relativa popularidad conseguida llaman la atención de Miguel Navarro, que por esa época estaba arrancando con su discográfica Alone Records. Miguel entra en contacto con el grupo por email y el resultado es el proyecto de editar un primer disco largo de Viaje a 800. Así pues, con nuevos temas bajo el brazo comienzan a grabar en los estudios de Josema Dalton en San Fernando (Cadiz). </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Este proceso durará todo el mes de marzo del 2000, pues a causa de sus trabajos solo disponían de un poco de tiempo por las tardes para ir plasmando lo que sería Diablo Roto dë..., el que para muchos es uno de los mejores discos de rock que se han hecho en este país. De todo lo grabado se seleccionaron 9 temas que son: "Roto Blues", que como su nombre indica es un blues realmente dislocado y enfermizo. Un tema, por lo demás, que me atrevería de definir como genial. Primero porqué hacer sonar bien un blues en castellano es algo difícil y aquí lo consiguen de sobra. Después porque instrumentalmente es una canción impresionante que va subiendo de intensidad a medida que trascurre sin perder un ápice de pulso. Creo que es uno de los temas que mejor definen la esencia de Viaje a 800, con una música oscura y sembrada de matices que se aleja del rock como simple “divertimento” y que aporta mucho más al oyente. Este tema enlaza con el segundo a la perfección: "Cardio Límite", uno de los que ya habían incluido en la primera máqueta. Mucho más rápido que el anterior y que podríamos definir como típicamente stoner por su utilización de todos los clichés explotados por la infinidad de grupos que siguen la estela de Kyuss, aunque eso no significa que sea un mal tema ni mucho menos, ya que cuanto menos los Viaje a 800 lo hacen con mucha personalidad. "Solo", que como ya hemos visto es otro de los cortes de la maqueta y también incluido en el split con Nata, ahonda en la parte más pesada y cercana al doom del grupo, aunque con la peculiaridad de que a la base rítmica aplastante se le hace contrapunto con unas guitarras muy punzantes y ácidas. Lo cual lo convierte en un corte sumamente peculiar. El instrumental "Higomonon" reaparece también aquí, esta vez dividida en dos partes. "Largo Beso Recto" es un tema a medio tiempo, que en mi opinión es otro de los mejores del disco. Es una composición muy original que hasta cierto punto deriva nuevamente del blues rock, con una estructura muy trabajada donde destacaría el trabajo del batería y también su letra de amor truculento. "Higomonon 2b" es la continuación del instrumental. "Vuelo Inferno" es otro de los temas rápidos del disco, realmente trepidante, con una perfecta combinación bajo/batería, un riff asesino a dos guitarras y unas exquisitas entradas de guitarra ácidas que harán las delicias de los amantes de la heavy psicodelia. Después el tema se convierte, sin detenerse, en la instrumental "After en Marte", en el que cuentan con la colaboración de Rafael Falafel al saxo. Y el resultado es simplemente fabuloso, como si de unos Hawkwind endurecidos se trataran. Nuevamente se debe destacar al batería por un trabajo incansable y absolutamente contagioso que sostiene todo el tema; también es crucial la combinación del saxo con los efectos de guitarra con un resultado entre progresivo y enfermizo. "Humo de mota" es el blues sureño y marciano que despide el disco. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtR1EgI9nCxLgWrNr4xIOVGIp4fGElN_27nWXidgnLLnT-8FGBZ7Aa0vkybWDKN8FyYfer7CCdG2c4Ka7fD7ia96hFvZ9xZYGbbW0L-rxbSW9gSq6Y7AVxO-f8ajh42IKp1DhNgm3IzQI/s1600/3.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtR1EgI9nCxLgWrNr4xIOVGIp4fGElN_27nWXidgnLLnT-8FGBZ7Aa0vkybWDKN8FyYfer7CCdG2c4Ka7fD7ia96hFvZ9xZYGbbW0L-rxbSW9gSq6Y7AVxO-f8ajh42IKp1DhNgm3IzQI/s320/3.jpeg" width="320" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtR1EgI9nCxLgWrNr4xIOVGIp4fGElN_27nWXidgnLLnT-8FGBZ7Aa0vkybWDKN8FyYfer7CCdG2c4Ka7fD7ia96hFvZ9xZYGbbW0L-rxbSW9gSq6Y7AVxO-f8ajh42IKp1DhNgm3IzQI/s1600/3.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Diablo Roto dé… es un disco realmente bueno, y efectivamente es de lo mejor que se ha grabado de hard rock en este país en las últimas décadas. Pero a la vista de lo que vino después creo que es un disco primerizo. Si hablamos de stoner, en el caso de que nos limitáramos a esa etiqueta, creo que podemos afirmar que este disco (junto a los discos de Mermaid) marca la cumbre del género en este país, pero los Viaje a 800 han demostrado que podían seguir madurando, evolucionado en una línea ascendente hacia derroteros más amplios. El disco, en cuya portada se hizo uso de fotografías de revistas porno de los 70, tuvo una acogida entusiasta en todas las principales revistas del país, aunque su repercusión fue mucho más importante en el extranjero, quizás debido a que era coeditado junto a una discográfica yanqui, o quizás debido a lo de siempre, al fin y al cabo esto es España. Incluso el grupo Hermano tuvo la intención de hacer una versión de su tema "Solo", aunque no llegó a materializarse. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Debido a este nuevo impulso las posibilidades de conciertos aumentan, destacando entre ellos el primer High Dimensión Festival organizado en 2001 en Málaga por Alone Records, donde compartían cartel junto a Mermaid y Fooz, otra de las míticas bandas que existían por aquella época en que la escena rock underground estaba despertando tras el bluf del rollo indie de los 90. No obstante, cuando todo parecía ir bien para el grupo deciden separarse. Algo que fue debido, entre otras cosas, a problemas laborales y de falta de tiempo de sus miembros, pero sobretodo a la ausencia de infraestructura y posibilidades que sufrían en su ciudad, algo que terminó por socavar la moral del grupo.</span></span></div>
<div style="color: black; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Esta separación duró una buena temporada hasta que en 2003 se reúnen otra vez como trío (sin Jose Angel). El resultado de esta nueva encarnación es la grabación de una demo de 30 minutos (aun inédita) que contiene el germen de algunos de los temas de su segundo disco. Pero desgraciadamente el bajista sufre un accidente laboral que le obliga a estar 6 meses sin poder tocar, lo cual motiva una nueva separación forzosa y un nuevo parón. Mientras dura esta pausa (que dura incluso más allá de la recuperación del bajista) surgen algunas bandas paralelas con miembros de Viaje a 800, como pueden ser 10 años de música China, Zoom y The Rocky Bros, pero ninguno de estos proyectos llega a tener demasiada continuidad (Zoom llegó a grabar dos maquetas y dieron varios conciertos, entre ellos uno en nuestro primer festival Mentes de Ácido en diciembre de 2005). En un momento dado Poti, Jose Angel y David se juntan y montan los Resin Shijates, grupo de versiones (Monster Magnet, Braindonor, etc.) sin más ambición que la de pasarlo bien. </span></span></div>
<div style="color: black; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras dar dos conciertos con esta formación y ver que siguen funcionando juntos deciden despertar a Viaje a 800 de su hibernación. La primera intención era reunirse como cuarteto, pero Antonio no puede por motivos personales y acuerdan seguir como trío. Así comienzan a dar conciertos con esta formación, llegando a dar una pequeña gira junto a los yanquis Atomic Bitchwax y otra por el norte junto a grupos como Positiva, Arenna o Green Manalishi. En uno de estos conciertos (Azkoitia) hacen una versión de 713avo Amor junto a Carlos Desastre, uno de sus héroes musicales desde el comienzo. Mientras tanto van surgiendo nuevos temas y parece que la cosa vuelve a funcionar. Además Antonio vuelve a incorporarse al grupo reestableciéndose así la formación original. Deciden que ya es momento de grabar un nuevo disco y tras algunas dudas y divagaciones deciden que Alone Records volverá a ser el sello que lo edite, era lo más lógico. </span></span></div>
<div style="color: black; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Así pues, entran en el estudio La Casa del Perro (Algeciras). En principio iban a grabar un disco totalmente instrumental, pero finalmente deciden ponerles letras a varios de los temas, que son casi improvisadas sobre la marcha, algo que no se aprecia oyendo el resultado. Cuando al fin sale el disco, que se llama Estampida de Trombones, se comprueba que el largo silencio desde su primer disco editado en 2001 no ha causado mella alguna en el potencial de Viaje a 800. Si con su primer disco fueron rápidamente catalogados como stoners esta defición ya se les quedaba bastante pequeña a estas alturas. Estampida de Trombones no es un disco nada comercial, pero tampoco es de una escucha necesariamente difícil, pero el hecho de que la mitad de sus temas sean instrumentales lo convierte en algo inusual dentro del panorama actual. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El disco se abre espectacularmente con "Los ángeles que hay en mi piel", corte hecho cuidadosamente hasta el ultimo detalle, muy bien producido y donde destaca desde un comienzo una base rítmica tan aplastante como sutil a la vez. Las guitarras zumban atronadoras y la voz va desgranando una letra de una crueldad pasmosa. Es un tema muy contundente que en sus momentos cumbres podríamos llegar perfectamente a calificar de heavy, aunque sin dejar por ello de tener un regusto del hard rock más potente de los 60/70. El segundo tema "El amor es un perro del infierno", corte también muy enérgico, incluso más rápido, es claramente heredero del hard rock de los 80 y 90 hecho por grupos como Mindfunk, Soundgarden o I Mother Earth. Aquí destacan las guitarras, creadoras de multitud matices eléctricos y otra vez una voz que no es especialmente virtuosa, pero que resulta perfecta para el sonido de Viaje a 800 y que supera con soltura la consabida dificultad de los grupos españoles para cantar en castellano. Sin duda este tema es otro de los platos fuertes del disco y termina por crear verdadera adicción. Llega a continuación "Dios Astrónomo", fabuloso instrumental hecho con precisión y donde vuelve a destacar la batería (sin dejar de ser apoyada por un buen trabajo de bajo). Por su parte, las guitarras van subiendo de intensidad más y más a través de los cambios de ritmo y las cadencias propias del rock progresivo más potente. A este instrumental se le une "Ossario", corte compuesto de más de tres minutos de atmosféricos efectos sonoros que aumentan, si cabe, la sensación pesadillesca y lúgubre que ya de por si transmite el disco. "Zé" es un trallazo punkarra y marciano que sale directamente de las fuentes desquiciadas de Melvins, otra de las referencias claves para el sonido de Viaje a 800 y que aquí se traduce en un tema brutal que corta repentinamente y sin piedad la atmósfera creada por los temas inmediatamente anteriores. Con "Luto" volvemos a sumergirnos en un rock mucho más denso, de infinidad de matices. Se trata de un gran instrumental donde se combinan guitarras acústicas y eléctricas, con un resultado repleto de lirismo y cierta sensación de tristeza que llega a emocionar. Quizás este sea el tema más personal de todos los incluidos en el disco y también el mayor ejemplo de la capacidad de expresión de Viaje a 800. "Patio Custodio" es nuevamente un instrumental, pero a diferencia del anterior es mucho más contundente y rápido, aquí la electricidad vuelve a llevar las riendas con un dúo de guitarristas que resulta excelente, lo son a lo largo de todo el disco, pero aquí es que se salen. Tras este espléndido instrumental llega el tema que da título al disco, "Estampida de trombones", una breve muestra de experimentalismo pseudo-electrónico cercano al rollo kraut rock y que ante todo transmite una fuerte sensación de misterio. Le toca el turno a otra de las joyas del disco, arrancando este artefacto llamado "Cabezas de Tugsteno" con una especie de diálogo entre las dos guitarras, pero pronto toda la banda entra al completo (nuevamente una base rítmica que suena realmente compacta) con un derroche de electricidad y unos riffs que harán feliz a los amantes del mejor rock. El final del corte es una sesión de tortura sónica que puede poner realmente nervioso, si ese era el objetivo lo cumplen de sobras. Cierra el disco el breve "Cancer Bahía", instrumental que emula la bosanova y que esencialmente es una peculiar broma macabra, perfecto colofón para un disco que tiene la muerte y cierta oscuridad de fondo como hilo conductor de todos sus temas. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> De esta manera, Estampidas de Trombones supone un regreso triunfal a la escena. Desde luego Internet ayuda mucho a que el grupo sea más conocido en nuestro país y el apoyo recibido por el público es mucho más contundente que cuando editaron su primer disco. También es, con mucho, la etapa más prolífica en cuanto a conciertos y participan en varios festivales: High Dimensión, Wizard y para nuestra alegría en el segundo Mentes de ácido. Debido a que se haya prácticamente agotado y que es muy demandado por el nuevo público que lo está conociendo Alone Records decide reeditar el Diablo Roto con cuatro temas extras: dos outtakes de las sesiones del disco y dos de los tres incluidos en el split con los Natas. Además se fabrica una versión en vinilo (también del Estampida de Trombones), todo ello con nueva cubierta y diseños, lo cual hará las delicias de muchos coleccionistas. </span></span></div>
<div style="color: black; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La situación de la siempre precaria escena del rock español ha cambiado mucho desde que Viaje a 800 iniciara su andadura. Como decimos, internet ha posibilitado una plataforma más o menos amplia para todos aquellos grupos que se salen del hard rock estandar, muchos de ellos con influencia de la psicodelia o el progresivo. También el público ha cambiado y las posibilidades de conocer de forma directa la música de estos grupos hace que dependan menos de los medios especializados, por tanto, grupos como Viaje a 800 salen beneficiados de esta nueva situación. Es evidente que su propuesta no puede gustar a todo el mundo, más aun si su música trasciende la noción de un rock hecho para pasar el rato y exige del oyente mucho por su parte, pero de pronto se han visto con un buen número de seguidores que aprecian lo que hacen y esperan más. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Sin embargo, cuando parece que vuelven a despegar con seguridad regresan los problemas, un día antes de participar en el segundo Grande Rock Festival (Cáceres) en verano de 2007, Antonio abandona la banda por cuestiones personales. Aun así los demás deciden tocar en formato trío, pero es evidente que los temas del nuevo disco se resienten de ello. Así pues, tras este nuevo palo deciden “descansar” una temporada. No obstante a comienzos de 2008 volvieron con fuerzas renovadas a los ensayos en formato de trío. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> David ha participó en la grabación del primer volumen de las Sesiones Ácidas (editadas por Mentes de Ácido Records) junto a músicos de Orthodox y Mater Dronic. Pero poco después decida abandonar Viaje a 800. El resto de la banda decide continuar e incorporan a Andrés "Papas", un batería curtido en cantidad de grupos de Algeciras.</span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Participan con esta formación en varios festivales, uno de ellos el Mentes de ácido IV celebrado en Madrid y donde dan un memorable recital presentando algunos de los nuevos temas (en versiónes no desarrolladas del todo) que van a figurar en el Coñac Oxigenado. La buena reacción del público es unánime. Aun así el grupo se mete en un proceso tortuoso que impide que tras grabar el disco éste salga inmediatamente. Una mezcla de disputas, mala suerte y otras cuestiones al parecer intrínsecas a Viaje a 800 hace que el tercer disco tarde más de dos años en ver la luz.</span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Ahora que la banda está en suspenso (cruzamos los dedos en que no sea definitivamente) los miembros del grupo han fundado nuevas bandas como </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">The Psychedelic Warlords, </span><a href="http://buenamuertetrio.bandcamp.com/" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Buenamuerte Trio</a><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> o </span><a href="http://www.myspace.com/mind_spacesound" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Mind!</a><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> y seguramente unos cuentos más.</span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Como afirmáramos más arriba, Coñac Oxigenado supone una despedida esplendorosa de la banda, y quizás por eso más pena nos da de que este grupo deje de existir. No obstante, si eso supone que podamos disfrutar de otros grupos nuevos igualmente grandes bienvenido sea, pero eso solo el tiempo lo dirá.</span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwYGqJwWiO5aKcOEwOsUufkwRKJeEKvs9P9hb6iOA_fl1I3kzDNU4Qi3RUhJsAWHpwA1i6zvm-Fr2S0xxNfdgcFCUUqEL_TrkEWleLT9bNpB5HEJi8_XPnD1ptTtdnvHIpdmtSlvCbY7g/s1600/viaje-a-800-co%C3%B1ac-oxigenado-2011.jpg" style="color: black; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwYGqJwWiO5aKcOEwOsUufkwRKJeEKvs9P9hb6iOA_fl1I3kzDNU4Qi3RUhJsAWHpwA1i6zvm-Fr2S0xxNfdgcFCUUqEL_TrkEWleLT9bNpB5HEJi8_XPnD1ptTtdnvHIpdmtSlvCbY7g/s1600/viaje-a-800-co%C3%B1ac-oxigenado-2011.jpg" /></a><span style="font-size: small;"><span style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-70521456578409084892012-05-27T02:56:00.001-07:002013-03-05T14:46:51.007-08:00Dossier Soul Bisontes. Cuando la psicodelia se hace poesía tóxica<div style="color: black;">
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<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Es un placer para nosotros ofreceros este completo dossier de una de nuestras bandas españolas favoritas. Sobretodo porque no lo hacemos en calidad de homenaje o mero recuerdo, pues aunque Soul Bisontes no está en activo en este momento su principal motor, Pablo Cobollo, continua desarrollando multitud de facetas que continúan el espíritu de este grupo mítico. </span><br />
<div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Queremos agradecer a Pablo el no haber dudado ni un momento en colaborar con nosotros y escribirnos un texto para Mentes de Ácido y no podemos quejarnos del resultado: En Órbita, un escrito en primera persona que ilustra perfectamente y con gran sentido del humor los casi quince años de historia del grupo. </span></div>
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<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Añadimos además a ese texto una reseña de todos los trabajos del grupo, con el complemento de algunas de las críticas que en su momento aparecieron en la prensa. </span></div>
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<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span><br />
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<a href="http://archivo-mentesdeacido.blogspot.com.es/2012/05/soul-bisontes-en-orbita-la-historia-de.html"><span style="font-size: large;"><b> En orbita: la historia de un proyecto sónico >></b></span></a></div>
<span style="font-size: large;"><br /></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><a href="http://archivo-mentesdeacido.blogspot.com.es/2012/05/soul-bisontes-discografia-completa.html" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Soul Bisontes (Discografía completa) >></a></b></span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVOnn0kJajV5JVVD7QyPzHt1WmwWOgYB3-NAOfcIbeeU1nMV05b3gz0Kd-bpcX210adVcdRxM36q83EzTiF6LmTbaI6sZoDu9ZpoZw-uDTqGueBToM4fyw1od3VoT0IyKU31B3Zu_ex9k/s1600/enorbita.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVOnn0kJajV5JVVD7QyPzHt1WmwWOgYB3-NAOfcIbeeU1nMV05b3gz0Kd-bpcX210adVcdRxM36q83EzTiF6LmTbaI6sZoDu9ZpoZw-uDTqGueBToM4fyw1od3VoT0IyKU31B3Zu_ex9k/s1600/enorbita.jpg" /></a></div>
<br />El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-29060984238826383182012-05-27T02:16:00.000-07:002013-03-05T14:52:06.440-08:00Soul Bisontes: en ÓRBITA. La historia de un proyecto de vida sónico<span style="color: black; font-size: small;"></span><br />
<div style="text-align: right;">
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><i><b><span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Un artículo de Pablo Cobollos</span></span></b></i></div>
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEdzDDc6PG6ODwHQhpcPugV9hcYEC5D5cuE0EXbTp6LCSP9ApsYYQukQKdFfx8lKjTjmJSJppSKlfZtzQNaQTugpdpLuFhBZiaBE4xImHzeVF771F4N7nEEj-3V8Tdl3DRDKsRQprY92s/s1600/foto13.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEdzDDc6PG6ODwHQhpcPugV9hcYEC5D5cuE0EXbTp6LCSP9ApsYYQukQKdFfx8lKjTjmJSJppSKlfZtzQNaQTugpdpLuFhBZiaBE4xImHzeVF771F4N7nEEj-3V8Tdl3DRDKsRQprY92s/s400/foto13.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span></span></div>
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</div>
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> “Mentes de Ácido” me ha pedido que haga una autobiografía a fondo de la banda. Mostraré, para todos vosotros, una serie de hechos, como yo los viví. La historia del grupo hasta hoy. </span></span><span style="color: black;"> </span><br />
<br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Corría el año 1983 cuando, a la edad de 16 almanaques porno, conocí a Titín G. Albuerne, (un campeonato de liga menor que yo). Antes de eso, nuestros primeros años de existencia en el barrio madrileño de Cuatro Vientos habían sido, supongo, similares a los que se podrían vivir en otros extrarradios semicutres en los años 70: veranos en las charcas, cabañas en los descampados, verbenas donde sonaban los éxitos del Rock & Roll y de la “Música Disco”; en fin, todo el tiempo callejeando y metiéndonos en mil líos. Crecimos, podría decirse, en un estado “semisalvaje”. El extrarradio es una especie de “no lugar”. A medio camino entre la ciudad y el campo (sobre todo en aquella época), es ambas cosas y a la vez no es ninguna de ellas. Es una suerte de tierra de nadie. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Y ese rasgo, me parece, caracterizaría bien lo que luego sería nuestra versión del rock. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> De ahí también, creo, nuestra querencia por fundir los aires camperos con los más tóxicamente urbanos. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Dedicarnos a tocar Rock & Roll era, además, una forma de seguir haciendo el gamberro, de divertirnos, y también, creo, de rebelarnos contra este biotopo zombi en el que todos “crecemos”, y al que aún hoy no logro (ni quiero) “adaptarme”. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Entre 1983 y 1987 nos dedicamos a ir a todos los conciertos de música rock, punk, y pop que nos fue posible. En mi caso, puede decirse que comencé como espontáneo: me subía a cantar a los escenarios, hasta que venía alguien, y me echaba de allí. Pero, además, solíamos aprovechar, Titín y yo, cualquier circunstancia para jugar a hacer música, [él aporreando cosas, y yo, a veces, ¡incluso hasta guitarras de verdad!]. Llegamos a improvisar, en alguna ocasión, hasta nueve horas seguidas, y claro, sin preparación académica, la cosa terminaba en muñecas destrozadas y manos sangrantes. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Maníacos, en definitiva, y punto. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La tardía eclosión en este país de lo que llamaban punk y new wave nos permitió [como creo que le sucedió a mucha gente], asumir que nosotros podíamos ser también “músicos” de rock, sin necesidad de tener ningún tipo de preparación técnica, teórica ó práctica alguna, o, al menos, muy poca. Sólo parecía hacer falta echarle morro, y ya está </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Así que en 1987 nos metimos en “serio” en un local, a darle al asunto. Nos hacíamos llamar Los Calambres, en honor a nuestros muy admirados The Cramps. Mi primera decepción fue cuando se nos unió un bajista. Es decir, por él me enteré de que lo que tocábamos “debía” reducirse, en cierto modo, a una cuestión matemática, aunque Titín y yo nos acompañábamos perfectamente en una especie de infinito y maleable “compás universal”, todo hay que decirlo. Desde ese momento, creo ahora, la verdad, nuestra música comenzó a degenerar o, lo que es igual, a tomar un rumbo más “normal”. Al menos aparentemente. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> A finales de ese año entramos a ensayar en los recién estrenados locales Carabox (próximos a las charcas de nuestra infancia). También cambiamos el nombre por el de Los Moscardones (1988), pero sin dejar de practicar un estilo psychobilly, shake y garajero de fuertes tintes psicóticos y suburbanos; siguiendo, sobre todo, la estela de Fuzztones, Miracle Workers, The Seeds, Bonzo Dog Band; y de todo lo que sonase a Rhythm & Blues insólito y ciclotrónico. Aquel verano grabaríamos “Viaje Salvaje”; primer tema que veíamos publicado gracias a Ángel Álvarez, incansable activista del underground madrileño. La cosa era para el recopilatorio “Hard On”, un EP en vinilo que compartimos con Freedom, Los Imposibles y School Death. Recuerdo que intentando grabar los coros nos entraba la risa tonta, sólo de vernos en un estudio. </span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVxBu2TGtDzXWmBUgEscReCeArBsjOhyphenhyphenCqM7pfokAeZHFhHd48PSEhFzq6w0aZYZ51OUgjXV5KTcEU0BQoNgIxHCYjJ6Fg3aueooKGjh35eDA31nnSKFDztvs4MSdo_x4QFfzHKqz9D7g/s1600/Foto6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVxBu2TGtDzXWmBUgEscReCeArBsjOhyphenhyphenCqM7pfokAeZHFhHd48PSEhFzq6w0aZYZ51OUgjXV5KTcEU0BQoNgIxHCYjJ6Fg3aueooKGjh35eDA31nnSKFDztvs4MSdo_x4QFfzHKqz9D7g/s400/Foto6.jpg" width="273" /></a></div>
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<i><span style="color: black; font-size: x-small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Concierto de los Moscardones, 1989, para la presentación del Ep “Hard on” </span></span></i></div>
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Así, empezamos a dar los primeros conciertos en Clubs de dudosa reputación; e incluso tocamos en una Escuela Taller de Cantería, en la que todos los miembros del grupo, exceptuando a David G. Bonacho (organista), entre otras cosas, picábamos piedra. Nuestro bajista era Javier Barroso que venía de tocar con Los Aristogatos, un grupo de rockabilly boggie. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Hace poco volví a ver la videograbación de ese concierto y, una de dos, o éramos aún más malos tocando de lo que recordaba, o es que la vil estricnina causaba estragos en nuestros ya de por sí castigados neurotransmisores, [aunque ciertas aficiones tóxicas nunca serían, la verdad, compartidas por todos los integrantes del proyecto]. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El año que pasamos en aquel lugar, dejado de la mano de la sensatez, donde se daban cita los personajes más absolutamente inverosímiles que (en estado de vigilia) yo jamás haya visto juntos, [parecían sacados de un tebeo de Daniel Clowes; en versión mutante de Casa de Campo madrileña, claro], nos marcó, en resumen. Yo me encontraba como pez en el agua. Y nos dejó, aquél sitio, vibraciones <<cavernícolas>>, cósmicas, de “gazpacho lisérgico”, vamos, (aunque daba igual consumir desinhibidores de serotonina o no, la verdad) para siglos de inspiración. Así fue. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El caso es que a finales de ese año picapedrero, y a pesar de que yo había adquirido en 1987 un órgano Farfisa, la mitad del tiempo éramos un trío, (aunque a veces Nacho Laguna colaboraba a la guitarra). Y, como tal trío, grabamos “Retorno a las Cavernas” y “El Hombre de Sal”, canciones que playbackeamos por la tve2, en 1990, en el programa “Cajón de Sastre”. La teleprisión, es verdad, sirve para abrirse camino en el mundo del pop, [eso dicen, al menos]. A mí personalmente me ha servido, entre otras cosas, sobre todo, para tener unos “educadores” de juguete, bidimensionales. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Y Soul Bisontes no fue sino una prolongación de todo lo anterior, [el nombre lo elegimos por devoción a cierto tipo de música norteamericana (Blues, Doo Bop, Funk, es decir: <<Soul>>, en una palabra) , y por estar abducidos por las canciones de Buffalo Springfield. Y por sonarnos guay, claro]. Aunque, también, el grupo nació con un planteamiento renovado fruto de la incursión, más a fondo, que Titín y yo comenzamos a hacer en la historia del Rock Ácido Californiano, y, principalmente, en la música de The Doors (aún hoy, y tras cientos de escuchas, me siguen pareciendo, inexplicablemente, un grupo del futuro). Hay grupos que le vuelven a uno idiota; lo cual no está mal. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tremendamente permeables, en Carabox conocimos a muchos músicos cuyo contacto (improvisábamos juntos) nos intoxicó y enriqueció: Trifide::Freud, Demonios Tus Ojos, Usura; y otros de diversas tendencias algo más “alejadas” del Rock (Jazz, Música árabe, Calypso, Tex-mex, etc.). Igualmente, conocer a Javier Corcobado y a los hermanos Colis supuso otra influencia importante. Al mezclarse con nuestros ascendientes “sixties”, estos referentes produjeron, creo, un sonido, por suerte, libre y descarriado. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Pero otra influencia, para mí muy importante, aunque no tan evidente, es la de las bandas sonoras de las películas. Esta última aficción, compartida por David G. B., junto a la de The Doors, hacían de él el teclista (y violinista) ideal para el proyecto bisontesco. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Dejar siquiera una mínima constancia de los grupos y los músicos que a lo largo de nuestra vida y obra nos han marcado, sería algo desproporcionado. No obstante, diré que cuando un grupo ha de buscar su propio sonido, se ve obligado a elegir un determinado camino del que debe “excluir”, en principio, parte de sus gustos. Esa es, al menos, mi experiencia. Como compositor, sin embargo, nunca me conformé con la idea de que todos mis gustos musicales (y los del resto de la banda) no quedasen, de una u otra forma, reflejados en las canciones. El problema, entonces, es que te pueden salir varios temas de varios estilos, pero no un estilo propio. Y precisamente eso que llaman rock psicodélico y / o progresivo resuelve, creo, la cuestión. Se trata de géneros tan radicalmente abiertos que permiten ser traicionados sin salirte de ellos. Su planeta pertenece, en mi opinión, a esa especie de misticismo sonoro, psicótico, global, en el que pueden fluctuar todas las realidades. </span></span></div>
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvJdbz9MqZnR2HuBnr9loVIkjZlf_rLHPTLAidCNAw7ASjhOD4dIu9h0zy5ThzCA0Tsck3exWEtTrkcTrTEAmhcC7KehuUtihFhfV-3C0baVeEB2GT56z-qwDGt1X_RKVUhlNvw56G84A/s1600/foto1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="408" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvJdbz9MqZnR2HuBnr9loVIkjZlf_rLHPTLAidCNAw7ASjhOD4dIu9h0zy5ThzCA0Tsck3exWEtTrkcTrTEAmhcC7KehuUtihFhfV-3C0baVeEB2GT56z-qwDGt1X_RKVUhlNvw56G84A/s640/foto1.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvJdbz9MqZnR2HuBnr9loVIkjZlf_rLHPTLAidCNAw7ASjhOD4dIu9h0zy5ThzCA0Tsck3exWEtTrkcTrTEAmhcC7KehuUtihFhfV-3C0baVeEB2GT56z-qwDGt1X_RKVUhlNvw56G84A/s1600/foto1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;"><i><span style="color: black;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">De izquierda a derecha: D. G. Bonacho, T. G. Albuerne, P. Cobollo, J. Barroso, en 1991. </span></span></i></span></div>
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Los textos de las canciones </span></span><br />
<br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En cuanto a los textos de las canciones, dependen de lo que me apetezca en el momento. Las más de las veces los concibo —al igual que la música— como “máquinas de goce”. Incluso cuando son, me parece, más claramente subversivos. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Sólo añadiré que el significado real de un verso como: “el sol se hace un zapato con un río” es tan absolutamente enigmático como pueda serlo el significado de la frase: “el árbol es un vegetal”. Y quizá ésta última sea, aún, más inescrutable. Quizá, también, igual de idiota o de fascinante. En buena medida se trata de un asunto de fe, de la percepción que se tenga del mundo o del grado de confusión mental de cada uno. La diferencia principal es que la segunda frase está, en su ambiente habitual, al servicio de la opresión, y, la primera, de la libertad. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> ...y la historia continúa </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En 1991, Soul Bisontes ofreció gran número de conciertos, gestándose el auténtico directo del grupo. Nos echábamos muchas veces a la carretera con el mueble Farfisa atado a la baca de nuestro viejo R-12 ranchera, jugándonos el tipo en mitad de nieblas nocturnas y diluvios morrocotudos (que nos convertían en hombres-topo), para recorrer el país actuando y viajando de aquí para allá. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Fue entonces cuando comenzamos a dedicar un espacio en cada actuación para la improvisación, aderezándola con los surrealistas cortometrajes en Super-8 que David G. B., Nacho L., y un servidor, realizábamos. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Después, ya en 1992, y de la mano del esclarecido e inconmensurable aventurero Hipólito de la Rosa y de su fanzine Clan Orate, apareció “Corazón Veloz”, nuestro primer EP en vinilo, en el que Albertín Sobórnez nos echaba un cable, repleto de feeling, al bajo. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Aunque prosiguió colaborando en alguna que otra grabación con su violín, en1993 David G. B. tuvo que dejar el grupo. Pero en la emisora independiente de Radio Vallekas, donde Titín y yo regurgitábamos una hora semanal de free rock y de otros contenidos alienígenas, conocimos a Gregorio Karman (ex-guitarrista de Insanity Waves, banda grunge), quién decidió unirse a la banda como nuevo funambulista de las teclas. Fue, ésa también, una época sumamente intensa en la que gozábamos de largas sesiones improvisatorias privadas y públicas; llegando a ofrecer conciertos enteramente improvisados (algunas veces sin bajista) y en estados de conciencia inducidos unas veces por sustancias psicoactivas ilegales, y, otras, por la propia musicalidad que salía de los instrumentos. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En uno de esos conciertos [en Leganés fue, pero no recuerdo el nombre de la sala], y con uno de nuestros bajistas eventuales: Mario (no recuerdo el apellido) —amigo del barrio y karateka amateur—, terminamos la actuación con un “caos retórico” al uso. Similar al que tan bien llevasen a la cima sus epígonos, The Who. El problema es que el buen Mario aún no estaba muy ducho en estas cuestiones, puramente escenográficas [no “reales”], y, en el paroxismo de la “anarquía”, le asestó una marcial patada a su imitación de Rickenbacker. El instrumento atravesó el escenario volando e hizo diana en mi cabeza. Alguien diría, más tarde, que del impacto vio salir chispas, y aunque eso es improbable lo cierto es que yo acabe en el hospital. Y allí recibí mi pequeña dosis de radioactividad, ya sabéis. En resumen, en el escenario había sangre, y esa noche vendimos todas las maquetas. </span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUMbzwUIN0zLEd3gYrIueIqdOROCYJmqd5ox_xvVwUtthq1NzOVFcsA4XRfD4NnmDlFJ2JhidFx-orGWKIXjfIPOpQKMyKqNy0cZqLGjjZVlf0nmG207cAy5U3hmlf4N9HjRzLVNE4iEE/s1600/Foto7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUMbzwUIN0zLEd3gYrIueIqdOROCYJmqd5ox_xvVwUtthq1NzOVFcsA4XRfD4NnmDlFJ2JhidFx-orGWKIXjfIPOpQKMyKqNy0cZqLGjjZVlf0nmG207cAy5U3hmlf4N9HjRzLVNE4iEE/s640/Foto7.jpg" width="419" /></a></div>
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<span style="font-size: x-small;"><i><span style="color: black;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">1993. G. Karman </span></span></i></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi6kFQ54thw_uqxR6rpR-ArQUTNV-xgvg7lGKuNqUqytQ4CznpQEiZFmzxaqDUlV482aQ6Mz-J8rGzmw2eOp35s3XAFdm9VIpknLp1Sev_h7QRYzVof-xb9uDhgU2dYGle6rVjXRoRAYk/s1600/Foto5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi6kFQ54thw_uqxR6rpR-ArQUTNV-xgvg7lGKuNqUqytQ4CznpQEiZFmzxaqDUlV482aQ6Mz-J8rGzmw2eOp35s3XAFdm9VIpknLp1Sev_h7QRYzVof-xb9uDhgU2dYGle6rVjXRoRAYk/s1600/Foto5.jpg" /></a></div>
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<i><span style="color: black; font-size: x-small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">1993. P. Cobollo, T. G. Albuerne, G. Karman </span></span></i></div>
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<br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Fruto de esta época es el primer LP en vinilo de Soul Bisontes: “Vértigo Peninsular” (1994). Su sonido es sumamente lírico y “atmosférico”, creo, si se compara con la “violencia” de muchos de los directos de aquel momento. Y, aunque hay algún tema frenético, en buena medida eso lo quisimos así. Durante las mezclas, y en alguna canción, mis indicaciones a Julián Cabezas (técnico del estudio) eran: “hagamos que las líneas de moogs y teclados traduzcan las perspectivas espaciales de M. C. Escher”, o,“quiero que cuando se escuche esto el aire huela a mierda de toro”, y otras sugerencias por el estilo. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Para este disco, recogido en un 8 pistas analógico, se grabaron 17 temas en directo en el estudio [exceptuando la voz, los violines, los moogs, el banjo y el acordeón], de los cuales Murky López y Eva Solex eligieron 14 canciones, y todos tan contentos. Alehop! fue, a partir de entonces, el sello con el que nos identificaríamos debido a su actitud de espíritus libres, y a su absoluta honradez a la hora de apostar por aquello en lo que “nadie” cree. [Y por habernos fichado a nosotros, claro.] </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> De aquella grabación quiero contaros algo más. Cuando David G. B. grababa su arreglo de violín en “Otoño mal calculado” (inundando el silencio nocturno del estudio de melancólicas notas), yo tuve que ir un instante al retrete, bastante alejado de la pecera, pero hasta donde llegaba, lánguida, la desconsolada música. Así, y mientras aliviaba la vejiga, pude escuchar, por el ventanuco, a un gato. Maullaba. ¡Y lo hacia al son de la melodía!. Callaba, cuando David lo hacía, y recomenzaba, siempre al unísono, y afinando [más que un servidor, por aquel entonces, si os acordáis]. Viejo aristogato vallecano. Fui a contarlo a todos los presentes. Lastima que no disponíamos de una grabadora de mano, y el retrete estaba tan lejos que no llegaba ningún cable. De no ser así, aquel gato espontáneo habría figurado en los créditos. Os lo aseguro. </span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqJUq7SlsaSYYWORRyDIZ2UFRo6UyNk3QspBx2uFmqlGrALUqm-ZWORLE_XgjCUL6jHo41cG3QcqHIk3HyjJ3nNloBwlI36RqkNZ3pfisdOCvm9GcFRR2kxAY0UbgCcUdyc6S4jawsm6M/s1600/foto4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="451" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqJUq7SlsaSYYWORRyDIZ2UFRo6UyNk3QspBx2uFmqlGrALUqm-ZWORLE_XgjCUL6jHo41cG3QcqHIk3HyjJ3nNloBwlI36RqkNZ3pfisdOCvm9GcFRR2kxAY0UbgCcUdyc6S4jawsm6M/s640/foto4.jpg" width="640" /></a><span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><i><span style="font-size: x-small;">1994. G. Karman, A. Sobórnez, T. G. Albuerne, P. Cobollo. Esta es la formación que grabó Vertigo peninsular</span></i>. </span></span><br />
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En esos primeros años Soul Bisontes llegó a un público minoritario, pero, eso sí, tremendamente entregado y fiel. En este país, un grupo de nuestras características siempre lo ha tenido muy difícil para salir de las catacumbas de la marginalidad, cosa que a mí sigue sin preocuparme, [al menos no demasiado]. Lo que quiero decir es que siempre hicimos la música que nos dio la gana, lo cual ya de por sí es un lujo y un éxito. Y, si en mi caso, quizá tuve que sacrificar algo, eso no supuso realmente un sacrificio, pues fue por propia elección. Aunque, elegir entre no asesinar tus sueños o convertirte en un muerto viviente no es mucha heroicidad, creo. Por otro lado, rechazo el mito de que exista algo así como una música “autentica” frente a alguna otra que no lo sea. Esto es ridículo. Toda la música es lo mismo. Sonidos en el aire. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En fin, el caso es que la enorme entrega que dedicábamos al proyecto no cubría suficientemente las expectativas de “todos” los miembros del grupo, razón (una entre muchas) que contribuyó durante los dos años siguientes al paulatino desgaste de la cohesión interna de la banda. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Aún así, en 1995, (e incorporado Juan Moreno al bajo desde un año antes), David G. B. volvería a la formación para grabar el último disco de ese primer período de Soul Bisontes. El resultado fue el CD “La Alcantarilla del Paraíso”; que cosechó en agosto, nada más aterrizar en Madrid desde el festival de Serie-B de Pradejón [único festival extra-comunitario en el que el grupo ha participado hasta la fecha] , y tras su publicación, en 1996, la banda se tomó unas muy largas, largas, vacaciones. </span></span><br />
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span></span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1N9HiY1zocZ_qNhdZJCwW1JEV9LCaW3cM5mR4-OmguepNtb9vixIk9eOVnroSB4AqYUP0QSsQGc2xguPYyRJM4EyyHqdNzP_M1SNWKBGsY08wFlLGcEk-P3s2_TmdbeY6r3j-tZubBsQ/s1600/Foto9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1N9HiY1zocZ_qNhdZJCwW1JEV9LCaW3cM5mR4-OmguepNtb9vixIk9eOVnroSB4AqYUP0QSsQGc2xguPYyRJM4EyyHqdNzP_M1SNWKBGsY08wFlLGcEk-P3s2_TmdbeY6r3j-tZubBsQ/s1600/Foto9.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">1996. Banda que grabó La Alcantarilla del paraiso</span></span>.<br />
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span></span></div>
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<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Y la historia no terminó ahí. La etapa anterior representó sólo el prólogo de esta historia de vida sónica. Después de dedicarme a hacer cosas en solitario: cortometrajes, música, poesía, [esporádicas actuaciones en universidades, psiquiátricos, asociaciones de empaquetadores de bombillas, etc.]. Con un renovado, extenso y muy cincelado repertorio, en el año 2003 volví a formar Soul Bisontes, con nuevos y aguerridos músicos: Iván Rodríguez, Mick Jiménez, y Nacho Álvaro. Con quienes, después de pasar ese año tocando en directo, se grabó el EP “Magia Cotidiana”, una vez más bajo los auspicios del sello Alehop!. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Con todo, y como esto es la historia de nunca acabar, Titín G. Albuerne regresó, en 2004, otra vez a la banda equipado del fiscorno y los tambores. Sin embargo, tras un año de conciertos y una grabación de cinco canciones [cuatro aún inéditas] tuvo que dejar de tocar en los actuales Soul Bisontes por razones ajenas a su voluntad, ocupándose ahora en su tiempo libre de aspectos oficinescos. </span></span><br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Por mi parte, hoy sigo viviendo en el extrarradio, en tierra de nadie, al igual que la música de Soul Bisontes, que en estos momentos está más viva que nunca, gracias a Jorge Rockabrut [bajista, —viejo colega ex-picapiedra, procedente de la escena garajera], y a Miguel Rey [sintetizador analógico Crumar y piano. Profesor de física cuántica. Y pianista en Urban Freaks, donde le pega al “free jazz”], y a Daniel Bataller [curtido baterista que, tras unos años tocando rock en EE.UU., vuelve recientemente a Madrid y se incorpora en estos momentos a la banda], y, obviamente, al que suscribe, encargado de la guitarra, el canturreo y las letras de las canciones. Para mí la mejor formación y el mejor repertorio de la banda hasta la fecha. </span></span><br />
<br />
<span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> ¡GOOD VIBRATIONS para todas las mentes desabrochadas y ácidas! </span></span></div>
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<b><i><span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Madrid, 19 de septiembre de 2005 </span></span></i></b></div>
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<span style="color: black; font-size: x-small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><i>Este artículo puede ser reproducido libremente siempre sin ánimo de lucro y cintando autor y fuente.</i></span></span><b><i><span style="color: black; font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span></span></i></b></div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-57497706000791382252012-05-26T18:13:00.002-07:002013-03-05T14:51:16.653-08:00Soul Bisontes (Discografía completa)<br />
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<span style="font-size: small;"><i><b>Artículo de Antonio Ramírez</b></i></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Os ofrecemos aquí la reseña de todos los trabajos editados por Soul Bisontes hasta la fecha, completadas con críticas de los medios en el momento de editarse cada disco. </span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Kx_PQCD2uVdOcaFqtLHbuHOzrcAj3POE3J4no01UoaM0u_gRd-GUzE7WoaIxbbKw99TwUuxlcD3AJxsp4YgFv7QjBXM55Xl1PIS4IIdSat62hkjcy1MBBkT5pAB-8x-q-j2MUXgongY/s1600/corazon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Kx_PQCD2uVdOcaFqtLHbuHOzrcAj3POE3J4no01UoaM0u_gRd-GUzE7WoaIxbbKw99TwUuxlcD3AJxsp4YgFv7QjBXM55Xl1PIS4IIdSat62hkjcy1MBBkT5pAB-8x-q-j2MUXgongY/s1600/corazon.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-size: large;"><b>Corazón Veloz</b></span></span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tintín García: Batería y voces </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> David G. Bonacho: Farfisa y grito. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Alberto Sobórnez: Bajo </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Pablo Cobollo: Voz, guitarra y armónica. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> [EP vinilo, Zumbido / Clan Orate 1992]: “Retorno a las Cavernas”, “El Vagabundo (era yo)”, “Puñales de Amor”, “Corazón Veloz”. [música y letras de P. Cobollo]. Grabado en Estudios Demo. Producción: Soul Bisontes y Tores. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Ante todo, habría que señalar cuanto se nota que la banda estaba todavía buscando su sonido cuando grabaron este EP. Pero aun así ya pueden apreciarse muchas de las características que harían de Soul bisontes un grupo tan especial, destacando entre ellas las letras surrealistas y ebocadoras, intensamente poéticas y sardónicas a la vez. Musicalmente nos adelantan también muchos de los ingredientes de trabajos más maduros: psicodelia garagera en forma de canciones rebosantes de Farfisa, punzantes guitarras y ritmos cambiantes, cierto aire circense e impredecible. Aquí se nota una tendencia sin duda mucho más beat, pero siempre pasada por el filtro de un “punk” alucinado, más natural que militante, tal y como unos Flechazos que hubieran caido en las redes de la psilobicina y la mala leche. Aun siendo un trabajo practicamente autoeditado y que se ha hecho con pocos medios, la producción no es demasiada mala. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Las cuatro canciones que componen Corazón Veloz son lo suficientemente interesantes como para tenerlas a todas en cuenta, pero entre ellas destacaré la que da titulo al EP: “Corazón veloz”. Seguramente sea este tema el que más se acerque al sonido posterior de Soul Bisontes: tóxica a la vez que lírica. Además de ser el tema más guitarrero y psicodélico de la selección, muestra también cierto tono melancólico y mágico que lo hace irresistible. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En suma, un disco logicamente más irregular que los que llegarán despues, que quizás no guste a todo el mundo -y eso es normal tratándose de Soul Bisontes, un grupo extremadamente personal- pero que es imprescindible para entender la posterior evolución del grupo. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> * * * * * * * * * </span></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Críticas de prensa.</b> “Con sólo un año de funcionamiento, los Soul Bisontes demuestran tener algo que es hoy frecuente echar de menos en los grupos nacionales: personalidad. (..) inconfundible sello <<cosmicodélico>> que les proporciona su máximo atractivo.>>[ Manuel L., Ruta 66. septiembre 1992]. ** “Con garantías punk, psicodélicas o sixties, Soul Bisontes ofrecen una de las más interesantes proposiciones del beat recalcitrante, cantado en castellano.” [Jon Landau. Diario Deia, Euskadi, 1992-08-21] </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">_______________________________________________________________________ </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnXFye85_TlAicoqncNba9_M_UP5GCNjXAjHG7i1KTKG3FXIZXUaMpi820VXk5lyWI5n1xGw_IDy1hthwb8AXrRcKlBXLYGIMa5jp2gN8-2OFmynhDmupCSyamdQuC1SgZh0A5ayJN4pM/s1600/vertigo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnXFye85_TlAicoqncNba9_M_UP5GCNjXAjHG7i1KTKG3FXIZXUaMpi820VXk5lyWI5n1xGw_IDy1hthwb8AXrRcKlBXLYGIMa5jp2gN8-2OFmynhDmupCSyamdQuC1SgZh0A5ayJN4pM/s1600/vertigo.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span></span></div>
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<b><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Vértigo Peninsular</span></span></b></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Titín Garcia: Batería y voces. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Gregorio Karman: Farfisa y piano </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Albertín Sobornez: Bajo </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> David G. Bonacho: Violín. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Pablo Cobollo: Voz, guitarra, banjo y armónica </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> [LP, Alehop! 1994]: “El Telescopio de Jeremías”, “Los Sonidos de la Charca” “T.V. Rota”, “Muchacho Violeta”,”El Moscardón”, “Nadie nace domesticado”, “Vértigo Peninsular”, “Todas las tardes”, “El Autoestopista”, “Lluvia de soles”, “Otoño mal calculado”, “1976 (La banda de los Perros Eléctricos)”, “Agua Fuera de Casa”, “Ojo de Pez de Vecindario”. [música y letras de P. Cobollo, excepto “Vértigo Peninsular”, música de G. G. Karman, T. G. Albuerne, P. Cobollo, y “Agua fuera de casa”: letra de J. P. Corcobado] Grabado en los estudios Gates. Producción: Soul Bisontes, P. Cobollo y Julián Cabezas. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Este es el primer largo de soul Bisontes y la evolución respecto a Corazón Veloz es más que evidente. Con solo una primera escucha se percibe que estamos ante algo diferente a cuanto hay en la escena musical -la de ese momento y la de ahora-. Vertigo peninsular no es solo un gran disco, es con seguridad una de las pocas muestras de psicodelia realmente original hechas en nuestro pais, ya que con este disco depuraron el sonido al máximo hasta llegar a un estilo extremedamente personal e inimitable. Claro, las influencias están ahí: garage, algo de rock progresivo, cierto sonido indentificable a los Doors más coloristas, todo pasado por un inevitable aire castizo -debido , entre otras cosas, a la peculiar voz de Cobollo-. Toda esa amalgama se transmuta en Soul Bisontes. Las letras son imprescindibles para entender este carácter tan personal. Por esa época -mediados de los noventa- hay una de proliferación de grupos que echan mano de un cierto surrealismo para escribir sus temas: Corcobado -que de hecho colabora en la letra de “Agua fuera de casa”, incluido en este disco-, 713 amor, Virgenes adolescentes, etc. Pero mi opinión es que, a diferencia de los otros, Soul Bisontes no lo hace en un sentido tan mórbido y oscuro, ni caen en cierta pose malditista que al final puede ser tan superficial, o más, que la de otros grupos más convencionales. Para Soul Bisontes, el surrealismo y la poeticidad de las imágenes, absurdas pero provistas de una lógica misteriosa, llenas de conexiones e iluminaciones imprevistas, se ponen al servicio de una lírica ciertamente meláncolica, del canto al desamor, de la expresión de la alienación, de la nostalgia por la libertad, pero siempre de una forma que se percibe sincera, que pone toda la carne en el asador. Así pues, las letras de Pablo Cobollo son verdadera poesía, aunque eso no quiere decir que sean inofensivas o meramente introspectivas, en su mayoría son de un talante claramente toxico, subversivas como lo puedan ser la mejor poesía surrealista. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Todos los temas son destacables, aun así nos referiremos aquí a algunos de ellos: </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Se abre el disco con “El telescopio de Jeremías”, quizás el corte más contundente y ácido del disco, donde destaca desde un principio la guitarra de Cobollo, que con temas como éste demuestra que toca la guitarra estupendamente, aunque nunca tienda a excederse más de lo que considera necesario. Además, la letra es preciosa en su sencillez, como el dibujo de un libro infantil que fuera plasmado con trazos expresionistas y agresivos -en este caso riffs y punteos de guitarra-. Temas como estos son de los que no se olvidan. “Los sonidos de la Charca”, segundo corte, es un canto a la infancia perdida de intensa melancolía, con la que se podría sentir identificado cualquiera que haya crecido en un barrio del extra-radio. El Farfisa, omnipresente, se entrecruza con la guitarra, construyendo un tema que es realmente delicioso y alucinatorio. “El moscardon”, un tema que con marcada ironía hace refencia a la época de Los Moscardones (pre-Soul Bisontes). Es el más marchoso del disco, hasta con cierto aire funky por momentos. “Nadie nace domesticado” es una fabulosa canción, de una tremenda fuerza lírica, donde además hace aparición el violín de David G. Bonacho, que aporta profundidad al sonido. Una pena que no colabore mucho más en este disco. “Todas las tardes”, tema irresistible, sobretodo apoyado en el organo de Karman, que se marca una tortuosa e imparable melodía. Fenomenal también el solo de guitarra. “1976 (La banda de los perros eléctricos)”, tema muy rockero, con una letra que dice cosas como: “1976, usabámos gafas y llevábamos navaja. 1976, año lleno de magia y acción” , mientras suena una guitarra incansable. Gran tema, para un disco aun más grande, que en vinilo me temo ya es muy dificl de encontrar, pero que puedes encontrar facilamente en el CD recopilatorio editado por Zumbido record que detallamos más abajo (que incluye también el EP Corazón Veloz y temas raros o inéditos).</span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> * * * * * * * * * </span></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Críticas de prensa.</b> “(Con su primer disco grande): catorce temas propios [uno con letra de Corcobado] Soul Bisontes han conseguido un sonido personal que ellos definen como “charca sound”, un pop tanto cósmico como campestre.>> [L. Mario Quintana, Guía de Segovia].</span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> “Compra el disco y verás lo que es ser sencillo y complicado a la vez. Es el debut más impactante del 94 en cuanto a música española se refiere.” [PIN, Espiral] </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">_______________________________________________________________________ </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLTztng0_N5E7Gru_IJh27i31PVk3Y0t0tdtIu5CEhtYhHT_BQ0JL9ObLKaQe2IjOgvrvdX9fmYOPGypRT-ugk39lPuI7tw1WKluATHscdIozhcwGLSUtMgGP0nfAZPKZF8rEvIRTEEw0/s1600/alcantarilla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLTztng0_N5E7Gru_IJh27i31PVk3Y0t0tdtIu5CEhtYhHT_BQ0JL9ObLKaQe2IjOgvrvdX9fmYOPGypRT-ugk39lPuI7tw1WKluATHscdIozhcwGLSUtMgGP0nfAZPKZF8rEvIRTEEw0/s1600/alcantarilla.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: large;"><b><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">La Alcantarilla del Paraíso</span></b></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Juan Moreno: Bajo </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Titín García: Batería y percusión </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> David G. Bonacho. Violín y órgano </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Pablo Cobollo: Guitarra y voz </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> [CD, Alehop! 1996]: “Yo te quiero”, “Viaje”, “Amapolas Eléctricas”, “Escupiendo amor”, “Lluvia de Hertzios”, “Hombre Televisión”, “Silbando a los muertos”, “Mentes Desabrochadas”, “Árboles, Bujías y Chicle”, “Muchacha de ojos tristes”, “Narcosis Lunar”, “El viento y las tormentas no son lo que parecen”, “Viernes”. [música y letras: P. Cobollo]. Grabado en los estudios Rock Soul. Producción: Carlos Torero y Pablo Cobollo. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Con La alcantarilla del Paraiso Soul Bisontes da un salto aun mayor en cuanto a calidad, personalidad y libertad en el planteamiento de su música, consolidándose más, si cabe, como uno de los grupos más originales que ha visto este país. Continuan la misma trayectoria apuntada en Vertigo Peninsular, pero elevada a la décima potencia. Profundizan aun más en lo psicodélico, mostrando más cercanía todavía al rock ácido de los 60 de grupos como The doors, Spirit o Love, pero siempre con un sello tan personal que se hace dificil encasillarlos en un estilo determinado. Por lo cual, este disco es una constante sorpresa, una aventura sónica, que nos lleva verdaderamente a “tierra de nadie”, tal y como nos dice Cobollo en su texto En Órbita, incluido en este dossier. Cada tema es una puerta a un ricón perdido en la cabeza de Cobollo, que parece repleta de humor negro e intensas imagenes alucinatorias, pero también de fuertes emociones y un sentido poético admirable que sabe expresarse a muy diferentes niveles. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La calidad de los músicos es patente y logran sonar realmente compactos, Juan Moreno y Titín García forman una base rítmica más que efectiva, dado los constantes ritmos de las canciones. Bonacho reparte con más generosidad su violín por todo el disco, además toca el órgano de maravilla. Y Cobollo toca la guitarra como quiere, además de cantar mucho mejor. Todo esto permite canciones más desarrolladas y plasmadas con mucho más soltura, todo para el disfrute del que ha sabido caer en las garras de este grupo y su poesía tóxica. Este disco es mucho más rockero que el anterior, con mucha más presencia de la guitarra y de tempo mucho más acelerado en general. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Si en Vertigo Peninsular se hacía dificil destacar un tema sobre otro, en este disco lo es aun más: </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El disco se abre con “Yo te quiero” canción de amor con tintes psicóticos y obsesivos : “ ...Como la sangre de mis manos, pinta las guitarras, asi yo te quiero”. De un sonido muy ácido, con grandes cambios ritmos, el órgano de Bonacho y la guitarra dan un recital al final del tema. Despues llega “Hombre televisión” tema muy rápido, con una estupenda batería y percusión, una canción bastante potente y que demuestra hasta que punto estan compenetrados. “Viaje”, cuarto corte, muy psicodélico, más tranquilo que los anteriores y con una sección central fabulosa, realmente extraordinario este tema. “Silbando a los muertos”, otro tema muy movido y más garagero, con una letra genial. Es una canción fuertemente adictiva que se meterá en tu cabeza sin darte cuenta. “Arboles, bujias y chicle”, quizás mi preferida de este disco, de un gran sentido del humor y seguramente el tema más tragicómico del conjunto, casi se ve uno al coyote y al correcaminos a toda velocidad, siempre sin descanso. Por si fuera poco, hacia el final, Cobollo nos regala un corto pero fabuloso solo de guitarra. ”Muchacha de ojos tristes” es un corte excepcional que abre con un violín que pone los pelos de punta, sin duda aquí se detecta una cercanía al rock progresivo, que une con “Narcosis lunar”, otro tema con mucho violín e igualmente de un desarrollo muy currado. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> * * * * * * * * * </span></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Críticas de prensa.</b> “(Para) definir el trabajo de esta indefinible banda madrileña, nada mejor que el título de uno de los temas de éste su segundo álbum: mentes desabrochadas. Practican la psicodelia, sí, pero dentro de una forma tan angustiosamente naif -valga la contradicción- que la trascienden; se entregan a excesos que terminan por enganchar. Con la imaginación arreglística que les caracteriza desarrollada a placer y con tiento, poseen ese punto de extrañeza y controlada experimentación que les hace únicos aún moviéndose dentro de las mencionadas coordenadas estilísticas, y sin duda las letras contribuyen poderosamente a esa sensación de fluida excentricidad, con su tono entre el surrealismo, la visión lisérgica y la poética de Lewis Carroll. Un cúmulo de sugerencias que precisan de varias escuchas para sacarles todo el jugo y deberían abrir las orejas de todos aquellos con ganas de probar manjares diferentes.” [ José Boix, Ruta 66. Mayo 1996 ]. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> “Amar a los Soul Bisontes es amar el rock and roll como a la vida misma. Reunen todo aquello por lo que esta música se hace querer. No lo dudes; discos como éste sólo se editan una vez en la historia.” [Manolo Contreras, Trajín, diario cultural de Valencia. 19 de abril de 1996]. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> “(...) cabeza le falta a Soul Bisontes para darse cuenta de que su psicodelia fusionera aburre más que hipnotiza.” [Xavier Cervantes, Rock de Lux, Mayo 1996. (Sobre una actuación en un festival Alehop! en Barcelona, donde se presentaba el CD). </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> “Por encima de cualquier calificativo lo primero que se puede decir de los madrileños Soul Bisontes es que son distintos, únicos y originales. Eso por encima de todo. Y ya sé que no es ésta una forma muy imaginativa de comenzar un artículo, pero si suele mencionarse casi siempre, ¿por qué no dejarlo claro cuando por una vez es totalmente cierto?. Aún admitiendo su conexión con el rock psicodélico, se hace difícil encontrar un reflejo anterior de tanta locura, surrealismo, elegancia, colorido y melodía.” [Marco Maril Pardo, Vibraciones Pop, n°20 , (Santiago de Compostela) abril de 1998] </span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3heCh4c37HoX9-iwtiilBXMKtEfbCVelHf-FSh9LyCZ_rPsYhb_n3veRPx9TWuDWhY8DmTFnPBom53pShbn53kUSCikNv1f3wAnLfE8kPUaaBjD4SAGKg-TopV7cbdO3FKjOV8TX4oGI/s1600/soulbisontesmoscardones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfv6-R8hiBT15St-dR6FdP8G-aA36Xoa-SUCDditvdxou3_4YEu7tVmrcXMtI9caabGIMl7xGBuXBiVYRWunv7JekZJ4CJLr2Dt6RPh668M0w-yzebGwjgfaq00z3pgEe3RcEjjdRkxNc/s1600/magia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfv6-R8hiBT15St-dR6FdP8G-aA36Xoa-SUCDditvdxou3_4YEu7tVmrcXMtI9caabGIMl7xGBuXBiVYRWunv7JekZJ4CJLr2Dt6RPh668M0w-yzebGwjgfaq00z3pgEe3RcEjjdRkxNc/s1600/magia.jpg" /></a></div>
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<b><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Magia Cotidiana</span></span></b></div>
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<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Ivan Rodriguez: Bajo y voces. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Micky Jimenez: Órgano, piano eléctrico y silbido </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Nacho Alvaro: Batería y percusión. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Pablo Cobollo: Guitarra , voz y armónica. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> [EP vinilo, Alehop! / Zumbido 2005]: “El Sabotaje de las Gominolas Parroquiales”, “QQQQK”, “Piloto”, “Magia Cotidiana”. [Música y letras de P. Cobollo]. Grabado en DGR Sónica. Producción: P. Cobollo y Ramón Moreira. [asistente: Jonston]. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras 9 años sin grabar, Soul Bisontes ha vuelto en 2005 con este EP en vinilo con cuatro estupendas canciones, y es de esperar que no vuelvan a tomarse un descanso porque sin duda han retomado su labor con renovado ímpetu. En este nuevo trabajo nos encontramos unos Soul Bisontes aun más tóxicos y rockeros, con una multiplicada acidez que se traduce en textos sensiblemente más hirientes y en un sonido mucho más psicótico y truculento. Por otro lado se nota una intención muy progresiva, se intuye que tras esta explosión psicodélica, ultra-garagera y hasta punk, hay un sonido bien medido y estudiado, pero que de sobra logra sonar espontáneamente. Como en trabajos anteriores, hay impredecibles vuelcos de estilos, intrincados cambios de ritmo, aunnque Cobollo escupe ahora sus letras con una actitud mucho más agresiva. El resultado de todo esto es un grupo que se mantiene como una propuesta de gran originalidad, todavía únicos, pero siempre sin caer en meros experimentos ni cediendo ante la electrónica. Por ello, aunque Soul Bisontes no hace una música para todos los gustos, al fin de cuentas habría que señalar que lo que Soul Bisontes hace es rock, psicodélico, raro e inclasificable, pero rock. Y propuestas como la suya son las que mantienen vivo este estilo. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Los cuatro temas son muy buenos. Se abre el EP con “El sabotaje de las gominolas parroquiales”, un corte que ilustra perfectamente este paso hacia un sonido más crudo y psicótico, literalmente tóxico. El órgano burbujeando por debajo de una manera que se me antoja “radioctiva”, la guitarra incansable en todo el tema; mientras, de vez en cuando, hace su entrada un saxo alucinado (cortesía de Juan Moreno) y el toque del fiscorno (a cargo de Titín García). “Piloto”, primer tema de la segunda cara es más cercano a la etapa de La alcantarilla... y muy progresivo, otro ejemplo de como Cobollo no se conforma con hacer temas lineales o facilones. Cierra el EP “Magia Cotidiana”, tema rebosante de humor negro y nuevamente de una gran acidez en el sonido, con una guitarra altamente saturada. El resultado es un canción que calificaría de onírica, o más aun, de pesadillesca. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Estos cuatro temas piden más, muchos más. Esperemos que el grupo se anime a registrar un largo dentro de poco y nos haga disfrutar otra vez con su inimitable psicodelia.</span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> * * * * * * * * * </span></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Críticas de prensa.</b> “Hace unos 7 u 8 años que ser fan de los Soul Bisontes era un orgullo, un vértigo peninsular. Regresan con este EP en vinilo y (como era de esperar) no han perdido nada de vigencia; si acaso algo más progresivos, pero son inmortales. Ningún otro en España ha asimilado el concepto de psicodelia de extrarradio de forma tan arrebatadora. (...) Cuatro canciones que son una mina de recursos.” [ F. Gegúndez, Ruta 66. septiembre 2005] </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">_______________________________________________________________________ </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3heCh4c37HoX9-iwtiilBXMKtEfbCVelHf-FSh9LyCZ_rPsYhb_n3veRPx9TWuDWhY8DmTFnPBom53pShbn53kUSCikNv1f3wAnLfE8kPUaaBjD4SAGKg-TopV7cbdO3FKjOV8TX4oGI/s1600/soulbisontesmoscardones.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3heCh4c37HoX9-iwtiilBXMKtEfbCVelHf-FSh9LyCZ_rPsYhb_n3veRPx9TWuDWhY8DmTFnPBom53pShbn53kUSCikNv1f3wAnLfE8kPUaaBjD4SAGKg-TopV7cbdO3FKjOV8TX4oGI/s1600/soulbisontesmoscardones.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br />
</a></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3heCh4c37HoX9-iwtiilBXMKtEfbCVelHf-FSh9LyCZ_rPsYhb_n3veRPx9TWuDWhY8DmTFnPBom53pShbn53kUSCikNv1f3wAnLfE8kPUaaBjD4SAGKg-TopV7cbdO3FKjOV8TX4oGI/s1600/soulbisontesmoscardones.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3heCh4c37HoX9-iwtiilBXMKtEfbCVelHf-FSh9LyCZ_rPsYhb_n3veRPx9TWuDWhY8DmTFnPBom53pShbn53kUSCikNv1f3wAnLfE8kPUaaBjD4SAGKg-TopV7cbdO3FKjOV8TX4oGI/s400/soulbisontesmoscardones.jpg" width="380" /></a></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /></span>
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<b><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Los moscardones / En órbita</span></span></b></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Zumbido (Doble CD) 2006 </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Zumbido pone en circulación este mágnífico doble CD con material inédito de un músico muy especial de la escena española: Pablo Cobollo. Son 39 temas en total que se reparten entre Soul Bisontes y el anterior proyecto de Cobollo: Los Moscardones. Todos son cortes extraidos de maquetas, con calidad de sonido variable y con material que como decimos nunca se ha publicado salvo por algunos cortes que son primeras versiones que después aparecieron en los discos con arreglos muy diferentes. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Toda la magia y el colorido de las composiciones de Pablo se hayan en estas grabaciones, incluso me atrevería a decir que de forma intensificada, en estado puro, ya que suenan con toda la espontaneidad y fuerza propias de las maquetas. Por descontado está también presente la poética de unas letras sublimes y surrealistas, donde la vida cotidiana se metamorfosea a través del poder de las palabras, desgranadas por una voz que para nada es virtuosa, pero que engancha y ya no podemos imaginar sonando de otra forma siendo Soul Bisontes lo que está en el aparato de musica. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El primer CD se dedica a Soul Bisontes, con 23 grabaciones que van desde 1992 hasta 2005. De ellas destaré unos cuantas. De la época más reciente (2005) está “En Órbita”, que es un potente rock con aire bastante macarra y con abundantes toques de un super órgano radioactivo. “Antes del Diluvio”, algo más lento pero muy guitarrero, que cuenta con un estribillo impresionante. También ”Levantador de Pesas” que es un tema francamente melancólico y triste, con una letra preciosa y una música circense que podría recordarte a los Doors más teatrales. “La Pequeña Mary” tiene también una atmósfera de puro rock ácido californiano de los 60, con una melodía estupenda y otra vez mucho órgano. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> De las sesiones del 2003 destacaría “Fuga del antemediridiano” gran corte con muchos cambios de ritmo y un buen trabajo de la base rítmica y la guitarra a lo largo de toda la canción, además de contar con una magnífica letra. “Transistor en el desierto” también presenta muchos cambios y una parte instrumental final muy conseguida. “Alice in Madrid” es un blues bien ejecutado y una letra que parece un ajuste de cuentas con una mujer. A partir de la mitad entra una soberbia guitarra y lo que era un blues se convierte en algo mucho más psicodélico. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Después vienen varios temas de sesiones que van desde 1991 a 1995. De éstos destacaré: “Alma de Bisonte”, que es fenomenal y me encanta, con un toque que podríamos definir como funky-retro, con un ritmo muy marchoso y una muy buena combinación de órgano y guitarra. “Chico Cósmico” es más psicotrónico y elaborado, con abundantes cambios de ritmo y más apoyado en los teclados, aunque al par de minutos entra un solo de guitarra bastante largo y enrollado. “El telescopio de Jeremías”, primitiva versión de uno de los mejores temas del “Vértigo peninsular”, también aquí es muy guitarrero aunque sonando diferente, con coros y otros arreglos distintos. La letra de “Himen del Universo” es fantástica y termina así: “El Himen del Universo es en realidad el tiempo y nosotros lo desvirgamos al nacer”. “Narcosis”, maqueta de un corte de “Alcantarilla del Paraiso”, con un órgano increible que da gusto escuchar; el tema suena aquí algo más lento que en la versión definitiva. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El segundo CD supone también un documento de gran interés para todos los fans de Cobollo. Como decíamos está dedicado a Los Moscardones, grupo anterior a Soul Bisontes, mucho más salvaje por orientarse de forma más clara hacia a un garage más descarnado, aunque manteniendo muchos ingredientes psicodélicos tipo Seeds, y también es muy detectable la influencia de un grupo clave de la psicodelia de los 80: Los Negativos. La letras son igualmente muy buenas y con la curiosidad de que algunas canciones están escritas en inglés. Así pues, de estas sesiones de 1988-1990 destacaremos: “Sabastian Bash” que es en parte una adaptación en tono garagero de la “Tocata y Fuga en Re Menor de Bash”. También tenemos a “Setas venenosas”, que tal y como sugiere el título trata sobre una intoxicación con setas alucinógenas y sus consecuencias visionarias. Musicalmente es garage y psicodelia a partes iguales, rápida y muy potente. En todo caso es un buenísimo corte. “La Otra parte mental” va también en esa onda aunque sonando más Doors por el órgano. Es otro corte impresionante. “Ya no te quiero Beybe” es un agresivo artefacto garagero tipo Sonics. “El Predicador” es más cercano al psychobilly, muy rápido y corrosivo con una letra sobre el amor y el Demonio. “The Ocean of Love”, otro trallazo garagero, esta vez en inglés, absolutamente primitivo y atronador ( bestial amalgama de guitarra, órgano y una base rítmica retumbante). Está muy bien, pero... ¡¡nos alegramos de que Cobollo dejara de cantar en inglés!! </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En suma, un doble CD que no te debes perderte si quieres disfrutar de un viaje musical colorido y una letras que son simple y llanamente poesía. </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">_______________________________________________________________________ </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Exite además un CD recopilatorio (1991-1994) con 24 temas; contiene el primer EP, más el primer LP completo y los temas ineditos de la grabación de “Vértigo Peninsular” que no cabían en el formato vinilo; más “Río de Chocolate”, tema incluido en el recopilatorio de bandas nacionales de Munster Records (1993), y otras canciones inéditas extraídas de maquetas. </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Para más información y pedidos podeis escribir a este correo: </span><a href="mailto:zumbido@telefonica.net" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">zumbido@telefonica.net </a><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La alcantarilla del Paraiso y Magia cotidiana son relativamente fáciles de encontrar. Para los interesados en el Lp de Vertigo peninsular podeis conseguirlo aun a través de</span> </span></div>
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<span style="font-size: small;"><a href="mailto:greyhead-discos@ono.com" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">greyhead-discos@ono.com </a></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-size: x-small;"><i><b>Este artículo puede ser reproducido libremente siempre que sea sin ánimo de lucro y cintando autor y fuente</b></i></span> <span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
<span style="font-size: small;"><br style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;" /></span></div>
<br />El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-220549302546655662012-05-26T17:23:00.003-07:002013-03-05T14:50:36.227-08:00The Groundhogs, o el personal blues de Tony McPhee<div style="text-align: right;">
<i><b><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Artículo de Jano Delgado </span></span></b></i></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> (Infinitas gracias a Poti, a Joanna Deacon y a Tony McPhee por su ayuda) </span></span></div>
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Inglaterra. Segundo lustro de los años sesenta. Los Beatles, el underground, el progresivo y el blues. En un punto equidistante se encontraba Tony McPhee, un músico inquieto que empezó su andadura dentro del pop aunque pronto se decantó por el blues, hasta convertir a su banda, The Groundhogs, en una de las más originales bandas del rock británico de comienzos de los setenta. Hoy es considerada una banda de culto, y Mentes de Ácido siente especial devoción por ella. </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Denso, oscuro, salvaje. Así es el personal universo de Tony McPhee, siempre con un pie dentro del blues más rudo y con otro dentro de un estilo inclasificable, absolutamente personal, la ‘marca de la casa McPhee’. Una banda con más de cuatro décadas de carrera sin altibajos, madura, llena de sorpresas, que comprende alguno de los discos de guitarra más innovadores de su tiempo, y que, afortunadamente, y aunque con cuentagotas, aun sigue dando guerra. </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Nos hemos puesto en contacto con Tony McPhee, que amablemente a contestado a unas escasas preguntas que queríamos formularle (thank you, Tony), y así entender mejor la peculiar odisea de Las Marmotas. </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> De entre toda la segunda generación de bandas de blues aparecidas en Gran Bretaña hacia 1968 (Ten Years After, Savoy Brown, Spooky Tooth, Fleetwood Mac, Stone The Crows o, como no, Led Zeppelin), los Groundhogs de Tony McPhee ocupan un lugar destacado, a pesar de que McPhee puede, como veremos, ubicarse como músico de la primera generación. Si la primera generación de blues británico tenía los nombres que abrieron el camino (Cyril Davies o Alexis Korner) y alguna de las bandas que popularizaron el blues en Gran Bretaña (The Yardbirds, los Bluesbreakers de Mayall, los primeros Rolling Stones o los Animals), la segunda generación se diferenciaba de la primera en una característica fundamental y, en cierta forma, evidente: las bandas de 1968 o 1969 partían del blues para crear algo diferente, mucho más arriesgado y original. La razón es que entre una y otra generación Cream y la Jimi Hendrix Experience fueron el modelo a seguir. Tanto una como otra habían mostrado lo que se podía hacer partiendo del blues. </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Todas las bandas importantes de la segunda generación fueron lo suficientemente distantes entre sí para que todas hayan tenido cierta influencia en el rock posterior: Ten Years After unía el blues y el jazz, y se basaba en el virtuosismo de su guitarrista Alvin Lee; Savoy Brown era una banda liderada por otro guitarra, Kim Simmonds; Spooky Tooth y Led Zeppelin lograron una imponente mezcla de blues y hard rock; los Fleetwood Mac y Stone The Crows se formaron con miembros procedentes de la banda de John Mayall, y si los primeros eran clásicos y se basaban en el feeling guitarrístico de Peter Green, el segundo era más agresivo, con el toque soul de la tremenda voz de Maggie Bell y la guitarra del malogrado Les Harvey. Por su parte, The Groundhogs era una de las bandas de blues más experimentadas de Inglaterra, ya que Tony McPhee, su líder, llevaba dentro de los circuitos de blues desde la primera mitad de los sesenta (el propio Clapton ha citado alguna vez a McPhee como uno de los guitarristas que más le influyeron en sus primeros años), y siempre intentó ir mas allá con su guitarra, a base de sonidos eclécticos, experimentando con diversos efectos, y ese toque guitarrístico peculiar que le daba al tocar sus dedos en lugar de con púa, como lo hacían los grandes bluesmen de las décadas pasadas. </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Aunque sus comienzos pueden encuadrarse dentro del pop, como casi todos los grupos nacidos hacia 1963 (bajo el nombre de The Dollarbills, aunque también estuvo en el grupo Truth, que hacía versiones de los Beatles y los Kinks, y en The Boz People, junto a Boz Burell, futuro miembro de los imprescindibles King Crimson), Tony T.S. McPhee se enamoró muy joven del blues, a través de un disco de su hermano mayor Sam, la recopilación de country blues ‘The Blues Roll On’ (que incluía a Mississippi Fred McDowell), pero sobretodo, a raíz de presenciar un concierto, algunos años después, de Cyril Davies. El blues marcaría a McPhee desde muy joven gracias a Sam, diez años mayor que él, y que además del blues le introduciría en otros sonidos como la música turca, la africana, e incluso, el flamenco. Con el tiempo, The Dollarbills cambiaron su nombre por John Lee’s Groundhogs, un doble homenaje a su gran ídolo y, a la postre, su mayor influencia, John Lee Hooker (un tema de Hooker se llamaba ‘Ground Hog Blues’). Así, desde sus comienzos en el blues, The Groundhogs ofrecieron la imagen más ruda y salvaje del blues clásico. Y digo ‘clásico’ porque el grupo liderado por McPhee tuvo una actitud decididamente blues durante sus primeros años, sin hacer la menor concesión ni cambio de imagen de cara a la galería. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Su primera oportunidad se presenta bajo una historia de buena suerte: los Bluesbreakers de Mayall deben dejar la gira que estaban llevando a cabo como acompañantes de John Lee Hooker por Inglaterra, y puesto que los Groundhogs sienten devoción por el bluesman y comparten misma agencia de contratación que Mayall, McPhee y los suyos los reemplazan. Al lado de Hooker alcanzarían madurez como banda de blues, marcaría el camino a seguir por el grupo, y alcanzarían cierta fama como banda de directo en los sectores especializados. El resultado de semejante unión serían alguna gira y un notable álbum, ‘John Lee Hooker & The Seven Nights’ (Verve 1965, luego reeditado bajo diversos nombres, ‘Hooker & The Hogs’, ‘John Lee Hooker And The Groundhogs’ o ‘The London Sessions ’65’), en la que el grupo se mostraba como una perfecta banda de acompañamiento para el bluesman. Acompañarían a Hooker en sus giras británicas hasta 1969, y el viejo bluesman reconoció que eran la mejor banda de blues de todo Gran Bretaña. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidRN9DGtPsy4iG1vF7z6P8pgtVfsLQ7Tw-uB4nYjIj7cw2xcwTiWPnUuC4NviDSh5zdevzWlrJSDm-w6DuvnssRtEiXI-UXrRdl6bnpkYgEjImRQu_QaB-ywQqSTQjuTT4ptyoXu5aNIo/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="292" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidRN9DGtPsy4iG1vF7z6P8pgtVfsLQ7Tw-uB4nYjIj7cw2xcwTiWPnUuC4NviDSh5zdevzWlrJSDm-w6DuvnssRtEiXI-UXrRdl6bnpkYgEjImRQu_QaB-ywQqSTQjuTT4ptyoXu5aNIo/s400/2.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"></span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Tony McPhee:</b> Creo que tocamos muy bien con él [Hooker] porque entendíamos perfectamente su música. A él le gustamos tanto que nos pidió que le acompañáramos cada vez que actuara en Gran Bretaña. (…) Tenía una técnica fascinante y era todo un caballero ¡aunque solía quedarse delante de mí cuando yo hacía un solo para que diera la impresión de que era él quien estaba tocando. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> (En ‘John Lee Hooker’, de Juan Campos, Ed. La Máscara, pág. 93) </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Aunque no sólo acompañaron a Hooker en sus visitas británicas, muchos otros bluesmen clásicos pidieron acompañarse del grupo de McPhee, caso de Champion Jack Dupree, Jimmy Reed, Memphis Slim o Little Walter. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Pero McPhee es un músico inquieto, y en 1966 fuerza a John Lee’s Groundhogs a separarse. Entre 1966 y 1968, McPhee llevaría a cabo diversos proyectos: uno personal, que sería un fracaso importante, Herbal Mixture (que co-lidera junto a John Dummer), un grupo de pop psicodélico en la onda de The Yardbirds, tan agradable como intrascendente (reedición de sus singles junto con las primerísimas grabaciones de los Groundhogs, incluidos los singles de 1964 y 1965, en el álbum ‘Please Leave My Mind’), graba un disco en solitario de blues acústico con algunos conocidos del circuito de blues inglés, ‘Me And The Devil’, y además tres proyectos en los que participó como músico de sesión que fueron esenciales para el futuro de los Groundhogs: colabora con Champion Jack Dupree y Eddie Boyd,; graba como guitarra solista de la John Dummer Band en el disco ‘Cabal’, y en el disco ‘Western Flier’ de Hapshash And The Coloured Coat. Si los primeros bluesmen le ayudan a pulirse dentro del blues más clásico, a través de la asimilación, por parte de McPhee, de que no existen fórmulas maestras para el blues, la John Dummer Band le muestra lo que quiere hacer a corto plazo, formar su propia banda de blues rock (de hecho tiene tanta prisa por reformar sus Groundhogs, que aparece en los créditos de la Dummer Band, pero en ninguna foto de la carpeta), y por último, Hapshash And The Coloured Coat le muestra que se puede hacer buena música alejado del blues, de hecho, casi se podría decir, incluso, que alejado de los cánones de la música popular. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Hacia 1968, Tony McPhee tiene una gran reputación como guitarrista. Algunos años antes, Mayall le invita a unirse a sus Bluesbreakers, tras la primera salida de Clapton (antes de grabar el mítico ‘Bluesbreakers With Eric Clapton’), y un poco más tarde sería Peter Green (otro ‘discípulo’ de Mayall) el que le invita a unirse a sus Fleetwood Mac. No serían los únicos, Chris Barber y Alexis Korner también le propusieron unirse a sus respectivas bandas a mediados de los sesenta. Sin embargo, McPhee tiene sus propios planes: crear su propia banda de blues, la nueva encarnación de los Groundhogs. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Mentes de Ácido:</b> ¿Qué puedes decirnos de tu forma de tocar la guitarra? </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Tony McPhee:</b> Mi forma de tocar la guitarra viene de diferentes elementos de mis héroes del blues, Hubert Sumlin, John Lee Hooker, Howlin’ Wolf, Robert Johnson etc. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En este momento, el grupo vive un momento agridulce como banda, ya que tienen una más que reconocida reputación como banda de directo, incluso han grabado junto a grandes artistas, pero aun no han conseguido editar un LP a su nombre. En Inglaterra se empieza a hablar de la calidad del grupo en directo, basado, principalmente, en nunca repetir un concierto (canciones siempre tocadas de forma diferente, espacio para la improvisación…), aunque esto será más claro algunos años después. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Mentes de Ácido:</b> ¿Cree que el directo es la fórmula perfecta para una banda de rock? </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Tony McPhee:</b> Era la única manera de sobrevivir para una banda por aquellos días, y de acercar tu sonido a tanta gente como fuera posible. “La máquina publicitaria” era mucho más limitada por aquel entonces. Aunque sigo pensando que el directo tiene algo especial. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Mentes de Ácido:</b> ¿Qué concierto recuerdas con más cariño? </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Tony McPhee:</b> Mi concierto favorito fue en Glasgow, en el Greens Playhouse donde llenamos “hasta la bandera” después de haber teloneado unos meses antes allí a los Stones. Fue genial conseguir tanta multitud como cabezas de cartel. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> 1968 y 1969 fueron años en los que muchas bandas decidieron grabar discos de blues, pero que fueran novedosos. Es lo que se ha venido llamando blues progresivo, o lo que es lo mismo, una serie de discos que partiendo desde las coordenadas clásicas del blues intentan reinventarlo a través de la influencia de elementos ajenos al blues, como puedan ser el jazz, el rock, el hard rock, o incluso, el rock progresivo. Es difícil señalar a un solo personaje o banda que cambiase la concepción del blues, convirtiéndolo en blues progresivo o hard blues, pero lo verdaderamente importante, al margen de nombres como Cream, Johnny Winter, Canned Heat, Ten Years After, Savoy Brown o los propios Groundhogs, es que realmente hubo una reinvención del blues que afectó a muchas bandas de su tiempo, e incluso, a los grandes bluesmen negros (como lo demuestran la colaboración de Hooker con Canned Heat en el inmenso ‘Hooker & Heat’, o la grabación del psicodélico ‘Electric Mud’ a cargo de Muddy Waters). </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El problema de la falta de un álbum a su nombre se soluciona en 1968, cuando Roy Fisher, el manager de los primeros Groundhogs, les consigue un contrato con Liberty/United Artist, y McPhee junto a Pete Cruickshank al bajo, Ken Pustelnik (ex The Deep) a la batería y Steve Rye a la harmónica, decide re-formar The Groundhogs para grabar ‘Scratching The Surface’, el que sería su debut, producido por Mike Batt. Lo cierto es que ‘Scratching The Surface’ es un disco que hoy llama poco la atención, pero que en su momento fue original de algún modo. El debut de los Groundhogs es, definitivamente, un disco de blues clásico, inspirado por los sonidos de Hooker, pero no es menos cierto que su clasicismo recurre a la base del blues negro, sin pasar por el tratamiento que los blancos solían dar al estilo. Más interesante sería ‘Blues Obituary’, segundo LP (1969), que aún manteniendo la línea del debut de blues clásico, se beneficia de la salida de Steve Rye, dejando al grupo como trío, y en el que destaca un tono mucho más oscuro y tétrico, e incluso un toque progresivo que lo hace un disco muy especial, su portada lo dice todo. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Después de que McPhee colaborase con la banda Hapshash And The Coloured Coat en el álbum ‘Western Flier’ (1968), se produce la primera salida de la banda, el harmonicista Steve Rye se une a la Brunning Hall Sunflower Blues Band (con Jo-Ann Kelly), por lo que The Groundhogs se convierte en un trío, formato que mantendrá durante muchos años. Su colaboración con Hapshash And The Coloured Coat sería esencial para el futuro de los Groundhogs, ya que el sonido de Hapshash sería algo enteramente novedoso para McPhee. ‘Western Flier’ era un disco complejo, con toques de progresivo, folk, incluso se acercaba a veces a la música medieval y al canto gregoriano, lo que abría el abanico de posibilidades de McPhee. Además, otro miembro del grupo, el letrista Mike Batt sería un personaje importante en el futuro de los Groundhogs, al producir el primer disco de la formación. </span></span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCxq1atMBgZP9TPdJBRCWNaiJA_Yk_4UP5t5KK6JKc19SqV68uGA2LVxhDxQ2EO6ueOTab7QKzofVBf9ft7ucKPxpqoOFxPb5RH9RhMwq9yN4DvSVZLZnCdqXCYEadFPGbt8kJLUigGek/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCxq1atMBgZP9TPdJBRCWNaiJA_Yk_4UP5t5KK6JKc19SqV68uGA2LVxhDxQ2EO6ueOTab7QKzofVBf9ft7ucKPxpqoOFxPb5RH9RhMwq9yN4DvSVZLZnCdqXCYEadFPGbt8kJLUigGek/s320/3.jpg" width="291" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Aunque el segundo disco de los Groundhogs, volverá a seguir las claves blueseras del debut, en ‘Blues Obituary’ (1969) ya se dejan notar algunas diferencias, pero sobre todo, el interés del trío en generar canciones originales de blues. Es decir, en ‘Blues Obituary’ (título que hace referencia a ‘la extinción del blues’, cuyo espacio está siendo ocupado por el rock), The Groundhogs llevan a cabo un blues ciertamente más arriesgado y original que en ‘Scratching The Surface’, mucho más, si se quiere, progresivo, y el resultado es un álbum de crudísimo y oscuro blues, pero a la vez, con una energía increíble de la que carecía el debut. En resumen, un álbum excepcional, con piezas alucinantes en las que McPhee por fin se desata tanto como cantante y guitarrista (su trabajo es inapelable) como compositor: ‘Times’ con su maravillosa slide, el crudo arreglo que le dan al clásico ‘Mistreated’ convirtiéndola en una de las referencias de su sonido, el tremendo instrumental ‘Light Was The Day’ con sus guitarras psicodélicas y sus percusiones salvajes, o el oscuro ‘B. D. D.’ son auténticas joyas de su estilo. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Incluso en este contexto, el blues, el grupo de McPhee fue original de algún modo, primero por tomar como referencia el blues negro, sin pasar por un tratamiento británico, y segundo por la forma de McPhee de afrontar su instrumento, al margen de otros guitarristas de su generación, sino más bien recurriendo a las fuentes originales. Un clasicismo basado en el blues negro americano que era, precisamente, una de las características que hacían originales al grupo. Por su parte, la sección rítmica es apabullante: afrontando sus instrumentos con gran libertad, a la manera heredada de Cream, con una compenetración sorprendente. Si Cruickshank (que estuvo al lado de McPhee desde 1962) es un auténtico reloj de precisión, Pustelnik está menos atado a la hora de tocar, de hecho, el propio McPhee reconoce que a veces ha tenido problemas para seguirle. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En algún sentido, se acercaban más a lo que, al otro lado del Atlántico estaban haciendo grupos de white blues como The Paul Butterfield Band. En Inglaterra, The Groundhogs comparte con los Ten Years After de Alvin Lee y los Fleetwood Mac de Peter Green el status de gran banda de blues rock británica: las tres son clásicas pero originales de algún modo… si el grupo de Lee ofrece fuerza, los Mac ofrecen un estilo más cuidado (no en vano sus miembros proceden de la banda de Mayall). Por su parte, The Groundhogs ofrecen el lado más rudo del blues clásico, la imagen británica de John Lee Hooker (en los Estados Unidos esa imagen sería ocupada por The Paul Butterfield Band, por un lado, y por Canned Heat, por otro). Pero habría muchas más bandas mencionadas antes, como los colosales Savoy Brown de Kim Simmonds, Chicken Shack, Spooky Tooth o Stone The Crows, aunque ninguna de ellas como The Groundhogs. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Lo que mostró ‘Blues Obituary’ es a una banda de blues inquieta, que parecía decidida a ofrecer cosas realmente nuevas dentro de los márgenes del blues. Sin embargo, para su siguiente disco, de 1970, las novedades son mucho mayores, y el blues estará, al menos a primera vista, en un segundo plano. Es tan grande la evolución que The Groundhogs vive en su seno que es inevitable preguntarse: ¿qué ocurrió entre 1969 y 1970 para que se produjese en el seno del grupo semejante evolución? </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Mentes de Ácido:</b> ¿Qué ocurrió en el seno de la banda para el cambio que se produjo entre ‘Blues Obituary’ y ‘Thank Christ for The Bomb’? ¿Cómo afectó ese cambio a la banda? </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Tony McPhee:</b> El blues estaba pasando de moda y empecé a encontrar dificultades para escribir canciones de blues que fueran suficientemente diferentes. El blues puede llegar a ser un poco limitado. De cualquier modo, el resto de la banda estaba feliz con el cambio. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> La banda no deja de crecer en estos últimos años de los sesenta, su reputación como banda en directo se incrementa, y la creatividad aparece, como lo demuestra ‘Thank Christ For The Bomb’ (1970), que sería uno de los pilares de la carrera de la banda y donde, por fin, se materializaría su personal sonido. ‘Thank Christ For The Bomb’ muestra a un grupo que parece haber alcanzado plena madurez, dejando a un lado el blues clásico de sus dos primeros discos para girar hacia la floreciente escena de hard rock que había en Inglaterra. El disco tiene un buen éxito de ventas, llegó al puesto 9 de las listas inglesas, donde se mantuvo durante 13 semanas. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> ‘Thank Christ For The Bomb’ entra en los charts (algo que la banda esperaba) y permite al grupo tener más libertad, pues les facilita el hacer más conciertos, incluso talonear a los Rolling Stones… con todo, el éxito de ‘Thank Christ For The Bomb’ nunca se volvería a repetir, por lo que fue su punto más alto de fama en toda su carrera, y perlas del calibre de ‘Soldier’, ‘Garden’ o ‘Eccentric Man’ serían temas habituales de sus directos durante muchos años. Quizás un mayor consumo de drogas sería la causa de que la creatividad del grupo, especialmente McPhee, estallase… McPhee ha crecido mucho como guitarrista y compositor desde ‘Blues Obituary’. Esto permite al grupo ofrecer, por un lado, una nueva vuelta de tuerca del blues, y por otro acercarse a los nuevos sonidos que estaban imperando en Inglaterra en aquellos años. Led Zeppelin, que ha aparecido tras la separación de Cream, ha removido los cimientos del rock británico y, de alguna forma ha marcado uno de los caminos a seguir. Decir que The Groundhogs se vinculan al sonido de los de Page y Plant sería algo, no obstante, injusto. Si bien es cierto que la banda de McPhee abandona el clasicismo blues de sus primeros discos, no es menos cierto que ‘Thank Christ For The Bomb’ intenta también una cierta reinvención del blues. Muchos grupos de aquellos años utilizan el blues como vehículo para desarrollar ideas, en principio, alejadas del blues (es el caso de Johnny Winter And en América, o Led Zeppelin y Ten Years After en Inglaterra), y los Groundhogs, por su parte, en un estilo propiamente McPhee, donde todo tiene cabida, y que les acerca, en este sentido, más a lo que estaban haciendo The Stooges o MC5 (utilizar las figuras rítmicas del blues en sonoridades absolutamente novedosas en aquellos años) en los Estados Unidos, o algunas bandas alemanas de comienzos de los setenta, que a sus compatriotas británicos. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipxqK2q0ELicmkLLOgVM5yCjmkR4nxIs_R7KMbILMHgrZeWlPQrZcupEYPSoAslMat3DOdSjws9R9FbsyACwWCb5j4-Nj8JSYR5SRB3y2fnJtKEAnaTqMrM6FBxnllnfyadB_RQp3gQko/s1600/4.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipxqK2q0ELicmkLLOgVM5yCjmkR4nxIs_R7KMbILMHgrZeWlPQrZcupEYPSoAslMat3DOdSjws9R9FbsyACwWCb5j4-Nj8JSYR5SRB3y2fnJtKEAnaTqMrM6FBxnllnfyadB_RQp3gQko/s1600/4.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El caso de ‘Thank Christ For The Bomb’ es paradigmático del tiempo en el que fue concebido. Como el propio McPhee explica, el blues se ha quedado pequeño para el desarrollo que está sufriendo el grupo. McPhee echa una mirada a su alrededor y descubre que va a ser difícil crecer dentro de los severos límites del blues. Sin embargo, ‘Thank Christ For The Bomb’ todavía puede ser visto como un disco de blues, o mejor, de blues progresivo. McPhee pone toda la carne en el asador y se atreve con una serie de temas arriesgados en los que, como sus contemporáneos, se dobla las guitarras, dejando crecer toda su imaginación. ‘Thank Christ For The Bomb’ es un disco oscuro, pero que contiene alguno de los mejores temas grabados por el grupo (‘Darkness Is No Friend’, las geniales guitarras dobladas de ‘Strange Town’, la épica desnuda de la pacifista ‘Thank Christ For The Bomb’, con un desarrollo eléctrico brillante, la originalidad de ‘Soldier’ (que el mismo John Peel alabó cuando apareció) o ‘Garden’, la potencia desbordante de ‘Eccentric Man’). Cambios de ritmo, guitarras salvajes, voces acertadamente temblorosas, bases rítmicas pétreas son las características de un álbum que, de algún modo, contiene importantes críticas a un mundo capitalista. Incluso hay quien afirma que es, en cierta forma, un disco conceptual que gira en torno a la enajenación de los individuos en el marco de las sociedades desarrolladas del capitalismo occidental, algo que enriquece un álbum que roza la perfección.‘Thank Christ For The Bomb’, además, será el disco favorito del propio McPhee, y contará con la ventaja de tratar temas que permanecen actuales, y una música que aún hoy parece del futuro. Siempre interesado por la lírica de sus canciones (es un disco cuyas letras están muy trabajadas), McPhee tiene, al menos en estos años, una visión idealista del mundo, aunque alejado de toda influencia hippie, por su carácter malhumorado, oscuro (a veces indescifrable) y contestatario. Con los años, sus letras dejarán de ser idealistas, para mostrar su cara más crítica y pesimista con la condición humana. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El éxito de ventas de este trabajo ayuda a que en noviembre de ese mismo año la banda vuelva a entrar en el estudio de grabación para facturar el que, posiblemente, sea su mejor trabajo, ‘Split’ (editado en 1971). Tuvo un gran éxito de ventas (llegó al puesto 5), tanto que distribuyeron pocas copias y las tiendas se quedaron sin material (quizás, de haber distribuido más copias, el disco hubiera llegado al número uno). Su primera cara contiene un tema, ‘Split’, dividido en cuatro partes, y que trata de un viaje por una crisis mental del propio McPhee. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Mentes de Ácido:</b> ¿Cuál es el origen de ‘Split’? </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Tony McPhee:</b> La noche después de un concierto en Huddersfield, me invitaron a la casa de Mick Hubberts (un técnico) a un curry. Mick tenia un inquilino americano que había hecho algunos porros de cannabis con la hierba que Ken Pustelnik (mi antiguo batería) le había dado. Recuerdo como regresamos del concierto la noche anterior e intentarlo sin ningún efecto. También recuerdo pensando sobre ello (y es divertido recordarlo ahora) que las semillas se habían quedado dentro y que el porro podría ‘petar’ como un cigarro explosivo de esos de broma. Compartí un porro que el tío había hecho. De repente la tele de Mick se dividió por la mitad. Los demás parecían estar pasándolo bien pero yo me sentía raro. Fui al baño y abrí el grifo pero empecé a sentir que “las cosas” crecían como en ‘Alicia en el País de las Maravillas’. Intente tocar la guitarra para centrarme en algo pero estaba perdiendo contacto con la realidad y todo lo que podía ver eran espirales. Mi corazón latía tan rápido que pensaba que iba a explotar, Mick me pidió que vigilara el curry, ya que la última vez que lo vio se estaba saliendo de la sartén, fui a la cocina y abrí una ventana, y el jardín parecía un paisaje de Marte. La mujer de Mick estaba allí, así que me agarre a ella porque ella no estaba fumada y necesitaba a alguien así para conseguirlo yo también (conseguir estar bien). </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Incluso empecé a perder la consciencia. Después de unas horas volví a la normalidad. Estoy seguro que aquel episodio abrió una puerta que no pude cerrar. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Unas semanas después, mi entonces mujer y yo, nos fuimos a pasear con el hijo de nuestra casera, era un día muy caluroso, y mas tarde, aquella noche no podía dormir. Fue entonces cuando me dio un ataque de pánico, empecé a preguntarme cómo podía existir, sigo teniendo problemas en explicarlo, era una negación de la existencia, así que intente huir de aquel pensamiento, corrí escaleras arriba, hacia la parte superior de los apartamentos (‘Split 1’) estaba demasiado oscuro y encendí las luces, y entonces estaba demasiado iluminado (‘Split 2’) no pude deshacerme del pensamiento en toda la noche, finalmente pude dormir de puro exhausto (‘Split 3’) pero cuando me levante el sentimiento volvió hacia mí inmediatamente, estaba completamente paranoico (‘Split 4’). Mirando hacia atrás, hubo algunos meses donde hubiera creído cualquier cosa, una puerta se abrió en mi mente y no pude cerrarla. No lo temo ahora, pero solía hacerlo. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> ‘Split’ se me antoja no sólo como el disco más importante de los Groundhogs, sino también como uno de los álbumes más importantes de su tiempo. 1970 es un año esencial para el curso del rock, en el que se ve claramente como los cambios comenzados hacia 1968 y desarrollados en 1969 han dado sus frutos: el rock ha cambiado. El underground de finales de los sesenta está ya, al menos en parte, dentro del overground. El hard rock y el progresivo primigenios ha afectado a buena parte de la música rock: la psicodelia tiene un desarrollo muy rico en la hard psicodelia, el rock progresivo entra en los charts, y el blues triunfa, básicamente como blues rock (o hard blues). ‘Split’ sería uno de los grandes álbumes que llevaron a cabo esa concepción del rock nueva, típica de los setenta, en parte por el enorme trabajo de Martin Birch a los controles. El grupo de Cruickshank, Pustelnik y McPhee parece alejarse definitivamente, al menos en comparación con sus discos anteriores, del blues para crear una música realmente innovadora, en la que temas de primigenio hard rock reciben un tratamiento de guitarras heredado de la psicodelia más salvaje. La cara A, compuesta por las cuatro partes de ‘Split’ contiene 20 minutos de pura energía, con un sentimiento y una emotividad que no dejan de sorprender, con una sección rítmica que puede mirar cara a cara a los Bruce/Baker o a los Bogert/Appice, y con un McPhee en estado de gracia, que muestra su evolución desde el blues clásico a través de unos recursos que parecen infinitos (guitarras dobladas, dobles solos de guitarra, wah wah, slide, fuzz, delays…). La cara B contiene la que, posiblemente, es el tema más conocido de la banda, ‘Cherry Red’, una obra de arte de gran potencia (posible antecedente del punk) y de nuevo, con un McPhee soberbio, con unos solos de guitarras propios de los mas grandes de la época. En conclusión, a McPhee siempre le ha perseguido la sombra de guitarrista ‘de culto’, lo que le ha llevado a estar infravalorado, aunque la verdad es que tenía poco o nada que envidiar a Page o Clapton, incluso llegaría a decir que fue tan innovador, y puede que técnicamente más, que los dos anteriores. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxhjJ1-wv8Po4oKwOCAQSvnW2WWHlvPMz0MmMnVQZLu8kGWfOV4lf8Bz2zgmwfHT9l3bWk6tIArrMMGWv5wq5BHZIfh8v-ZGJOhiLQ7LTGOmq8zg57jBqRbIJj6f9X8aBMZFoc4kpaz_k/s1600/5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxhjJ1-wv8Po4oKwOCAQSvnW2WWHlvPMz0MmMnVQZLu8kGWfOV4lf8Bz2zgmwfHT9l3bWk6tIArrMMGWv5wq5BHZIfh8v-ZGJOhiLQ7LTGOmq8zg57jBqRbIJj6f9X8aBMZFoc4kpaz_k/s320/5.jpg" width="258" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Este disco tuvo un éxito arrollador de crítica, lo que llevo a la banda a telonear a los mismísimos The Rolling Stones en su tour británico de 1971. De dicha gira ha quedado para la posteridad un directo colosal, ‘Live At Leeds ‘71’, donde se aprecia la fuerza con la que The Groundhogs realizaban sus directos, y que apareció, en principio como un disco promocional de 100 copias para Estados Unidos. De hecho, de esta época existen un buen números de directos, algunos editados oficialmente y otros como bootlegs, en ellos el repertorio es similar, centrándose en sus dos álbumes más recientes, ‘Thank Christ For the Bomb’ y ‘Split’, y algún que otro tema, entre los que cabe destacar ‘Mistreated’, del ‘Blues Obituary’ o la extraordinaria versión que del ‘Still A Fool’ de Waters se marcaba el grupo, convirtiéndolo en una jam de blues ácido que solía superar el cuarto de hora. Lo cierto es que nos atrevemos a calificar a los Groundhogs como una de las mejores bandas en directo de su época, y es que resulta tan interesante como increíble la enorme potencia de la sección rítmica, y como McPhee es capaz de hacer olvidar las guitarras dobladas de las versiones en estudio con una sola guitarra. El ‘Live At Quinn Abbey’, ‘Live At Leeds ’71’ o ‘BBC Radio One. Live In Concert’ son algunos ejemplos de lo que eran capaces de hacer sobre las tablas, y que me atrevería a definir tan geniales como esenciales para entender a The Groundhogs. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> 1972 dio a la banda una de cal y otra de arena… por un lado, The Groundhogs graba un disco en enero, ‘Who Will Save The World? The Mighty Groundhogs’, producido de nuevo por ‘el mago’ Martin Birch (luego productor de bandas como Iron Maiden), con una maravillosa portada estilo ‘Marvel Comic’ de Neil Adams (luego famosísimo dibujante de cómic), pero que, aunque sigue teniendo partidarios entre los fans del grupo (por ejemplo, Julian Cope), lo cierto es que el mismo McPhee nunca estuvo muy contento con el resultado final (según sus propias palabras, debido, en parte, al estudio en el que lo grabaron). Sin embargo, ‘Who Will Save The World?’ es un disco excelente, pero también mucho más arriesgado que sus anteriores discos: McPhee empieza a utilizar sintetizadores y mellotrones (algo que muchos seguidores nunca le perdonaron), además de alejarse aún más del blues. El medio tiempo pseudo-boogie de ‘Wages Of Peace’, esa extraña perla llamada ‘Earth Is Not Room Enough’, con su relajada parte central de mellotron, la oscuridad casi apocalíptica de ‘Music Is The Food Of Thought’, la preciosa ‘Death Of The Sun’ o esas joyas incalificables que son ‘Body In Mind’ y, sobretodo, ‘The Grey Maze’, con un McPhee impresionante y un acompañamiento rítmico tan salvaje como perfecto. Este álbum supone la primera gran aproximación del grupo a los pantanosos terrenos del progresivo. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> No deja de ser interesante que The Groundhogs pertenezcan en este tiempo al sello Liberty/United Artist, bajo la supervisión de Andrew Lauder (luego en A&R), que también graba los discos de Can, Amon Düül II, Man o Hawkwind. Éstas bandas, junto a los Groundhogs, serían los grandes grupos ‘de culto’ del sello, y serían esenciales para el futuro del rock. En 1972, parece que The Groundhogs ha dejado el blues (casi) definitivamente, al menos en sus discos en estudio, y puede ser que gran parte de ese hecho esté, de alguna manera, influenciado por las tres bandas arriba mencionadas. De hecho, McPhee llegó a aportar su guitarra en un disco de Amon Düül II, aunque muchos años después (‘Die Lösung’, 1989), y siempre tuvo buenas relaciones con Hawkwind, incluso The Groundhogs contó en los 80 con el bajista de Dave Anderson, que había sido bajista, además de los Amon Düül II, de Hawkwind en su primer disco, antes de la entrada de Lemmy Kilmister. Críticos, como Julian Cope, sitúan el estilo de los Groundhogs bajo la misma etiqueta que los grupos anteriormente citados, incluso más que con respecto a grupos de blues progresivo de finales de los sesenta. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Por otra parte, The Groundhogs tuvieron un gran éxito en la gira americana de aquel 1972, cuyo resultado sería el poderoso ‘U.S. Tour ’72’, que no se editaría hasta 1999, aunque también algún bootleg, como ‘Shadows 1972’. 1972 es el año en el que el trío aparece en el mítico Top of The Pops. Sin embargo, no todo serían buenas noticias de aquella gira, porque, a su regreso a Inglaterra, McPhee llegaría con la muñeca rota y con la mala noticia de que el batería Ken Pustelnik abandonaba la formación. Su sustituto sería Clive Brooks, que procedía del grupo Egg, formado de las cenizas de los míticos Arzachel. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En septiembre de ese mismo año, McPhee, Cruickshank y Brooks vuelven al estudio a grabar ‘Hogwash’, que parece una vuelta de tuerca al sonido Groundhogs tras el ‘fallido’ LP anterior, y que cuenta con una labor magistral del ingeniero de sonido Martin Rushent. Pero McPhee tampoco hace ninguna concesión esta vez: sigue alternando guitarras y sintetizadores, logrando una mezcla imponente de ambos. ‘I Love You Miss Ogyny’, de título polémico, ‘S’one Song’, la perfecta y emocionante ‘3744 James Road’ (que habla de la estancia del grupo en Memphis, en una casa con la dirección del título), la pseudo-acústica belleza de ‘Earth Shanty’ de una originalidad que aún hoy deja perplejo, o ‘Sad Is The Hunter’ (dura crítica a la condición humana en general, y a los cazadores de animales en particular) son temas realmente buenos, que retoman el pasado de los Groundhogs pero con un sonido propio de 1972, lo que da al disco un carácter, si se quiere, más progresivo, con unos riffs no tan potentes como sí milimétricos y afilados, pero donde hay una perfecta combinación de nuevos sonidos progresivos, con el blues rock marca de la casa (hermanado de cierta forma al no menos colosal ‘Back To The Future’ de los galeses Man), llegando a superar cualquier estilo para llegar a una música plena, dura, del futuro, que tendría cierta continuación años más tarde. Muchos de los grupos actuales como QOTSA o Masters Of Reality deben mucho a este disco, incluso el propio Jack Endino productor de muchos de los grupos mas importantes de los 90's, como Screaming Trees y guitarrista de SkinYard, dice que éste fue el disco que le cambio la vida. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ16TLbSkgWI_ayxn9XTICZ54zqtMOlxdlnekxlnRMfYyhyphenhyphennPKQ2balW_K2i8E3rFgNZktMJ9f9qRsejdQulyx3FY12F0GiSfKJPVoAyClDiLZ8MDIsA9k5qZvdX-pdmcIcyrmmA1WhV4/s1600/6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ16TLbSkgWI_ayxn9XTICZ54zqtMOlxdlnekxlnRMfYyhyphenhyphennPKQ2balW_K2i8E3rFgNZktMJ9f9qRsejdQulyx3FY12F0GiSfKJPVoAyClDiLZ8MDIsA9k5qZvdX-pdmcIcyrmmA1WhV4/s1600/6.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Temáticamente, ‘Hogwash’ es un álbum poco menos que profético, pues en él McPhee saca a la luz su preocupación por el mundo actual, con una lírica muy inteligente en la que se muestra realmente enfadado, Las canciones finales de ‘Hogwash’ muestran a McPhee en solitario, en acústico, demostrando que nunca abandonará el blues. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En el impagable directo ‘BBC Sessions 70-72’ se incluyen abrasivas versiones de ‘I Love You Miss Ogyny’, ‘3744 James Road’ , ‘Earth Shanty’ , ‘Sad Is The Hunter’ y ‘You Had A Lesson’. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> A finales de 1972, McPhee empieza a experimentar con su guitarra y con sintetizadores, y en 1973 graba ‘The Two Sides Of Tony TS McPhee’, en solitario y en el estudio de su casa de Suffolk, un álbum con clara vocación experimental, que combina elementos del blues acústico en los cuales McPhee se siente muy a gusto, con ‘The Hunt’, un tema de casi 20 minutos de experimentación electrónica, que aún suena actual, y que muestra a un McPhee muy interesado en las nuevas tecnologías. La escucha de ‘The Hunt’ puede llegar a convertirse en toda una experiencia, quizás agotadora por su dificultad, pero siempre interesante, además de criticar duramente uno de los temas que más le preocupan, la caza de animales. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Al año siguiente, The Groundhogs vuelven a entrar en el estudio para grabar ‘Solid’ (aunque antes llegarían a grabar un single, ‘Sad Go Round - Over Blue’), que sería uno de los discos más recordados por los fans de la banda y en la que, de nuevo, recurrían a ese sonido tan personal que caracteriza las obras del trío durante este periodo, incluyendo un uso muy interesante de los sintetizadores. En esta ocasión, las ventas serían realmente escasas, lo que propiciaría el fin de The Groundhogs. Siguiendo la tónica de los dos trabajos anteriores del grupo, guitarras y sintetizadores, este álbum cuenta con no pocos partidarios, quizás porque ‘Solid’ sí consigue lo que ‘Who Will Save The World?’ sólo intenta, a través de un tratamiento decididamente más rock, donde el sonido es más afilado y a la vez más cuidado. Desde ‘Light My Light’ (uno de los grandes temas de la formación) hasta esa oscura locura que es ‘Joker’s Grave’, pasando por las perfectas uniones de sintetizadores y guitarras que son ‘Sins Of The Father’ o ‘Snow Storm’, la progresiva ‘Plea Sing Plea Song’ o el clásico blues acústico ‘Free From All Alarm’. Puede ser que el disco que se beneficie de la experimentación llevada a cabo por McPhee en ‘The Two Sides…’ un año antes. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Tras la grabación de ‘Solid’, el grupo se separa. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Mentes de Ácido:</b> ¿Por qué fue diferente el sonido de aquella época? ¿Cree que fue una época irrepetible? </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b>Tony McPhee:</b> Fue porque muchas bandas de aquellos días venían del blues, aunque nunca volvió completamente, nada lo hace en realidad, pero también pienso que es una equivocación intentar hacerlo. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Naturalmente, hay quien pensaba que los Groundhogs acabaron con la grabación de ‘Split’, otros más optimistas opinan que ‘Solid’ fue el principio del fin del grupo. McPhee, de todas formas, nunca fue partidario, como decía Zappa, ‘de buscar el camino fácil’, y lo demuestra con una serie de discos que dentro de un marco que puede considerarse blues rock, a través una forma, si se quiere, progresiva, alternando guitarras llenas de zigzagueos, cambios de ritmos y melodías realmente complejas, con sintetizadores, desafiando a todo su medio entorno musical. Hubo quien no se lo perdonó. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Afortunadamente, McPhee vuelve a formar la banda a finales de 1975, pero con unos miembros totalmente nuevos: además de McPhee a la guitarra, le acompaña a dicho instrumento Dave Wellbelove, Martin Kent al bajo y Mick Cook a la batería… la primera vez que The Groundhogs grababa como cuarteto desde su debut, y el resultado de esta re-formación fue el álbum ‘Crosscut Saw’, a principios de 1976, que se mantiene aún como un notable disco de blues rock que se beneficia de un carácter más oscuro y tortuoso de anteriores entregas y donde el trabajo de McPhee es prácticamente perfecto. Su guitarra pocas veces ha aparecido tan deformada y enferma. El disco tiene cierto carácter conceptual, ya que en los temas que lo forman hay un tema más o menos fijo: la maldad de la mujer, lo que ha hecho que se especule sobre el carácter misógino de Tony McPhee. Sin embargo, nuestra idea es otra: McPhee ha crecido con el blues, y ‘la maldad de la mujer’ es un tema esencialmente ligado al blues, resultando más bien una oda al poder que la mujer ejerce sobre el hombre. El disco es muy potente, uno de los más poderosos de los Groundhogs, envuelto en una oscura atmósfera que, a veces, lo emparenta (salvando las distancias) con los primeros Black Sabbath. ‘Crosscut Saw’, las poderosas guitarras de ‘Promiscuity’ o ‘Boogie With Us’, o la épica de ‘Eleventh Hour’ muestran a un grupo impresionante, unos ‘dinosaurios del rock’ que aún tienen muchas cosas que enseñar a las nuevas generaciones. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> A McPhee le agrada esta formación, y a mediados de ese mismo año vuelve a entrar en el estudio para otro nuevo disco, ‘Black Diamond’, con el único cambio en la guitarra acompañante, donde Rick Adams sustituye a Dave Wellbelove. Quizás ‘Black Diamond’ no es tan potente ni abrasivo como ‘Crosscut Saw’, pero en muchos sentidos es un disco más perfecto (puede ser el álbum más infravalorado de McPhee) donde su evolución como guitarrista vuelve a subir un peldaño, mezclando los sonidos típicos de la banda con efectos de chorus en sus guitarras que las hacen aun más poderosas, derrochando una creatividad que parece no tener límite. Las tremendas ‘Friendzy’, con sus guitarras enfermas, ‘Fantasy Partner’, que encajaría a la perfección en ‘Thank Christ For The Bomb’, el blues actualizado de ‘Live Right’ o el precioso tema que da título al álbum, son muestras de ello. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> El éxito de estos dos discos sería casi ínfimo (existe una edición en CD que incluye los dos álbumes), no hay que olvidar que en Inglaterra se estaba gestando en punk en aquellos días, y el blues, o blues rock, ya no era del gusto de la juventud. Sin embargo, y esto es curioso, pueden considerarse que, en algún sentido, son dos de sus discos más ‘comerciales’. The Groundhogs se convertían de la noche a la mañana en ‘aburridos dinosaurios del rock’. El inevitable directo de esta gira, sería el fiero y salvaje ‘Live U.K. Tour '76’ (editado en 2004), de una potencia desbordante grabado en la gira del ‘Crosscut Saw’, y con un épico ‘Cherry Red’ de casi cuarto de hora. Son los años del nacimiento del punk y The Groundhogs parecen no tener sitio en la escena. ‘Live U.K. Tour '76’ es un álbum vibrante, un directo realmente diferente, no se parece a nada de lo grabado en vivo por el grupo antes o después, por eso es esencial para entender ese ‘oscuro’ tiempo que vivió la banda a mediados de los setenta. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Mentes de Ácido:</b> Entre 1975 y 1977, el público se interesa masivamente por el rock, pero hay un cambio en las tendencias, y los grupos clásicos pasan a un segundo plano. ¿Cómo vivió la banda esta época? </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Tony McPhee:</b> …Muy difícilmente. Como muchas otras bandas no consigues superar el cambio, y The Groundhogs nos separamos en 1976 hasta que volví a formar la banda en 1984. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Una de las cosas que se le suele recriminar a McPhee es que perdió la esencia del ‘sonido groundhogs’ con el paso de los años, y si bien es cierto que dejo de lado el blues más clásico y la hard psych de comienzos de los sesenta, nos parece que no es menos cierto que McPhee nunca perdió lo que hemos venido definiendo como ‘marca de la casa McPhee’, y es que todos los discos de los Groundhogs, estén más cerca del blues, del hard rock o del progresivo, suenan a Groundhogs. ‘Black Diamond’, ‘Hogwash’ o ‘Solid’ son discos, quizás, alejado de las sonoridades de ‘Split’, pero que guardan con él un aire de familia, en esos ritmos y melodías llenos de recovecos, esas guitarras tan salvajes como emotivas, y esa voz quebrada tan propia de McPhee, una forma absolutamente personal de entender el rock. Lejos de intentar agotar o exprimir una fórmula o una figura rítmica, el afán experimentador de McPhee sería una de las más interesantes y originales características del sonido del grupo. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnkPnxSl3cMGveIxkQ1j4OWnfAVZ_r59LirDEVLgESq1JB6MCbxingFTcOjfsTAFFUQ55BgcNVCFMQQrvthxApL3URDK0A-U7Xg2Z_38E-Sc3DmB0SLqU222ggqPsure5ZLzUFyszElhs/s1600/7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnkPnxSl3cMGveIxkQ1j4OWnfAVZ_r59LirDEVLgESq1JB6MCbxingFTcOjfsTAFFUQ55BgcNVCFMQQrvthxApL3URDK0A-U7Xg2Z_38E-Sc3DmB0SLqU222ggqPsure5ZLzUFyszElhs/s1600/7.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En los años siguientes McPhee compaginó diversos trabajos y colaboraciones, desde Terraplane, una banda vinculada a la obra de Robert Johnson, colaborar con Mike Batt (viejo conocido de Hapshash And The Coloured Coat con el que colabora en ‘Tarot Sweet’, 1979) o con Billy Boy Arnold (‘Checkin’ It Out’, 1980), hasta formar una banda al margen de Groundhogs, con escaso éxito, la Tony McPhee Band, que graba sólo un single (‘Time Of Action / Born To Be With You’, 1983) pero da numerosos bolos en Inglaterra o formar una banda como Tony McPhee’s Turbo, en el que estaría el futuro miembro de los Groundhogs Alan Fish. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Después del éxito del clásico directo ‘Hoggin’ The Stage’ (edición de 1983 de un directo de 1972), McPhee decide volver a re-formar los Groundhogs, de nuevo en formato de trío, con el bajista Alan Fish y el baterista Mick Kirton, con los que realizó muchos conciertos. Con esa formación decide volver al estudio para grabar el notable ‘Razor’s Edge’ (1984), aunque también se grabaría ‘No Surrender’, directo de la gira de 1985 pero no editado hasta finales de los ochenta. ‘Razor’s Edge’ es el primer disco de la formación desde ‘Black Diamond’, y es un disco que debe ser inscrito en el tiempo en el que fue hecho, 1985, cuando el mercado estaba ocupado, en buena medida, por el heavy metal y lo que se vino en llamar AOR. Así, aunque tiene la esencia de los Groundhogs, puede ser calificado de ‘blues metal’, un disco muy potente, posiblemente el más potente de todos los grabados por el grupo, y también el disco que peor ha envejecido, quizás debido a una producción floja, típica de los años ochenta. Con todo, tiene temas soberbios, como la propia ‘Razor’s Edge’, ‘I Confess’, la alucinante ‘Moving Fast, Standing Still’ o ese blues clásico que es ‘I Want You To Love Me’. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Los cambios de formación son constantes en la banda, y los Hogs vuelven a cambiar en 1987, pues entran Dave Anderson al bajo (que había tocado, nada más y nada menos, con Hawkwind y Amon Düül II) y Mick Jones a la batería, con los que vuelve a entrar en el estudio para facturar un nuevo LP, ‘Back Against The Wall’ (1987), y de ese tiempo vuelve a quedar constancia de la clase del grupo en directo con ‘Hogs On The Road’ (1988). </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> ‘Back Against The Wall’ es un ejemplo de actualización del blues rock progresivo en los difíciles finales de los años ochenta, y de alguna forma, una vuelta a las sonoridades de ‘Thank Chist For The Bomb’ y ‘Split’, en formato de trío, como mandan los cánones, y con una sección rítmica impagable, McPhee vuelta a destilar clase a las seis cuerdas: ‘No To Submission’, ‘Waiting In Shadows’, la fascinante ‘Ain’t No Slaver’ o la acústica y desnuda ‘54146’ son buenas pruebas de la enorme calidad de este álbum (el título ‘54146’ hace referencia al número de serie de la Gibson SG que le fue robada al propio McPhee). ‘Hogs On The Road’, por su parte, fue el álbum que se grabó de la gira de ‘Back Against The Wall’, e incluye material clásico y material más reciente (tremendas versiones de ‘3744 James Road’, ‘Amazing Grace’, ‘I Love You Miss Ogyny’) y alguna revisión de clásicos del blues. Ambos discos han sido recientemente editados en un CD doble bajo el nombre de ‘54146’. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Los noventa se caracterizan, sobre todo, porque marcan el inicio de la ya definitiva aventura en solitario de McPhee al margen de Groundhogs, a través de discos y actuaciones en los que Tony está acompañado de su guitarra, y se dedica a tocar blues clásico acústico. Su primer álbum así, ‘The Blues And The Beast’ (1993), grabado en Alemania, es un disco excelente, pero también ‘Foolish Pride’, grabado poco después, donde Mcphee se encarga de todos los instrumentos. ‘Slide, TS Slide’ sería una muestra de su capacidad en solitario sobre las tablas de un escenario, capacidad que le llevaría a talonear a Jefferson Starship durante estos años. Es increíble ver a McPhee en solitario tocando blues, lo lleva en la sangre, es un enamorado del estilo. Además, en 1992 se produce una colaboración soñada desde hacía décadas, McPhee presta sus servicios en algunos temas para el álbum ‘Dining with the Sharks’ de los míticos Blue Cheer, banda con la que Groundhogs tiene más de un punto de contacto. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> En 1996 vuelve a reformar unos nuevos Groundhogs (esta vez bajo el nombre de Tony McPhee’s Groundhogs) para grabar ‘Who Said Cherry Red?’, disco en directo acompañado por Dale Iviss a la batería y Pete Chymon al bajo, formación que no duraría ni un año, pues en 1997 The Groundhogs vuelven a grabar un disco, el notable ‘Hogs In Wolf’s Clothing’ (1998, disco de versiones de Howlin’ Wolf, pero que suena a puro Groundhogs) con una nueva formación: los excelentes Pete Correa (batería) y Eric Chipulina (primero como guitarrista, mientras Alna Fish estaba en el grupo, y luego como bajista), otros hombres crecidos dentro del blues rock… Con esta formación también grabará ‘Eccentric Man. Live At The Marquee’ y el brutal directo ‘Groundhogs Night’, un doble CD que actualiza los clásicos de la banda con una fuerza, una potencia y una calidad realmente indescriptible. Posteriormente, Chipulina y Correa, junto a Alan Fish (también acompañante de McPhee durante algún tiempo) formarían la notable banda de blues rock Egypt. ‘Groundhogs Night’ muestra a una banda, y en especial a un McPhee, que puede seguir pateando culos de grupos y guitarristas con 20 o 30 años menos, ofreciendo un impresionante recital a las seis cuerdas. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> A partir de ahí es el tiempo de los tributos, de las recopilaciones de los materiales añejos, el reconocimiento, por fin, de McPhee como uno de los más grandes guitarristas de su tiempo, la importancia de la banda para la escena blues rock, incluso se la considera una de las ‘raíces del punk’… </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Mentes de Ácido:</b> ¿Piensa que The Groundhogs han sido alguna vez valorados en su justa medida? </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <b> Tony McPhee:</b> Realmente no, a pesar de que tuvimos algo de éxito en las listas de álbumes durante los primeros 70, y yo fui votado el 4º mejor guitarrista de UK en el 71. En el otro lado de la moneda, está muy bien que pueda seguir teniendo una vida normal, sin tener que enfadarme ni tener discusiones todo el tiempo. </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> 1999 comienza con una nueva grabación de The Groundhogs, ‘The Muddy Waters Song Book’, un álbum tributo al gran Waters en el que se acompaña de los Egypt Chipulina y Correa, y en el que se aprecia el gran amor de McPhee por la obra del bluesman. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Hoy, Tony McPhee sigue en activo, con diversos proyectos, entre los que destaca el dúo de blues acústico que tiene junto a su esposa Joanna Deacon, que tienen muchos conciertos en las Islas, y acaban de editar un álbum, ‘Blues At Ten’… también ha colaborado en el disco homenaje a John Lee Hooker ‘From Clarksdale To Heaven (A Tribute To John Lee Hooker)’ grabando un par de temas (‘Groundhog Blues’ y ‘I'm Leaving’) con los míticos Dick Heckstall-Smith y Clem Clempson (Colosseum). Y de vez en cuando, menos frecuentemente de lo que nos gustaría, vuelve a coger la guitarra eléctrica para hacer algunos conciertos eléctricos, en dos caminos diferentes: alguna vez ha reunido a los Groundhogs originales, Peter Cruickshank y Ken Pustelnik (que siguen unidos a la obra de McPhee con su propio grupo, Groundhogs Rhythm), para hacer conciertos (su memorable actuación en Shrewsbury en 2003, con el trío clásico – Pustelnik, Cruickshank y McPhee – quedó recogida en el DVD ‘60/40 Split’, demostrando que siguen siendo geniales), pero es más fácil disfrutarle al lado de los Tony McPhee’s Groundhogs, junto a Dave Anderson y baterías diferentes.. Además, Martyn Hanson (autor de libros sobre Colosseum o The Nice) ha escrito un libro sobre la historia del grupo, que lleva por título ‘Hoggin’ The Page. Groundhogs: The Classic Years’ (2005, Northdown). </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Habitantes de una tierra no explorada, orgullosos de encontrarse allí, The Groundhogs se sitúan en un universo peculiar, que puede ser visto como el hábitat del más especial e inquieto bluesman blanco de la historia del rock, McPhee es un ejemplo de integridad, siempre yendo acorde con los tiempos pero guardando unas pautas que le son propias, ‘el sonido McPhee’, tan imitado como inimitable, y que ha marcado, aun desde su posición minoritaria de grupo de culto (quizás incluso se le puede catalogar de ‘grupo maldito’), a generaciones posteriores. </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> George Brigman o los actuales Orange Sunshine tienen una esencia Groundhogs incuestionable en su sonido, pero no son los únicos, Master Of Reality, Queens Of The Stone Age (versionan ‘Eccentric Man’), Current 93 (versión de ‘Sad Go Round’), Mudhoney, Earthless (ambos versionan ‘Cherry Red’), Foo Fighters o Pavement (Dave Grohl y Steve Malkmus son grandes seguidores de los Groundhogs) también dejan entrever importantes puntos en común con el grupo de McPhee. Incluso músicos, en principio, alejados del estilo de los Groundhogs les consideran una de las bandas más influyentes de la historia del rock, caso de Captain Sensible, líder de The Damned, y fan confeso del grupo. </span></span></div>
<div style="color: black; text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiunb1ARCFbaepeX5O6kPZumTLL-EWsHtV_PGbxgIiATs8J1epkPrwC0HGq4nNVlXUm85dk7ERwwxTFZe9nwJ1UzRHy2mnjK6z0M-OYLhjrQn0t6nYXCLzIzdxxsk7NHNZOmkej6Nd99Xw/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="87" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiunb1ARCFbaepeX5O6kPZumTLL-EWsHtV_PGbxgIiATs8J1epkPrwC0HGq4nNVlXUm85dk7ERwwxTFZe9nwJ1UzRHy2mnjK6z0M-OYLhjrQn0t6nYXCLzIzdxxsk7NHNZOmkej6Nd99Xw/s320/1.jpg" width="320" /></a></div>
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<br /></div>
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<i>Este artículo puede ser reproducido siempre que sea sin ánimo de lucro y cintando autor y fuente</i></div>
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El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-22413426372855306202012-05-26T11:43:00.002-07:002013-03-05T14:49:39.877-08:00Sun Dial<div style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i>Artículo de Antonio Ramírez</i></span></span></div>
<div style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirSdv0cSVoO8xhCSLsnKdwv8g5YLG3inGpuSXg1wMj8eXiR115s2LcHtBqZnm1O1C-N9m4e1yILz9vaP2l8wDsHGENFQX8nvCTj9oOWV2VEYC2NSKsYcChkPak7sA_U2GeINJKgPMMXeY/s1600/1.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirSdv0cSVoO8xhCSLsnKdwv8g5YLG3inGpuSXg1wMj8eXiR115s2LcHtBqZnm1O1C-N9m4e1yILz9vaP2l8wDsHGENFQX8nvCTj9oOWV2VEYC2NSKsYcChkPak7sA_U2GeINJKgPMMXeY/s1600/1.jpeg" /></a></div>
<div style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<br /></div>
<div style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: right;">
<br /></div>
<div align="CENTER" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Hace
poco pude asistir a un fenomenal concierto de Gary Ramon y su grupo
Sun Dial. Éste tuvo lugar dentro del festival Roadburn, el cual se
celebra desde hace 12 años en la ciudad holandesa de Tilburg. El
hecho de la participación de Sun Dial en este importante festival
centrado en la psicodelia, el stoner rock o el doom, ha supuesto un
auténtico reconocimiento para el papel de Gary Ramon como promotor
del rock psicodélico durante las últimas décadas. Pero a
diferencia de otros protagonistas en el renacer de la psicodelia
británica allá por los 80, como fueron Nick Saloman (fundador de
los míticos Bevis Frond) o Bari Watts y sus The Outskirts of
Infinity, la repercusión de Sun Dial ha sido quizás relativa,
ya que se ha mantenido casi exclusivamente como una banda de culto
para los fans más acérrimos del acid rock y la psicodelia, y quizás
su influencia haya sido más bien indirecta a lo largo del tiempo,
pese a que alguno de sus discos, especialmente el primero, sean
considerados por los conocedores del género como de los mejores de
todos los tiempos. Así pues, aparecer en el Roadburn podría suponer
la revitalización de este grupo en su contexto adecuado, con lo que
un gran número de nuevos aficionados encontrarán en Sun Dial
conexiones con muchos de los grupos actuales que beben de la
psicodelia o el space rock. Desde Mentes de ácido, como fans a
muerte de Sun Dial, queremos sumarnos a este reconocimiento, para
ello os ofrecemos un repaso desde nuestra perspectiva de toda la obra
del grupo hasta la actualidad.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><b>Subiendo
a Tren de la Mente (1985-1989)</b></i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Gary
Ramon sintió desde muy joven un fuerte deseo de experimentar con la
guitarra eléctrica, para ello ideaba múltiples formas de distorsión
con grabadoras y otros cachivaches de tecnología muy primaria cuyos
efectos registraba en multitud de cintas ahora perdidas. Compulsivo
coleccionista de discos de segunda mano, adoraba a los Beatles y el
rock de los 60/70 (especialmente Pink Floyd y el kraut rock) mientras
que la mayor parte de la gente joven que le rodea se dejaba llevar
por el movimiento punk. Durante su adolescencia formó parte de
numerosos grupos de garage junto a sus amigos Anthony Clough y Dave
Morgan (ambos estarían después en Sun Dial). Eran bandas que no
duraban mucho, aunque hubiera algunas de más entidad como The Lord o
Mistery Plane con las que llegó a grabar algunos temas. </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">A
mediados de los 80 puso en movimiento su proyecto más ambicioso
hasta ese momento: The Modern Art, banda con la que Ramon comenzó a
orientar sus composiciones hacia la psicodelia de una forma más
decidida. La creatividad del grupo dependía exclusivamente de él,
los otros miembros iban desfilando como meros colaboradores sin
llegar a concretarse en una formación fija y quizás por eso nunca
llegaron a tocar en directo. Con este cambiante grupo grabó de forma
compulsiva gran cantidad de maquetas que eran vendidas en cinta entre
sus amigos sin un éxito demasiado remarcable. La mayoría de ese
material era muy experimental y sin un carácter totalmente definido,
pero le servía para ir encontrando su sonido.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"> A
diferencia de muchos músicos de los 80 que adaptaban el legado
Stooges/Velvet Underground a la sensibilidad de su momento (tal y
como hacían grupos como Spacemen 3 y otros por el estilo) con
resultados bastante estilizados y minimalistas que desembocaron en el
rollo noise, Gary Ramon retomar sin cortapisas del amplio espectro
del rock psicodélico de los 60/70. Por lo tanto, Ramon, que tenía
una tendencia al exceso y el derroche sónico que le desbordaba,
abusaba ya en la época de The Modern art de todo tipo de ideas,
ritmos e instrumentos. Aunque posteriormente ha declarado que él no
tenía una especial intención de sonar a rock psicodélico es
evidente que ese estilo es el que más fuertemente le influyó en
esos años iniciales hasta llegar a la explosión de Sun Dial.</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpYuhrT6WvA9zWglo51bWSejbISnQ-yxTTXUHc-j9Fo-uw02JZTh-HeaGxAX4s4puhX3-iN269FBsNBVoeTEmZOGDFaiVqviBDrjRQEyK6OVnqHsJtt_Cu0sL6ZJa6RW_rfwhsFsXAjSk/s1600/2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpYuhrT6WvA9zWglo51bWSejbISnQ-yxTTXUHc-j9Fo-uw02JZTh-HeaGxAX4s4puhX3-iN269FBsNBVoeTEmZOGDFaiVqviBDrjRQEyK6OVnqHsJtt_Cu0sL6ZJa6RW_rfwhsFsXAjSk/s1600/2.jpeg" /></a></div>
<br /></div>
<div align="CENTER" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="color: black;"></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Además
de las maquetas en cinta, The Modern Art comienza a editar tiradas
muy pequeñas de singles, flexi-discos y poco después dos lp's:
Stereoland en 1987 y Color Supplement Compilation en 1988. Un año
después sale un nuevo Lp con remezclas de temas seleccionados de los
dos discos anteriores, se llamará All aboard the Mind Train
(posteriormente se ha vuelto a editar varias veces con sonido
resmaterizado) y quizás sea ésta la mejor muestra sonora de The
Modern Art, además de que anticipa de forma más clara el material
que Gary Ramon iba a producir posteriormente. Este disco está
compuesto de temas bastante cortos y relativamente suaves, casi
orientados al pop, aunque con fuertes dosis de guitarra y ambientes
realmente etéreos que tienden hacia una especie de pop espacial
gracias al sonido de los teclados o incluso del sitar. Entre los
temas más destacables de este LP recopilatorio cuentan la estupenda
"Pictures Rewind", "Burning" o la pinkfloydiana
"Beatiful Place". </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Pero
pese a que esas composiciones suenan realmente bien, Gary Ramon se
siente cada vez más descontento de este proyecto (empezando por el
propio nombre que considera demasiado pedante) y decide acabar
fulminantemente con The Modern Art. Prueba de su desinterés por este
grupo es que rescatará para el futuro solo uno de todos los temas
hechos en esa etapa, será "Mind Train". </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><b>La
otra salida (1989-1991)</b></i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Por
fin se decide a formar un nuevo grupo que llamará Sun Dial, para
ello Ramon reclama a sus viejos amigos Anthony Clough (bajo, teclados
y flauta) y Dave Morgan (batería). Él seguirá siendo, no obstante,
el principal cerebro creativo del grupo. Rápidamente compone nuevos
temas a partir de esbozos de riffs que desembocarán en un uso cada
vez más explosivo de su guitarra Fender que apoya con diferentes
efectos como el wah-wah y todo tipo de ecos, algo así como un Jimi
Hendrix (por cierto, Gary Ramon también es zurdo) pasado por el
tamiz de la psicodelia de <span style="text-decoration: none;">Pink
Floyd</span>. Clough aportará instrumentos más exóticos como el
órgano Continental o la flauta de bambú, los cuales darán una
dimensión más atmosférica a la música del grupo, pero sin perder
fuerza por ello. Ramon había mejorado con su voz desde la época de
The Modern Art y ahora escribe líneas vocales más complejas y
melódicas, directamente inspiradas en The Beatles, los Pink Floyd de
Barret o en el sonido de viejos grupos progresivos y kraut.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">En
suma, se trata de todo un viaje hacia atrás en el tiempo, pero no
como un revival mimético, ya que de alguna manera Ramon logra que
las ideas broten con mucha fuerza y vitalidad, tal y como si
estuvieran verdaderamente en 1968.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">El
Lp llegará tras múltiples sesiones de grabación en el Third Eye
Studio de Ramon, donde se registra una ingente cantidad de temas,
algunos de ellos largas jams instrumentales. No siempre están los
tres músicos a la vez, pero cuando se van editando y mezclando todas
las pistas es evidente que se ha conseguido un sorprendente material.
Todo lo registrado se hizo sin ningún tipo de concesión a la
comercialidad, tocan por pura por diversión y esa pureza de
intenciones se nota a través de todos los temas que se conservan de
esas sesiones. </span></span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4d2dMBFVhW8d3ABIdx6ir66wW1qaMTbAFrPibE3EHzZQ0KNn5aq0nwve7hNpgrvYov4aoxYx6603vDUY0y1UQTqFtYg-nIqCuOOfHi2QMp0fGLaOrFngZBYhUos3b1-KkXme5dN-e32w/s1600/3.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4d2dMBFVhW8d3ABIdx6ir66wW1qaMTbAFrPibE3EHzZQ0KNn5aq0nwve7hNpgrvYov4aoxYx6603vDUY0y1UQTqFtYg-nIqCuOOfHi2QMp0fGLaOrFngZBYhUos3b1-KkXme5dN-e32w/s1600/3.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4d2dMBFVhW8d3ABIdx6ir66wW1qaMTbAFrPibE3EHzZQ0KNn5aq0nwve7hNpgrvYov4aoxYx6603vDUY0y1UQTqFtYg-nIqCuOOfHi2QMp0fGLaOrFngZBYhUos3b1-KkXme5dN-e32w/s1600/3.jpeg" /></a></div>
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"> </span></span> </div>
<div align="CENTER" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="color: black;"></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">El
disco será primero auto-editado en 1990 con una tirada muy limitada
de 1500 ejemplares en vinilo (ahora un tesoro para coleccionistas)
bajo la marca Tangerine Records y muy poco después se re-editaría
por Ufo Records en CD/LP (con una portada diferente). Other Way Out
está compuesto por 6 temas que son:</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Plains
of Nazca", que es la segunda versión acortada de uno de los
primeros temas hechos por la banda, Existiendo además otra versión
para un single que sacaría UFO Records. La canción se abre con el
chirriante sonido del órgano Continental y unas guitarras
cristalinas, al poco entra la alucinada voz de Ramon y estos breves
segundos sirven para engancharnos sin remedio en un colorido
calidoscopio musical sin fin. Se trata de un corte a medio tiempo,
aunque contiene bastantes cambios de ritmos e intensidad. A destacar
el gran juego de bajo / batería, perfecta base para que el órgano y
especialmente la guitarra hagan unas brillantes entradas solistas. El
resultado es un tema realmente mágico e inolvidable, uno de los
mejores de toda la trayectoria de la banda.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Exploding
in your mind" se ha convertido con el tiempo en todo un himno de
Sun Dial y personalmente es el tema que más me gusta de ellos. Está
basado en un riff alucinógeno que supone todo un renacer de la
psicodelia guitarrera en su máximo esplendor (en una época, los 80,
que parecía haber olvidado los secretos de ese arte alquímico). Y
es que resulta totalmente alucinante como ataca Ramon durante los
poco más de seis minutos de este tema, como si tal cosa se recrea en
varios solos con ingentes dosis de fuzz y wah-wah y otros efectos que
dejarán satisfechos a los amantes de la guitarras ácidas. A la
altura de deidades musicales del tipo de Hendrix o Randy Holden.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Magic
Flight" se inicia con ácustica, flauta y una voz distorsionada
que nos recordará al folk psicodélico de los 60, pero al par de
minutos entrará una fuerte guitarra eléctrica y todo cambia hacia
un estilo muy a lo west-coast (Jefferson Airplane, Quicksilver M.S.,
Christopher,…), de hecho el espíritu de Jorma Kaukonen flota
durante todo el corte por la forma en que los punteos se intercalan
con el resto de los instrumentos.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"World
without time" suena algo más moderno y progresivo. Al igual que
en el corte anterior hay una combinación de sonidos acústicos y
eléctricos junto a toques de flauta. Aunque es bastante pausado, en
algunos momentos se vuelve más agresivo, sobretodo cuando la
guitarra rompe en fuertes riffs. Es un excelente tema.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"She's
Looking all around", la pieza más larga del disco, rompe con
una guitarra bastante setentera que puede recordarnos a grupos como
Wishbone Ash o los primeros UFO. Nuevamente combinación de acústica
/ eléctrica / flauta en lo que resulta una perfecta mezcla de folk y
rock. A destacar los esplendorosos momentos en que la guitarra
eléctrica se dobla a si misma creando filigranas ultrasónicas.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Lorne
Blues" es, tal y como indica su título, un blues, aunque solo
por su estructura, por lo demás es algo totalmente marciano a causa
de una guitarra fuzz muy distorsianada que ocupa casi toda la
canción. Se trata, sin duda, de un cierre brutal.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Como
dijimos antes, solo un año después Other Way Out es reeditado en
CD/LP, esta vez bajo el sello UFO. La versión en CD cuenta con
varios temas extras provenientes de las mismas sesiones del que se
extrayó el LP. Son: "Other Side", con diferencia un tema
mucho más animado y con aire marcadamente garagero. Domina el riff
del órgano y una estupenda melodía vocal. "Visitation",
extrato de un tema de más de 15 minutos que es simplemente
increíble, con un agresivo y colorido solo de guitarra que deja
atontado de lo bueno es. Años después se publicará la versión
íntegra de este corte, pero de eso hablaremos después.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">En
las sucesivas reediciones de este disco se han ido añadiendo más
temas extras como "Fountain", "Poster paint" o
"Your so real" (¡atención a este fabuloso tema!).</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Con
el tiempo Other Way Out ha sido considerado un disco a la altura de
los mejores de la psicodelia de todos los tiempos, aunque habrá
quien considere que es un disco producto de la mera nostalgia o como
parte un revival que poco aporta a los tiempos que corrían en 1990,
pero una sola escucha de alguien mínimamente sensible a estos
sonidos es suficiente como para dejarle claro cuanto talento,
sentimiento e imaginación desborda.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Tras
la reedición de Other Way Out, Gary Ramon y sus compañeros se meten
de nuevo en el estudio (esta vez en los estudios C.R) con la
intención de grabar lo que sería el segundo disco de Sun Dial.
Aunque ahora cuentan con un nuevo percusionista, John Pelech, en
esencia la banda no ha cambiado musicalmente. Si bien pretendían
grabar de forma inmediata la realidad es que las sesiones se
terminarían extendiendo por varios meses y por una razón u otra
todo el material queda archivado para terminar viendo la luz más
tarde de forma escalonada. Y es en este momento de laxitud cuando Sun
Dial comienza a sufrir una evolución hacia derroteros más indies,
especialmente hacia el sonido Manchester o el movimiento noise
Shoegazing, del cual Gary Ramon será un pionero. Con este repentino
cambio de dirección y tomando como punto de referencia las sesiones
del fallido segundo disco regraban algunos temas, editando un EP en
1991 a través de UFO Records. Sera Overspill, el cual está
compuesto por:</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Fireball",
segunda versión acortada de un tema que iba a ir en el segundo
disco. Ésta regrabación es menos agresiva y más pausada que la
primitiva, aunque no por ello suena nada mal.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Only
a Northern Song" es una brillante recreación de un tema de
George Harrison que estaba incluido en la película Yellow Submarine
de los Beatles. Muy rítmica, alegre y con una punzante guitarra en
su centro supone una gran recreación de uno de los grupos preferidos
de Ramon, aunque es curioso como decide escoger un tema bastante
mediocre antes que alguno de los grandes himnos de los cuatro de
Liverpool.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Never
Fade" es un corte muy atmosférico que deja claro hasta que
punto anticipa Gary Ramon el movimiento shoegazing, aunque sigue
transmitiendo parte de la magia psicodélica de antes.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Overspill"
es un tema instrumental que supone otra muestra del acercamiento de
Sun Dial al noise tan propio de inicios de esa década. Toda una
declaración de principios del estilo a través de una guitarra
altamente distorsionada que se arrastra lentamente y con ambiguedad.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Hay
que decir que este EP está enmarcado en el inicio del proceso de
deterioro de Sun Dial, pero aun así es altamente recomendable.</span></span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3yicM0-bjkLDs3l0bhfN2k0lgPCMAM0sS_ECOPBZs5i936OY5c7L0FebR3mqwNrgdW9gnJoI4vc7fcUYQ9tuUxjK0-ceSC5WismcDiOiEPbHYHobI0QPxgR29lhMyrRIEDEoUUFlbyXw/s1600/4.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3yicM0-bjkLDs3l0bhfN2k0lgPCMAM0sS_ECOPBZs5i936OY5c7L0FebR3mqwNrgdW9gnJoI4vc7fcUYQ9tuUxjK0-ceSC5WismcDiOiEPbHYHobI0QPxgR29lhMyrRIEDEoUUFlbyXw/s1600/4.jpeg" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><b>Decadencia
momentánea (1992-1993)</b></i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">El
paso iniciado con el Overspill EP se profundiza con las siguientes
grabaciones. Anthony Clough deja el grupo para continuar sus estudios
universitarios y entran en la formación Nigel Carpenter al bajo y
Chris Dalley, ambos provenientes del grupo The Bikinis. </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Con
esta formación se trasladan a los Bark Studios y registran una serie
de cortes que formarán su siguiente disco, Reflecter, editado en
1992.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Este
disco supone un alejamiento, aun más pronunciado, del espíritu de
las primeras grabaciones de Sun Dial, perdiendo gran parte de la
magia de los comienzos. Es evidente que ahora suenan mucho más
comerciales y estandarizados, en ocasiones muy cercanos a grupos del
momento como Stone Roses.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Lo
que salva a Reflecter son los temas cuya inspiración provienen de
las sesiones del segundo disco no editado. Éstos son "Mind
Train", composición que Gary Ramon rescató de la época de The
Modern Art. Se trata de un largo corte muy guitarrero donde hace
muestra de su gusto por la distorsión. En esencia se trata de una
jam ejecutada brillantemente, aunque quizás esté algo desfavorecida
por la sobreproducción en las mezclas. También debemos destacar
"Slow Motion" otro tema muy guitarrero, esta vez con toques
de órgano, pero esta versión fue también muy depurada para no
sonar tan agresiva, con lo que el tema pierde casi toda su fuerza
primaria y se convierte en algo así como "rock ácido para
todos los públicos". También encontramos una nueva versión de
"Never fade", composición ya incluida en el Overspill EP,
que esta vez suena más complicada y a dos guitarras, sigue siendo
una muy buena canción.</span></span></div>
<div align="CENTER" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="color: black;"></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Aun
en 1992 sacan otro nuevo EP titulado Fazer (editado en vinilo verde)
que supone una de cal y otra de arena. Son cuatro temas que se
dividen claramente en dos secciones: la cara rockera y la cara
electrónica, pero he de decir que incluso la parte rockera deja
mucho que desear. En esa sección están "I Don't Mind" que
es muy comercial, pero al menos es marchosa y "Let it go",
que me gusta mucho más, bastante más cañera y con un efectivo
estribillo, además de que tiene un solo de guitarra muy bueno. La
segunda cara es música electrónica sin el más mínimo interés
para el que escribe esto.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Pasa
el tiempo y la formación vuelve a cambiar con el cambio de Craig
Adrienne a la batería. Tras los últimas grabaciones, decepcionantes
desde el punto de vista artístico (pero muy sugerentes desde otro
más comercial) Sun Dial pasa a recibir la oferta de varias
discográficas potentes que quieren editar sus discos. Tras pensarlo
no mucho se deciden a fichar con Atlantic Records y Beggars Banquet
para las respectivas ediciones inglesas y americanas. La consecuencia
es muy negativa. Quizás porque está acostumbrado a discográficas
de menos proyección, Gary Ramon se siente ahora presionado para
hacer un disco mucho más vendible y con el que integrarse en el
circuito de grupos comerciales. El resultado es, con seguridad, el
peor disco de Sun Dial, el cual se llamará Libertine y será editado
en 1993. </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Este
LP es, digámoslo claro, una colección de temas bastante flojos y
mucho más tendentes a lo lineal que todo lo compuesto por Ramon
hasta el momento. Además la producción rebaja la carga de guitarra
eléctrica a favor de unas espantosos samplers electrónicos. El
resultado es un disco que podría haber sonado mucho mejor, que en
realidad es mejor que el Reflecter, pero que queda malogrado por una
sobreproducción popera y las molestas interferencias del sonido
programado en contra de la esencia más roquera del grupo. Esto se
demostrará después cuando se lance una versión "deprogramada"
(sin elementos electrónicos) de los masters originales que resulta
mucho más agresiva e interesante que esa primera versión de
Libertine. Pero aun as puede decepcionar a quien busque el sonido de
los primeros Sun Dial, ya que por mucho que se haya eliminado la
electrónica o las guitarras suenen incomparablemente más potentes,
la estructura de algunos temas siguen teniendo algo ciertamente
monótono y encaminado a las cadencias de la música dance. No
obstante, lo cierto es que contiene cortes tan muy buenos como "Going
Down" o "Deep Inside". Por esta razón, para evitar
chascos, recomendamos escuchar antes la versión deprogramada del
Libertine antes de prestar atención a la edición original del 93.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><b>Renacimiento
(1993-1995)</b></i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">En
ese mismo año, Gary Ramon, compulsivo coleccionista de discos,
decide crear su propia discográfica: Acme Records, que en principio
está pensada para editar cosas raras de su propio grupo y después
se ampliará a reediciones de LP's raros antiguos (Bent Wind, Stone
Angel, Dark), o actuales (Spiral Sky, Fantasyy Factoryy, Quad). Y
para satisfacción de los fans de la primera época de Sun Dial Ramon
decide empezar por las sesiones del segundo disco nunca editado en
LP. Para ello saca un disco que se llamará Return Jorney y que
supone un reencuentro con aquello que hizo mágico a Sun Dial. Toda
la psicodelia, las guitarras ácidas y los jams en desarrollo cósmico
están en sus surcos. De hecho puede decirse que, hasta cierto punto,
este disco es superior a Other Way Out, ya que es mucho más potente
y descarnado, más cercano a la heavy psych que a la psicodelia
espacial del primer disco, pero eso ya depende de gustos, yo me quedo
con los dos a la vez. Return Jorney está compuesto por:</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Magic
Potion", intensa versión del tema mítico de los Open Mind,
grupo que Gary Ramon adora y que es clara influencia en su forma de
tocar la guitarra. Aun más corrosiva que la original, Ramon recrea y
multiplica al infinito las guitarras que hicieran de "Magic
Potion" un himno para los fanáticos del heavy psych. Es un
comienzo explosivo que deja claro de que va la cosa.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"North
Eastern", otro trallazo imparable con alucinógenas guitarras
reproducidas al revés y un ritmo desbordante de fuerza , que son las
bases para esta joya instrumental. Una impresionante experiencia
sónica que ya de por si merece la pena por todo el disco.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Fireball",
la primera versión grabada de un tema que ya había aparecido en el
Overspill EP. Se abre con un riff de guitarra pleno de wah-wah y una
buena línea de voz. A diferencia de la segunda versión esta es
mucho más salvaje y densa. Los solos que se van repartiendo sin fin
a lo largo de este tema de 6 minutos y 33 segundos, especialmente el
último que supone un cierre espectacular.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Through
you", en principio se acerca más al material del Other Way Out
por ser algo más suave, pero solo hasta que una impresionante
guitarra distorsionada hasta los extremos cruza la melodía de tal
menera que pone los pelos de punta.</span></span></div>
<div align="CENTER" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="color: black;"></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"U.V."
es un breve y bonito instrumental que combina acústica, percusiones
y efectos de guitarra eléctrica.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">"Sunstroke/Mindtrain",
combina dos temas. El primero es una introducción con una guitarra
muy a lo Hawkwind, con esa misma peculiar impresión de despegue que
casi nos obliga a entrar en un estado de conciencia alterado. Cuando
ya hemos despegado nos encontramos en pleno "Mindtrain" y
con seguridad esta es la mejor versión que Sun Dial ha grabado de
este tema. Mucha, muchísima guitarra eléctrica y una gran base
rítmica que en más de 13 minutos nos transportarán en un viaje
lisérgico de distorsión y atmósferas vibrantes.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Como
broche "Slow Motion", que también fue incluido con
anterioridad en Reflecter y al igual que con el anterior tema
comprobamos que la grabación de 1991 es mucho más salvaje e
intensa.</span></span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6ozn-lGYA85RaXnGgXJWG1jPRUJR3oNqshf1muY9Ai78BDPxXEPbSxEiFJB0F2UjDXA5g6wIZEbqN_z-EnteTSlRiiSTIOmV8ViI8trCl49xlyfx6BV7RLl92Mr9p5NzRS8XiSYGeNIg/s1600/5.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6ozn-lGYA85RaXnGgXJWG1jPRUJR3oNqshf1muY9Ai78BDPxXEPbSxEiFJB0F2UjDXA5g6wIZEbqN_z-EnteTSlRiiSTIOmV8ViI8trCl49xlyfx6BV7RLl92Mr9p5NzRS8XiSYGeNIg/s1600/5.jpeg" /></a></div>
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"> </span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Este
disco extiende un poco más la fama de Gary Ramon como mago de la
guitarra y quizás porque las reacciones en algunos medios hacia este
material antiguo son muy positivas, comprende que su grupo debe
recuperar la fuerza que había perdido en los últimos años. Con lo
cual decide abandonar los experimentos con la electrónica (al menos
en lo que respecta a sun Dial) y regresar al rock más crudo. </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Los
resultados no se comprueban hasta que en 1995 sale un nuevo trabajo
de Sun Dial a través de Beggars Banquet. Este será Acid Yantra, y
efectivamente, nos econtramos con un buen disco que sabe combinar la
fuerza del hard rock (bastante inspirado algunos grupos
independientes de ese momento) con parte de la magia psicodélica de
la primera época. </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Así
pues, en esencia es un disco bastante contenido y de producción
bastante clásica, hay mucho riff hardrockero de guitarra y menos
solos excesivos. Por decirlo de alguna manera hay canciones más
concretas y mucha menos tendencia a las estructuras en desarrollo que
caracterizan los temas de la primera época. Ejemplos de esto son
temas como "Apollo", un corte altamente contundente basado
en un riff muy compacto y rockero. En esa línea están también
"Rollercoaster", "Bad Drug" (muy a lo Stooges) o
"Are you Supernatural?", canciones que se prestan a ritmos
definidos muy propios del hard rock de toda la vida, aunque Gary
Ramon no pierda por ello la oportunidad de marcarse aquí y allá
entradas de guitarras alucinantes, que serán, no obstante, más
comedidas que en el pasado y más ajustadas a las estructuras
clásicas del rock. </span></span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Pero
dentro del disco hay otra dirección diferente, con cortes más
tendentes al space rock y bastante más atmosféricos donde Ramon
aprovecha para explorar las melodías. Ejemplos son el tema que abre
el disco, "Red Sky", aunque este contenga momentos muy
fuertes rítmicamente. "3000 miles" es una composición
básicamente para acústica, muy bonita y con una línea de voz
excepcional; al igual que "Fly into the Sun", que además
incorpora tabla india como percusión. Y también tenemos "Nova",
el tema más largo y quizás el más espacial de todos, con un
desarrollo bastante más progresivo que termina por desembocar en una
explosión de electricidad desbordante.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Es,
por tanto, un regreso bastante esperanzador para los seguidores de
sun Dial.</span></span></div>
<div align="CENTER" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="color: black;"></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Poco
después de Acid yantra, esta vez a través de Acme Records, se edita
el primer disco en directo de Sun Dial, que será Live Drug, tomado
de varios conciertos entre 1993 y el invierno de 1995. Hasta ese
momento solo habían aparecido algunas muestras del sonido en vivo de
la banda, sobretodo en un single editado de forma muy limitada en
1992, aunque al parecer hay registrados muchos conciertos de la
primera época (que se editen ya!!!) de una calidad más que
aceptable.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Este
Live Drug, con la banda tocando en formato de trío ( Gary Ramon,
Graig Adrienne y Jake Honeywill), contiene cuatro temas del Acid
Yantra, dos del Return Jorney y uno del Other Way Out, con lo que
queda patente que Ramon comprende hasta que punto la vertiente más
rockera de Sun Dial es la también la más demandada por su público.
En conjunto es un buen directo que transmite toda la fuerza que
tenían en esos momentos, claramente ahondando en el estilo del Acid
Yantra, es decir, en un estilo mucho más hardrockero que en el
pasado, tal y como se demuestra en la estupenda recreación de
"Fireball" o en "Exploding in your Mind" que aquí
queda transformada en un trallazo mucho más hard que psicodélico,
mucho más acelerada y cañera que la versión original.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_ozhyI2WM0QCCF5h2K4UloBh3qNG7n71UmP-fvrfvYz-zJ5Sf_lmz7KLAwX1_NbnNYthsBkSkp0yHRYNZlJhgzNFdksBDX-PFFrfvrNsER6E-_EFrwKHY-ngCAgVl3e1xA2aCysWdpAM/s1600/6.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_ozhyI2WM0QCCF5h2K4UloBh3qNG7n71UmP-fvrfvYz-zJ5Sf_lmz7KLAwX1_NbnNYthsBkSkp0yHRYNZlJhgzNFdksBDX-PFFrfvrNsER6E-_EFrwKHY-ngCAgVl3e1xA2aCysWdpAM/s1600/6.jpeg" /></a></div>
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i><b>Eclipse
y nuevo amanecer (1997 hasta la actualidad)</b></i></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Las
cosas parecen ir bien, pero tras la edición del Live Drug comienzan
los problemas. Beggars Banquet rompe el contrato con el grupo a causa
de las pocas ventas del Acid Yantra (20.000 ejemplares en todo el
mundo, y era con diferencia el disco que más había vendido de Sun
Dial hasta ese momento), a causa de esto se suspende una gira que
tenían programada por Estados Unidos. Además, Ramon que se haya
inmerso en una intensa labor de producción de grupos como Fantasyy
Factoryy, Hipnosis, etc, algunos de los cuales son editados por su
discográfica Acme, comienza a perder interés por un grupo que
parece no tener demasiada repercusión. Sun Dial queda, de esta
manera, en estado de hibernación hasta unos años después.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Pero
la actividad musical de Ramon no decae del todo, aunque si toma
derroteros muy diferentes. Es invitado a tocar en algunos directos
del grupo vanguardista/ocultista Current 93. Además funda su propio
proyecto llamado Quad (que prosigue en la actualidad), en apariencia
muy alejado de la música de Sun Dial, aunque en la práctica es un
intento de trasladar la psicodelia a la experimentación electrónica,
el resultado son cosas muy al estilo del kraut rock más radical. El
primer disco de Quad se edita en 1997 a través de Acme con una
tirada de 1000 ejemplares, y el segundo en el 98 en un nuevo sello
dependiente de Acme, aun más minoritario, que se llama Prescription,
lanzando una tirada ultra-limitada de 99 vinilos. Siguiendo esta
línea de experimentalismo también participa en el disco "Astral
Disaster" del grupo Coil, concretamente en el tema "I Don't
Want to be the One". Al igual que ocurre con Current 93 los
miembros de Coil están muy centrados en las teorías ocultistas de
Austin Spare, Aleister Crowley o Kenneth Anger. </span></span> </div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Tras
estos vaivenes Ramon termina por resucitar Sun Dial en 2002, primero
dando una serie de conciertos, después componiendo nuevo material y
finalmente editando en 2003 un nuevo disco que se llama Zen For Sale.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Este
nuevo disco no llega a las cotas de calidad de la primeran época,
pero al menos si significa un claro reencuentro con la psicodelia,
aunque también es verdad que de una manera mucho más suave que
antes. En definitva, se trata de canciones correctas, pero para nada
deslumbrantes. Se ve que Gary Ramon había decidido en ese momento
dejar un poco al lado los guitarrazos para volver al punto de partida
de la época de The Modern Art con temas más cercanos al pop
psicodélico que al rock ácido. Eso no significa que no haya
momentos intensos y luminosos como la pinkfloydiana "Open your
Eyes", con un gran riff y muchos toques de órgano radioactivo,
pero por lo general es un disco muy tranquilo, donde Ramon no hace
apenas alarde de su capacidad con la guitarra eléctrica. Pero al
menos no hay abusos con la electrónica, lo cual ya es algo. </span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">A
partir de ahí parece abrise una nueva etapa. Poco a poco parece que
Ramon comienza a tomarle el gusto a la guitarra eléctrica y al
sonido primario de Sun dial. Quizás por eso escoge material de los
archivos de la época del Other Way Out y en 2005 nos regala un nuevo
disco con material de calidad de primera, se trata de Other way in.
Es una recopilación -editada en vinilo en tirada muy limitada- de
demos y outtakes provenientes de las sesiones para el primer y
segundo disco (el que al final fuera el Return Jorney). Todos los
temas incluidos son inéditos, aunque algunos de ellos fueran
publicados en algún momento como versiones incompletas. Se acompaña
en estas grabaciones de la estupenda banda que grabara el primer
disco: Anthony Clough al bajo, teclados y flauta; Dave morgan a la
batería y percusión.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Se
abre este LP con “Atom heart lover”, pieza sacada de las sesiones
del <i>The other way out</i>. Es un tema a medio tiempo, que va
deslizándose poco a poco con un ritmo hipnótico. La voz de Ramon
resuena alucinada mientras suena una guitarra plena de distorsión.
Pura psicodelia, buen anticipo de lo que nos espera.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;">“Astral
vision” es la versión completa de un tema que ya se incluyera en
el Return jorney con el nombre de “Through You”. Esta es mucho
más rítmica y se ha añadido un vibrante órgano en el fondo. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;">“Dark into
Light”, es una demo para el segundo disco nunca publicado. Tema más
acústico y suave, con una estupenda percusión y flauta. Comparable
al mejor folk psycho de los 60. La guitarra eléctrica hace su
aparición, pero de una forma mucho más contenida y sutil. Una
canción verdaderamente extraordinaria.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;">“Phaser song”,
corte que había estado perdido desde las sesiones de 1990 para el
primer disco. Otro tema tranquilo, con la voz y la acústica pasadas
por una distorsión que las dota de una ebocadora atmósfera.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;">“Carousel”,
cierre de la primera cara, se trata de pieza muy garagera. Con unas
tremendas entradas de guitarra ácida.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;">“Plains of
nazca” es una de las grabaciones más antiguas del grupo y sirvió
de base para el corte del mismo nombre incluido en el primer disco.
Comprobamos que esta versión original era una jam sesion de vértigo,
pura y laberíntica improvisación que puede recordar un poco a los
más primigenios Pink floyd en sus momentos más cafres. Absoluta
psicodelia: efectos sonoros a la vieja usanza, un órgano sideral y
una base rítmica de infarto. Una verdadera maravilla.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.5cm; margin-right: 0.5cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="color: black;">“Visitation”,
largo tema que cierra el disco y que para el que esto escribe es el
mejor de toda la selección. Se trata de la versión original de un
tema que fuera publicado de forma incompleta como bonus para la
versión en CD de <i>The other
way out.</i> Si ya de por si el
tema del CD me gustaba ahora es superado con creces. Empieza el corte
de una forma pausada, con una fuerza contenida, despues va ganando
intensidad hasta llegar a un maremagnum de sonido alucinado y de pura
acidez que te dejará sin respiración. La guitarra vuelve a ser la
protagonista, sin descanso en nungún momento y acompñada nuevamente
de un órgano que parece despedir residuos radioctivos. Absoluta obra
maestra.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Hay
que añadir que en la actualida el sello Relapse Records está
reeditando el primer material de Sun Dial y que en la versión en CD
de Other Way Out se incluye integramente este Other Way In.</span></span><br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-Y8U-q-jzHLqiYoRjoHTGTi9LdOOCHsW5kN4jVcIhek7OLGYIAl_ugpDeMiM1h-pcGKEbreqUV9fiZvmIwZD4DWhRqPLer9g9_kM-MacKED2MND7dhk9u9Q0SSHpzZfa_Vf53pJhaRO8/s1600/7.jpeg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="209" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-Y8U-q-jzHLqiYoRjoHTGTi9LdOOCHsW5kN4jVcIhek7OLGYIAl_ugpDeMiM1h-pcGKEbreqUV9fiZvmIwZD4DWhRqPLer9g9_kM-MacKED2MND7dhk9u9Q0SSHpzZfa_Vf53pJhaRO8/s640/7.jpeg" width="640" /></a><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span></div>
</div>
<div align="CENTER" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="color: black;"></span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">El
material incluido en el Other Way In es muy bueno, pero la verdad es
que se trata del pasado y no representa lo que Ramon está haciendo
ahora, con lo cua, más interesante todavía es escuchar la
colaboración de Gary Ramon con el grupo Atomic Workers en su disco
“Embrionic Suicide” como fruto de la colaboración de dos de los
mejores sellos europeos en cuanto a material relacionado con la
psicodelia se refiere: Acme Records y la alemana Nasoni, que se han
confabulado para editar este primer disco de un grupo nada corriente
y de sonido dificilmente encasillable que nos ha supuesto una
agradable sorpresa. Este “Embrionic Suicide” es un trabajo
excepcional por muchas razones, sobretodo por una originalidad más
que evidente y por una acertada mezcla de estilos que hace que su
escucha sea una aventura constante. También porque supone la
oportunidad de reencontranos con la faceta más agresiva de Gary
Ramon. Por si fuera poco también ha hecho las labores de productor,
además de poner su estudio de grabación. No es un disco de Sun
Dial, pero para muchos de nosotros ha supuesto el reencuentro con la
faceta que más nos gusta de este músico.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; font-weight: normal; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Quizás
esta originalidad que comentamos de Atomic Workers se deba, entre
otras cosas, a que esta formación capitaneada por Michel Rossiello
(del grupo italiano That's as Folks) se ha nutrido de músicos
procedentes de diferentes paises (Reino Unido, Italia, Holanda) y una
larga experiencia en grupos de estilos diversos. Ellos son: Laurance
O'Toole a la voz, guitarra y teclados - Daniel Sindance guitarra,
efectos - Angelo Pantaleo a la batería - Gary Ramon a la guitarra,
sitar, melotrón, percusiones , voz - Michel Rossiello al bajo y voz.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; font-style: normal; font-weight: normal; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">Este
disco, que Julian Cope ha definido acertadamente como de “post punk
psicodélico”, se abre con el tema que da título al disco, un
trallazo anfetamínico y muy corrosivo, producido con un sonido muy
crudo que realza el ramalazo garagero y algo desquiciado que el tema
ya tiene de por si. Tremenda la voz de O'Toole e impresionante el
sucio sonido de la guitarra. Sigue “No Reaction”, con un toque
incluso más punkarra y explosivo, aunque sin perder una fuerte dosis
ácida. “White” es un tema mucho más tranquilo, con una
intención más progresiva y experimental en los ritmos y voces, con
muchos cambios y una atmósfera muy psicodélica, es un tema
excelente. “Plastic Man” es uno de los cortes que más me gustan,
es algo así como el garage del siglo XXI, tremendamente original y
currado, donde todos los músicos hacen un gran trabajo. A partir de
aquí entramos en la fase más psicodélica del disco, con tres temas
que parecen componer un largo viaje lisérgico dividido en partes.
“Hurdy Gurdy” es una estupenda versión de un viejo tema de
Donovan. “Down on Earth” es un tema buenísimo de heavy psych con
varias secciones y una fuerte presencia de guitarra, aquí pone la
voz Ramon. “Far Away (Lacrime)”, sigue en esa onda, con
incorporación del sitar, es especialmente destacable la base
rítmica. “Breakfast on the ocean” es un largo instrumental de
casi diez minutos donde Ramon decide volver a las andadas al puro
estilo de los primeros Sun Dial. Bestial la guitarra!!!... todo un
placer para quien disfrute de estos excesos, de hecho el tema es, en
su totalidad, un largo solo apoyado por efectos, percusiones y una
base rítmica muy buena.</span></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<span style="color: black;"><span style="font-size: small;">En
fin, no sabemos que vendrá a conticuación. Por lo pronto a través
de Acme Records acaba de salir otro disco recopilatorio de material
inédito de Sun Dial llamado “Shards of God”. Esperamos que esto
sea señal de que Gary Ramon seguirá manteniendo en activo a Sun
Dial, o que siga colaborando con grupos como Atomic Workers. Pero lo
que es importante para muchos de sus fans es que regrese a su sonido
más guitarrero, aunque por lo que pudimos ver en el concierto del
Roadburn por ahí van los tiros. Pero, sea como sea, ante todo nos
alegramos del reconocimiento que está teniendo, ya que se merece la
eterna devoción de todos los amantes de la psicodelia.</span></span><br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-size: x-small;">Articulo publicado originalmente en abril de 2006 </span></span></span></i></div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="color: black; font-size: x-small;"><i>Este artículo puede ser reproducido libremente siempre que sea sin ánimo de lucro y citando autor y fuente. </i></span></div>
</div>
El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-2489040465069609882012-05-25T16:20:00.001-07:002013-03-05T14:49:20.353-08:00Blue Öyster Cult 1967-1974<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; text-align: right;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> </span><b style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><i>Un artículo de Antonio Ramírez</i></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRWU4FnuiGHynxIOQtZbb0AzF_KofNx1XT5XFy4Zg2UKpzF3qNKJV95UBqCY54s3LO9miZwyRwZSqaVDsgLvYI1lNzKtpjA2Cvzhjtu0SHUluSqVM2dMJD_2G67nvZo8OW0aIWP4iXY9w/s1600/logo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRWU4FnuiGHynxIOQtZbb0AzF_KofNx1XT5XFy4Zg2UKpzF3qNKJV95UBqCY54s3LO9miZwyRwZSqaVDsgLvYI1lNzKtpjA2Cvzhjtu0SHUluSqVM2dMJD_2G67nvZo8OW0aIWP4iXY9w/s1600/logo.jpg" /></a></div>
<div align="CENTER" style="margin-left: 0.4cm; margin-right: 0.4cm; text-indent: 0.4cm;">
<a href="http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=4800415684694156473" name="DDE_LINK1"></a>
</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> <span style="color: black;"> La década de los 70 fue un auténtico hervidero de grandes grupos de rock. Hasta nuestros días han llegado con una fama casi intacta solo los grandes nombres, reconocibles por casi todo aquel medianamente interesado por la música, son aquellas bandas históricas como puedan ser Deep Purple o Led Zeppelin. Sin embargo otros muchos grupos han quedado en un segundo plano para el gran público (y una infinidad que solo interesan para los fanáticos de la época) por razones a veces un tanto incomprensibles. Los Blue Öyster Cult pueden ser incluidos en esta segunda capa de grupos algo olvidados (injustamente) de los 70, si bien es verdad que afortunadamente son cada vez más reivindicados por el público actual y están ejerciendo una mayor influencia en los grupos jóvenes que van surgiendo. A medida que son más conocidos se hace evidente su alta calidad, a la altura de los mejores de su época, con un carácter y una originalidad que los hace muy especiales, para nada equiparables al sonido que se pudiera considerar más estándar de su época. Los BÖC fueron promocionados durante un tiempo como los “Black Sabbath americanos”, pero su sonido incluye muchos matices como para hacer comparaciones tan fáciles, especialmente los tres primeros discos que aquí vamos a tratar y que consideramos como lo mejor de su carrera. Aunque después harían algunos buenos discos, como el Agents Of Fortune, sería en esta trilogía donde el Culto de la Ostra Azul daría rienda suelta a toda su creatividad. </span></span></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCuU08pqtVJMt3TlP6E5njfm_M5kjP2hjZ6nbedYSgkG-9gRV8xY7rXXbNQLzCSE3ZDN9E8Ej5u8r9r_XxexTB7tOW7_3CQSaa3VWtRiuASiKwdUFrXoMzXvTnZ6pjrgvoStem8gsYpgQ/s1600/bocc.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><span style="font-size: small;"> Blue Öyster Cult tiene su origen a comienzos de 1967, concretamente en Long Island (New York), cuando un grupo de universitarios inquietos, entre los que se incluían Albert Bouchard y Donald Roeser (despues llamado Buck Dharna), deciden montar un grupo de rock siguiendo la órbita de la nueva movida psicodélica proveniente de California. Durante una etapa de total desparrame festivo y un consumo desorbitado de drogas, ambos tocarían en sucesivos grupos universitarios con nombres como The Disciples o Travesty (banda que hacía exclusivamente versiones de The Blues Projet). Estros grupos primerizos duran muy poco, algo que era corriente con una infinidad de bandas surgidas en esa época entre los ambientes estudiantiles, pero Bouchard y Roeser siguen teniendo aspiraciones musicales y dejan los estudios para probar fortuna por separado. Tras un breve periodo los dos amigos vuelven a reunirse otra vez. Entre sus idas y venidas Roeser había conocido a Sandy Pearlman, un joven y entusiasta escritor, poeta y crítico musical que, entre otras cosas, había creado junto a su amigo Richard Meltzer la pionera revista especializada en rock'n'roll Crawdaddy, en lo que sería los inicios de un nuevo tipo de periodismo dedicado a la cultura marginal de los jóvenes. Pearlman ve inmediatamente el gran potencial de ambos músicos y les propone ser su representante para intentar ascender en la cada vez más creciente escena rockera, además de colaborar como una especie de director creativo con la imagen del grupo, las letras, etc. Ellos comprenden que Pearlman cuenta con importantes contactos a un nivel más que local, algo que ellos no tienen, y aceptan encantados. Pronto se disponen a buscar más personal para formar un nuevo grupo que en principio se llamaría Soft White Underbelly. En muy poco tiempo la formación contaría con el fugaz paso de John Wiesenthal a la guitarra, Albert Bouchard a la batería, Donald Roeser a la guitarra solista, Allen Lenier a la rítmica y órgano, Andrew Winters al bajo y Les Braustein a la voz. Se buscan un viejo caseron en Stony Brook, donde se dedican a hacer largas y fructíferas jams para ir conociéndose y explorar nuevos sonidos. Van tocando a lo largo de 1968 en bares y locales de los alrededores de New York y gracias a las labores de Pearlman consiguen abrir algunos bolos para gente como Maddy Waters, The Band o Grateful Dead. </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCuU08pqtVJMt3TlP6E5njfm_M5kjP2hjZ6nbedYSgkG-9gRV8xY7rXXbNQLzCSE3ZDN9E8Ej5u8r9r_XxexTB7tOW7_3CQSaa3VWtRiuASiKwdUFrXoMzXvTnZ6pjrgvoStem8gsYpgQ/s1600/bocc.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCuU08pqtVJMt3TlP6E5njfm_M5kjP2hjZ6nbedYSgkG-9gRV8xY7rXXbNQLzCSE3ZDN9E8Ej5u8r9r_XxexTB7tOW7_3CQSaa3VWtRiuASiKwdUFrXoMzXvTnZ6pjrgvoStem8gsYpgQ/s400/bocc.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-size: small;"> Para sorpresa de ellos, en uno de estos conciertos se presenta Jack Holzman, flamante dirigente del sello Elektra. Éste se queda prendado del grupo y no se lo piensa mucho antes de ofrecerles un contrato discográfico. Como es lógico aceptan inmediatamente, quizás intuyendo un exitoso futuro por delante... pero las cosas no iban a ser tan fáciles. Con el dinero de adelanto que les había dado Holzman se apresuran a mejorar su equipo y en 1969 entran a grabar un puñado de temas (producto de numerosos meses de composición y evolución musical en el caserón de Stone Brook) en los estudios que Elektra tenía en Los Angeles. Sin embargo, aquí empiezan una serie de problemas que acaban con todos sus planes. Braustein, bastante problemático y voluble, se pone difícil y dice que sus ideas musicales apuntan a una dirección muy diferente a la del resto del grupo (además tenía serios problemas para cantar, tal y como se había demostrado en unos desatrozos conciertos organizados por Elektra para telonear a Jethro Tull o Jeff Beck). Decide abandonar repentinamente el grupo, dejando incompleta la grabación del disco. Con lo cual la banda entra en una profunda crisis difícil de solventar. Pero Pearlman intenta desesperadamente solucionarlo introduciendo un nuevo cantante: Eric Bloom. Éste ya había formado parte de varios grupos locales de Nueva York (incluido los seminales Lost and Found). Había adquirido así cierta fama en la zona no solo como intérprete y guitarrista sino también como promotor de conciertos, y además era conocido de todos ellos a través de algunos amigos comunes de la universidad. Por lo demás, su voz se adaptaba perfectamente al estilo del grupo. <br /> Pero Elektra no estaba muy conforme con este repentino cambio. Habían visto en Braustein un buen filón comercial, ya que por su aspecto y actitud querían promocionarlo como el Jim Morrison de la costa este, y Bloom no entraba exactamente en esta descripción, con una apariencia mucho más dejada y que podríamos definir como “macarra”. No obstante los responsables del sello deciden al final darle una oportunidad tras presenciar una audición. Entran de nuevo en el estudio para regrabar los temas abandonados, esta vez con Bloom. Por lo demás el nuevo integrante ejerce su influencia en el sonido del grupo, desplazándolo un poco desde la inicial tendencia psicodélica, muy cercana a lo que llegaba de los grupos ácidos californianos, hacia un rock mucho más crudo, más característicamente neoyorkino. Esto, más la urgente necesidad de distanciarse de la mala imagen creada por sus últimos conciertos, les lleva a cambiar nuevamente de nombre. Ahora se llamarán Stalk-Forrest Group. Además, Sandy Pearlman, con sus aspiraciones de gurú, les propone una serie de nombres artísticos a cada integrante del grupo, cosa que todos rechazan salvo Don Roeser, el cual decide usar el apodo de Buck Dharma, y así es tal y como será conocido en adelante. Tras grabar esta nueva demo vuelven a New York. Se va a editar un single con dos temas de este material, pero al poco les llega la triste noticia de que de Elektra ha decidido no seguir con ellos, ya que no ha quedado conforme con el resultado. </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Sin embargo, se trataba de un buen disco (ha sido rescatado del olvido hace poco en una edición en CD), que contaba con algunos temas sobresalientes como “Donovan's Monkey” o “A fact about Sneakers”. Son canciones brillantes que suelen incluir partes improvisadas realmente buenas, donde reluce especialmente las buenas melodías y la versátil guitarra de Roeser. La decisión de Elektra indica hasta que punto se preocupan los sellos de la época por la imagen de los grupos que editaban. Era la parte más mercantil de una escena que muchas veces no se movía por dinero, pero que poco a poco fue entrando en la dinámica de cualquier mercado. A causa de esta decepción y también por algunos encontronazos con sus compañeros producidos durante la grabación, Winters abandona también el barco. Se presentaba así otra nueva crisis, pero por suerte éste es sustituido rapidamente por el hermano de Albert, Joseph Bouchard. Con esto la banda quedaba ya establecida con una formación que duraría unos buenos años, con seguridad los más fructíferos de toda su carrera. Pearlman decide en ese momento tomar más ferreamente las riendas artísticas del grupo y escribe junto a su amigo Meltzer unas letras mucho más oscuras, sobretodo con la intención de crearles una nueva imagen acorde con el giro musical que la banda iba tomando desde la entrada de Bloom. Sus escritos se enriquecen con visiones narcóticas, ciencia-ficción y mucha megalomanía provenientes de su colección de poemas llamada Imaginos (que el grupo llegó posteriormente a adaptar en su totalidad en el disco conceptual de mismo nombre editado en 1988). </span></div>
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<span style="font-size: small;"> Tras ser oidos en una fiesta por el ingeniero de sonido David Lucas, graban en su estudio una demo en ocho pistas con nuevos temas (algunos de ellos reconstrucciones del disco no editado por Elektra) que Pearlman le da a su amigo Murray Krugman, quien trabaja para el sello Columbia. Los jefazos del sello se muestran muy interesados por esta demo y se les pide una audición, la cual tendrá lugar en un pequeño salón de actos de la CBS de New York. Causan verdadera impresión y son fichados inmediatamente por la Columbia para editar un disco. Es cuando Pearlman, en un arrebato de inspiración, les cambia nuevamente el nombre por el de Blue Öyster Cult (los dos puntos sobre la O fue idea de Lanier), una enigmática expresión proveniente de la etiqueta de su cerveza preferida. Al parecer el nombre no agradó demasiado, pero terminan por aceptarlo a falta de otro nombre mejor (habían probado otros como Oaxaca o Santos Sisters), una decisión que a la larga se vió acertada. A partir de ahí todo se precipita y con esa nueva denominación entran a grabar en octubre de 1971 a los estudios de Warehouse de New York. Para enero del 72 ya estaba el primer disco oficial del grupo en las calles, con todo el bombo y platillo que Pearlman y Meltzer pudieron dar a través de los medios a los que tenían acceso (que no eran pocos). Como apoyo, en los programas de radio-fórmula estuvo sonando el tema “Cities On Flame With Rock'n'roll”, aunque pronto se confirmó que no era precisamente un tema demasiado comercial para el momento. </span><br />
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<span style="font-size: small;"> Las ventas fueron discretas. Al poco se comprobó como de importante fue la portada del disco, obra en blanco y negro del artista Bill Gawlick. Se trataba de un diseño francamente impactante que llamaba fuertememte la atención. Gawlick usó una variación del signo astrológico de Saturno / Kronos para el centro de la cubierta, lo cual, dado sus reminiscencias religiosas, alquímicas y metafísicas, aportó un potente halo e misterio que calzaba a la perfección con las retorcidas y herméticas letras de Pearlman y que el grupo no hizo sino aumentar con su puesta en escena, siempre ataviados de cuero, cadenas y collares de púas, una estética que les hizo valederos de cierta fama de pro-fascistas, satánicos y cosas peores. Los crecientes seguidores del grupo tomaron rápidamente este símbolo, pintándolo en los muros o en sus ropas, extendiendo por todos sitios el que se convirtió en reconocible logo del grupo. <br /> Centrándonos en la música, este primer disco es una obra maestra donde se entrecruzan los orígenes de la banda: la psicodelia, y donde también está presente su evolución: el hard rock, aunque acogiendo otras numerosas influencias como pueden ser el blues rock o el progresivo. En definitiva, el resultado no es facilmente clasificable, igualmente suenan sutiles y etéreos que terriblemente guitarreros. En esto ayuda la peculiar producción del disco (de Pearlman y Murray Krugman), que lo hace sonar con un toque algo irreal y teatral, casi como una sátira del rock que no se tomara muy en serio a si misma (aunque esto ocurrirá con todos sus discos), lo cual aportaba un valioso sentido del humor tan escaso en el rock a partir de los 70. La voz de Bloom, eficazmente apoyada por los coros de sus compañeros, se revela como una de las más personales de la escena de ese momento, transmitiendo con fuerza los tenebrosos textos de Pearlman y Meltzer. El disco se abre con “Transmaniacon MC” un inolvidable temazo donde las guitarras sueltan sin descanso un riff sobre una base rítmica muy buena y compacta. Es un inicio inmejorable. “I'm on the Lamb but i ain't no Sheep”, siguiente corte, es otro fenomenal ejemplo de fuerza rockera equilibrada por una atmósfera bastante psicodélica y difuminada. “Then Came the last days of May”, por su parte, es una especie de balada de energía muy contenida y que resulta realmente emocionante, donde Buck Dharma se marca unos punteos proverbiales. Entra después uno de los himnos más conocidos de BÖC: “Stairway to the Stars”, un corte que es perfecto mire por donde se mire y donde se auna imaginación y macarrismo desvergonzado a partes iguales. Es Impresionante el solo de guitarra, que deja claro porqué Buck Dharma es un héroe mítico entre los guitarristas de rock. “Before the Kiss, a Redcap” rompe un poco con la tónica anterior, sonando con más teatralidad aun, especialmente en la fabulosa parte central del tema. Es sin duda otra joya, como también lo es “Screams”, tema bastante suave que claramente ahonda en la tendencia psicodélica gracias a la aportación del órgano y una producción excepcional. Le sigue “She's as beautiful as a foot”, con una letra francamente surrealista (“Ella es bella como un pie”). Musicalmente es una compleja estructura sonora por su combinación de la voz de Bloom con las guitarras y el órgano, contando además con una perfecta base rítmica de los hermanos Bouchard. “Cities in Flame with R'n'R” es, tal y como indica su título, un incendiario tema rockero con un ramalazo muy blusero (al parecer se basaron en el tema “The Wizard” de Black Sabbath para componerlo, nótese en el comienzo), cantado esta vez por Bouchard, donde él mismo y Buck Dharma se lucen a gusto. “Workshop of the Telescopes” es otro corte muy psicodélico y extraño que parece sacado de una película de ciencia-ficción de los años 50, un auténtico viaje psicotrónico. “Redeemed”, que es un corte muy acústico y algo más alegre que el resto da por terminado el disco. En mi opinión este es, sin exagerar, uno de los 10 mejores y sobretodo más originales discos de la historia del rock... es de escucha absolutamente imprescindible. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> La banda se sumergió de lleno en una larga y agotadora gira de promoción para apoyar el disco, a veces compartiendo escenario con grupos que nada tenían que ver con el estilo de BOC, como The Mahavishnu Orchestra por ejemplo. Entre otras dificultades, estaba la falta de práctica para afrontar grandes audiencias y el grupo tuvo que aprender desde cero en este sentido, aunque para ello contaron con grandes maestros como Alice Cooper, al que acompañaron en varios bolos y con el que pudieron comprobar como se pueden crear grandes y espectaculares puestas en escena. Si bien Alice Cooper explotaba el terror y el humor negro ellos aprendieron a ser, ante todo, excesivos. Grandes y exagerados amplificadores, motos de gran cilindrada en el escenario, Bloom impartiendo discursos absurdos, poses teatrales cruzando las guitarras y la impactante visión de verles con 4 o más guitarras en el escenario. Debido a la falta de tiempo y la necesidad de promocionar el disco a toda costa tuvieron que preparar su siguiente album sobre la marcha, componiendo y ensayando en los distintos lugares que iban recorriendo. Para este disco se empeñaron en sonar más pesados, más en la linea del hard rock (que ya empezaba a llamarse heavy metal) del momento, con la intención de ser algo así como los “Black Sabbath americanos”. Sin embargo, pese a sonar bastante fuertes no abandonaron su carácter tan especial (sobretodo en el sentido del humor) y variado, sus temas seguían siendo muy difíciles de ubicar. Aun así, para la crítica del momento este nuevo disco, que sería titulado Tyranny and Mutation, editado en 1973, significó el verdadero inicio del heavy metal en Estados Unidos. Sin entrar a discutir eso, si es verdad que este disco fue de gran influencia en multitud de bandas de rock duro que surgían o que estaban en estado de germinación en ese momento y que eclosionaron a partir de 1976 o 1977. <br /> Ahora componían los temas de una forma mucho más grupal que antes, lo que se nota muy claramente en este nuevo album, ya que suena mucho más compacto. En eso tiene también que ver el tipo de producción, esta vez mucho más limpia y profesional. Si bien se perdió esa especial atmósfera psicodélica del primer disco, crucial para que sonara único, ahora se ganó en fuerza, que al fin y al cabo es lo que ellos querían. Nuevamente cuentan con una excelente cubierta a cargo de Gawlik. Es una ilustración a tres colores que representa una especie de zigurat hipermatemático, un templo del Culto de la Ostra Azul. Seguían por tanto sin abandonar ese halo de misticismo bizarro que les había hecho célebres y tan polémicos. Además, el vinilo diferenciaba ambas caras como A: The Black y B: The Red. No es que fuera un album conceptual, se debía a toda la parafernalia de desorbitadas fantasías de megalomanía surrealista y ciencia-ficción puestas al servicio del grupo por un Pearlman que se encarga aquí de casi todas las letras.</span><br />
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<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipP2CoRWrmSZRIvbb8Ft-eIu0BtfNW0_iDYYp1-FeM5vhWFuZGEtWuH1R-YcJpZt5tlhewERMNxkmsJX82XrodezMno6RqgsZbTzUgbT0SsHdbWA4OaihSrtu8M9nr00qlp9nLmVvZFr0/s1600/boc2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipP2CoRWrmSZRIvbb8Ft-eIu0BtfNW0_iDYYp1-FeM5vhWFuZGEtWuH1R-YcJpZt5tlhewERMNxkmsJX82XrodezMno6RqgsZbTzUgbT0SsHdbWA4OaihSrtu8M9nr00qlp9nLmVvZFr0/s1600/boc2.jpg" /></a></span></div>
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<span style="font-size: small;"> El disco se abre con “The Red & the Black”, una nueva reelaboración de un tema ya incluido en el primer disco (a su vez proveniente del disco para Elektra), pero que allí se llamaba “I'm on the Lamb”, aquí es mucho más rápido, con un inicio guitarrero descomunal que explota en los altavoces al inicio del tam. Cuenta con un trabajo mucho más definido del bajo, ya que con este tipo de producción se aprecia más la labor de J. Bouchard. “O.D.'d on the life itself” es un corte mucho más lento, con un cierto toque funky que se aparta del tono normalmente siniestro que gustaban gastar, pero no por ello deja de ser una gran canción. “Hot rails to hell” es otra exquisita macarrada, increible tema apoyado en un potente riff desgranado a largo de todo su minutaje. “7 Screaming Diz-Busters” es otro de los himnos de la banda que justifica su fama de pioneros del heavy metal, aunque es verdad que de una manera muy alejada de los clichés propios ese estilo. Aquí es especialmente apabullante el sonido de las guitarras, así como el uso del órgano al final del tema. “Baby Ice dog” está co-escrita por Pati Smith, que por entonces era novia de Allen Lanier. Es un tema con mucha presencia de órgano, algo que también ocurre en “Wings Wetted Down” (con una letra, al parecer, basada en algunos poemas de Pablo Neruda), tema con un toque muy decadente y melódico, con un gran trabajo a los teclados. Esto da paso a otra excelencia como “Teen Archer” ( única letra escrita por Richard Meltzer en este disco), rebosante de melodías (excelentes las voces!!!) y con unas guitarras deslumbrantes combinadas con un solo de órgano de antología. Es realmente un corte genial. “Mistress of the Salmon Salt” es el último corte, un magistral cierre para un disco que ahonda en algunas de las características del primero, pero llevándolo a sonidos mucho más duros. Con este segundo trabajo la banda vende más ejemplares en todo el mundo, con lo que su fama crece considerablemente. Gracias a esto viven un buen momento que les permite relajarse algo más en comparación con el ajetreo de giras anteriores. En esta situación esperan hasta un año para preparar un nuevo album que se titulará Secret Treaties. Viene embuelto en una cubierta algo diferente, también es un dibujo en blanco y negro, obra de Ron Lesser, pero esta vez representa a la banda delante de un Messerschmitt 262, un avión supersónico alemán que Hitler quizo utilizar como el arma definitiva para la Segunda Guerra Mundial. El piloto del avión es un esqueleto. En sustitución de la esvástica el ilustrador colocó el símbolo de Saturno / Kronos adoptado por la banda. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipP2CoRWrmSZRIvbb8Ft-eIu0BtfNW0_iDYYp1-FeM5vhWFuZGEtWuH1R-YcJpZt5tlhewERMNxkmsJX82XrodezMno6RqgsZbTzUgbT0SsHdbWA4OaihSrtu8M9nr00qlp9nLmVvZFr0/s1600/boc2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUY6QqpCNIzvK6LBHP2CNCq1YFPSk516Zr4TV7FlEiQ52H5p2i6gNQSTqKyHTiujd3Hg_07evWss83Qg4HowMpiEXUfNV-E-bmJCkCsEI9g13H__wIypQlX7jVn6FgGAvJIFAvD4Svl6c/s1600/boc3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-size: small;"></span></a><span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUY6QqpCNIzvK6LBHP2CNCq1YFPSk516Zr4TV7FlEiQ52H5p2i6gNQSTqKyHTiujd3Hg_07evWss83Qg4HowMpiEXUfNV-E-bmJCkCsEI9g13H__wIypQlX7jVn6FgGAvJIFAvD4Svl6c/s1600/boc3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUY6QqpCNIzvK6LBHP2CNCq1YFPSk516Zr4TV7FlEiQ52H5p2i6gNQSTqKyHTiujd3Hg_07evWss83Qg4HowMpiEXUfNV-E-bmJCkCsEI9g13H__wIypQlX7jVn6FgGAvJIFAvD4Svl6c/s1600/boc3.jpg" /></a></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Secret Treaties es un album mucho más suave que los previos, más apoyado en las melodías vocales y unas guitarras muy matizadas en comparación con la electricidad desatada de antes. Aquí BÖC se dejan impregnar más por la música del momento, siguen siendo ellos con sus múltiples influencias, pero se percibe una similitud con músicos como Alice Cooper o el Bowie más eléctrico, abriéndose así a un rock intermedio con ciertos toques pop, una tendencia se incrementará posteriormente. Por lo demás, hay una producción altamente cuidada y un mayor uso de la tecnología disponible en el época. Aun así, siendo justos, sigue siendo un disco muy guitarrero para ser de 1974, y además, pese a contar con sintetizadores ellos siguen utilizando, en combinación con éstos, los típicos Hammonds de principios de los 70, lo cual ayuda a mantener cierto toque añejo que muchos otros grupos del momento habían perdido empeñados en parecer lo más modernos posibles. Les va muy bien en las ventas y su fama mundial crece más todavía. Sin embargo, curiosamente la gira por Europa se torna desigual. En sitios como Noruega llegan a tocar incluso ante una escasa docena personas. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> En lo respecta al disco, este se abre con “Career of Evil”, canción nuevamente co-escrita junto a Pat Smith. Es un tema bastante contenido, muy apoyado en los órganos y con una melodía vocal muy conseguida y de gran calidad. “Subhuman” es algo más marchosa, nuevamente con gran presencia de los teclados (omnipresentes en todo el album) aunque más guitarrero. “Dominance and Submission” crece en fuerza, es más al viejo estilo del grupo, con un riff a dos guitarras y un Eric Bloom cantando mucho más agresivo. Hacia el final un gran solo de Dharma. “ME 262”, es el corte que da el motivo a la portada del disco. Se trata de un potente rock'n'roll-boogie donde se relata las aspiraciones de Hitler de destruir Inglaterra con su arma defnitiva: el caza Messerschmitt 262. “Cagey Cretins” es quizás uno de mis cortes preferidos del disco, un potente rock con unos coros muy melodramáticos y una fuerte base rítmica, todo ello combinado con un buen uso del órgano. “Harvester of eyes” es otro gran tema, con mucho lucimiento de Buck Dharma a la guitarra. Aquí llegamos a las dos joyas que cierran el disco. Con “Flaming Telephats” nos encontramos con una excepcional melodía vocal, incorporada sobre una base instrumental magnífica. Hay una momentánea presencia del moog, el sonido sintético que más de moda se puso a mediados de los 70, pero aquí se utiliza sin sobrecargar. Por si fuera poco escuchamos un estupendo trabajo de Buck Dharma a lo largo de todo el corte. Y finalmente llega “Astronomy”, que comienza como una balada y poco a poco va cargándose de potencia y lirismo, para total lucimiento de la portentosa guitarra de Dharma. Es un fin magistral para un disco que cierra una etapa irrepetible de Blue Öyster Cult y que Roeser definió como “nuestra época en blanco y negro”. Añadir que para este disco se edito un single con el clásico de Steppenwolf: “Born to be Wild”, un merecido tributo a uno de los grupos mas influyentes para BÖC. </span><br />
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<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-eSPPhZs370Zw-YpVmvcY_AdnvkzvN96J3vReWGPMEojsP4UNhpjzcjWN6Nzx21J7KNvM-Ys0zcF5QhPZfH2IpwTuG_V5-sVFvrEezosgNtw6nwrnwacK1h7lEwOjueV946UyGSTyy_4/s1600/boccc.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-eSPPhZs370Zw-YpVmvcY_AdnvkzvN96J3vReWGPMEojsP4UNhpjzcjWN6Nzx21J7KNvM-Ys0zcF5QhPZfH2IpwTuG_V5-sVFvrEezosgNtw6nwrnwacK1h7lEwOjueV946UyGSTyy_4/s1600/boccc.jpg" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-eSPPhZs370Zw-YpVmvcY_AdnvkzvN96J3vReWGPMEojsP4UNhpjzcjWN6Nzx21J7KNvM-Ys0zcF5QhPZfH2IpwTuG_V5-sVFvrEezosgNtw6nwrnwacK1h7lEwOjueV946UyGSTyy_4/s1600/boccc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="color: black;"> </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="color: black;"> Epílogo: Tras Secret Treaties BÖC sale un magnífico disco en directo, lo que sirve como un antes y después para el grupo, ya que prosigue su carrera publicando todavía algunas grandes canciones y consiguiendo algunos destacables éxitos comerciales, pero fueron bajando paulatinamente alejándose de su sonido primario, así como en su energía. Quizás por querer explotar el éxito conseguido con la famosa “(Don't fear) The Reaper” incluida en Agents of Fortune, poco a poco fueron derivando a un rock bastante más comercial y de desigual calidad, pero que sin duda consiguió atrapar a muchos fans. Quizás fueron en parte víctimas, entre otras cosas, de una confusa epoca para las bandas veteranas de los 70 como fueron los años 80. En todo caso son discos con poco interés para el que escribe, al menos en comparación con las cimas artísticas conseguidas en sus tres primer</span>os álbumes.</span><br />
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<span style="color: black; font-size: x-small;"><i>Este artículo puede ser reproducido libremente siempre que sea sin ánimo de lucro y citando autor y fuente. </i></span><span style="font-size: small;"><i><span style="font-size: x-small;"></span></i></span></div>
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El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-37439186905028878302012-05-25T15:41:00.001-07:002013-03-05T14:48:42.824-08:00La conversión psicodélica de The Beatles<div style="text-align: right;">
<b style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><i>Un artículo de Jano Delgado </i></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhU5mYaxJBflWQl_JawEn_17XdOkswPhW1o6M5mmob14JJO3_X1kv-eWLeibpyAsYF6rb_C2KY8939K1t_KmhElpNwcm6QYgehqZfH7dnIBghRJUvxhsmiYALnd4SSjvTychSu2TMOu56s/s1600/beatles.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="344" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhU5mYaxJBflWQl_JawEn_17XdOkswPhW1o6M5mmob14JJO3_X1kv-eWLeibpyAsYF6rb_C2KY8939K1t_KmhElpNwcm6QYgehqZfH7dnIBghRJUvxhsmiYALnd4SSjvTychSu2TMOu56s/s640/beatles.jpg" width="640" /></a></div>
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Es casi imposible buscar un adjetivo para valorar la influencia de The Beatles en la historia del rock. Para este artículo nos centraremos en el gran cambio que dio la formación de Liverpool entre 1965 y 1966 y que daría lugar a un álbum, ‘Revolver’, que se convertiría en poco menos que el paradigma para gran parte de los grupos de su tiempo, inaugurando un sonido nuevo que ya parecía intuirse en su anterior LP, ‘Rubber Soul’. </div>
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Hablar de The Beatles siempre es difícil. Hoy es un grupo venerado por la inmensa mayoría de la crítica y el público, pero sigue habiendo un pequeño sector que los repudia, algo que parece inconcebible. Que The Beatles no se quedaron en el perfecto beat pegadizo de ‘She Loves You’ y que marcó el que, posiblemente, fue el mayor punto de inflexión en la historia del rock es lo que intentaremos esbozar en estas páginas. De donde, esperamos, pueda sacarse una conclusión clara: no sabemos si The Beatles es el mejor grupo de la historia del rock... pero lo parece. Aunque siempre se ha hablado de la historia de The Beatles como una historia de la buena suerte, y sin duda la tuvieron, lo cierto es que los comienzos de los cuatro de Liverpool no fueron tan sencillos como pudiera parecer en un principio. En los Estados Unidos, la banda no tuvo sino estrepitosos fracasos en sus primeras giras. Sin embargo, en 1964 ya serían los reyes absolutos de la música popular. A comienzos de 1964 su discográfica, Capitol, decide jugarse más de 50.000 dólares en una nueva gira de los Beatles por los Estados Unidos, a pesar de los previos fracasos. Por aquel tiempo, los Beatles ya son ídolos en Inglaterra, aunque les faltaba conquistar el mercado estadounidense. Esos 50.000 dólares fueron a la promoción de ‘I Want To Hold Your Hand’, que tuvo una buena acogida lo cual les llevó a Nueva York para actuar en el emblemático programa de televisión de Ed Sullivan, que resulto ser seguido por más de 60 millones de telespectadores. En marzo de ese mismo año, The Beatles sitúan cinco singles en el top ten americano. Así, The Beatles fueron los primeros ingleses en triunfar en Estados Unidos de forma masiva. La razón o las razones de este éxito son difíciles de explicar: sin duda, la buena suerte jugó una baza primordial, aunque achacar el triunfo de los Beatles a solo ésto sería una manera injusta de minimizar la cuestión. The Beatles abrieron el camino a muchas otras bandas de una nueva forma de hacer rock, primero porque demostraron que se podía hacer música popular al margen de bandas como los Shadows y cantantes como Cliff Richards; segundo, porque The Beatles demostraron que en Inglaterra también se podía hacer rock and roll. El R&R tuvo enorme éxito en Gran Bretaña a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, pero hasta los cuatro de Liverpool no hubo ninguna banda inglesa en esa tradición (exceptuando, quizás, algún tema de los Shadows). The Beatles, ya desde los comienzos en The Cavern, el mítico club de Liverpool, fueron originales de algún modo.<br />
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Durante su etapa en The Cavern Si bien es cierto que al comienzo su repertorio se basaba en grandes clásicos del rock and roll de Chuch Berry o Prestley, no es menos cierto que llevaron importantes innovaciones a la música rock inglesa: aunque el R&B típicamente negro contaba con un mercado en Estados Unidos, en Gran Bretaña nunca contó con demasiado apoyo comercial, y sin embargo, Lennon era un fanático de los grandes grupos vocales negros de R&B americano, y su idea, en lo que luego se basó en gran parte su triunfo mundial, fue el uso de las armonías vocales de estos grupos de R&B negros (como, por citar alguno, The Drifters) al rock and roll. Así pues, cuando The Beatles empezaron a cantar aquellos clásicos, con esas hermosas armonías vocales heredadas del R&B negro, supuso una grata sorpresa para el público británico, que no estaba familiarizado con tales sonidos. Sin embargo, esto también sería algo que, de cierta manera, minimizaría el problema del impacto de los Beatles en la música popular occidental. Lo realmente importante, pensamos, es que algo tuvieron The Beatles que no tuvo ningún otro grupo de su tiempo. Pero volvamos a 1964… La beatlemanía es un hecho a finales de 1964, y aún más claro a mediados de 1965, cuando la banda estrena un nuevo film y un álbum que, aún siguiendo las coordenadas de sus anteriores trabajos, ya se dejan intuir algunas pautas que marcaran sus obras posteriores, que acabarían por cambiar la historia del rock. Tal álbum fue el mítico ‘Help!’, que vio la luz en agosto de 1965. Help!’ supone un pequeño punto de inflexión en la obra de los Beatles, que tras su gira por los Estados Unidos, en la que descubren algunas bandas de rock que luego serán importantes, se dan cuenta de que hay que dar un paso siguiente dentro de su estilo. Para ello será esencial Bob Dylan. Lejos de intentar marcar quién influjo a quien, pues caeríamos en la aporía del huevo y la gallina, lo cierto es que las relaciones entre Dylan y los Beatles son tan importantes como fascinantes. En 1964, mientras los Beatles están poniendo patas arriba el rock en los Estados Unidos, Dylan se encuentra de gira intentando cambiar la historia con una propuesta mucho más arriesgada que la de los Beatles, el folk. Sin embargo, cuál sería su sorpresa cuando vio que cuatro chicos de Liverpool habían colocado ocho singles en el top ten americano, y en ese momento comprendió que la historia ya había sido cambiada. Dylan, el gran profeta del folk, la protesta y la contracultura, decidió electrificarse a la forma de los Beatles (aunque también sería esencial para este cambio el éxito que tuvo una banda como The Byrds, también eléctrica, con su canción ‘Mr. Tambourine Man’). Por su parte, The Beatles tuvo en Dylan, aunque también en los Byrds, su máxima fuente de inspiración para ‘Help!’, y no porque la banda se decidiera a hacer algunos temas de folk rock, que también, sino más bien porque The Beatles, y especialmente Lennon, comprendió con Dylan que había que dejar las canciones beat de amor adolescente para ir un paso más allá. O dicho de otra forma, se podían hacer grandes canciones al margen de los perfectos temas bailables de amor. Así, ‘Help!’ es importante justo por eso, porque es el primer álbum de los Beatles que contiene algún tema más introspectivo (aunque en ‘The Beatles For Sale’ ya parecía intuirse esta dirección, pero no de forma tan patente como en ‘Help!’). La influencia de Dylan es clara en el melancólico tema de Lennon ‘You’ve Got To Hide Your Love Away’, pero también son introspectivas las seminales ‘Help!’, en la que Lennon parece estar demandando ayuda urgente, o ‘Yesterday’… No obstante, a pesar de algún tema, este sigue el desarrollo lógico de los anteriores discos de The Beatles, principalmente porque, aun siendo una joya, no deja de ser un álbum de ‘perfectas canciones de amor adolescente’. 1965 es un año esencial para la historia del rock. En Inglaterra los Rolling Stones graban ‘The Rolling Stones, Now!’, ‘Out Of Our Heads’ y ‘December's Children (And Everybody's)’, The Who graban su debut ‘The Who Sings My Generation’, los Kinks el ‘Kinda Kinks’, The Pretty Things graban su debut homónimo y el ‘Get The Picture?’, The Yardbirds los magníficos ‘For Your Love’ y ‘Having A Rave Up’ y The Animals el ‘Animals On Tour’ y el ‘Animal Tracks’… y en los Estados Unidos, Dylan graba sus dos primeros álbumes con acompañamiento de banda de rock, ‘Bringing It All Back Home’ y ‘Highway 61 Revisited’, The Byrds graban ‘Mr. Tamborine Man’ y ‘Turn, Turn, Turn’, The Beach Boys editan ‘Today!’ y ‘Party!’, o Lovin’ Spoonful el ‘Do You Believe In Magic?’… Estaba claro que algo se cocía dentro de la música popular.<br />
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La aparición de ‘Help!’ también fue clave en el desarrollo del rock, pero aun más lo fue el siguiente trabajo de la banda de Liverpool. Los Beatles tenían un feroz contrato con Capitol, que les obligaba a grabar dos álbumes por año y 1965 no sería una excepción: tras la edición de ‘Help!’ en verano de 1965, la discográfica obligó a The Beatles a hacer otro álbum para las navidades de ese mismo año. Ese álbum marcaría el inicio del cambio más importante que dio el rock en aquellos años, y se llamaría ‘Rubber Soul’. </div>
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Llegados a este punto, lo lógico sería preguntarse qué es lo que paso entre agosto y diciembre de 1965 para que The Beatles diesen un paso tan esencial y maduro como el que llevaron a cabo. La respuesta es compleja. Con el tiempo parece increíble que semejante obra maestra se hiciese con prisas y en plazos tan estrechos: cuando comenzaron las sesiones de grabación, a medidos de octubre, el grupo tenía muy pocas canciones escritas, por lo que se vieron en la obligación de componer más de una decena de temas en apenas un mes. En octubre de ese mismo año, la Reina de Inglaterra les condecora con la Medalla del Mérito Británico por su contribución a la industria musical de su país. Desde ‘Help!’ la banda había apostado por la experimentación en las sesiones de grabación, pues grababan tomas e iban enriqueciendo el resultado hasta dar con la fórmula perfecta, algo que ya se repetiría en los siguientes discos del cuarteto, pero la experimentación nunca se había dado tan claramente como se dio en ‘Rubber Soul’. Por esos años, el trío de compositores del grupo (Lennon, McCartney y Harrison) eran auténticos devoradores de música, y todo lo que oían les influía de alguna manera. Esto se me antoja esencial para entender el gran cambio que se produjo en el seno de la banda. ‘Rubber Soul’ fue esencial por varios factores, por un lado, mostraba al mundo a unos nuevos Beatles, o dicho de otro modo, mostraba de lo que era capaz el cuarteto. Por otro lado, adelantó una nueva forma de ver el rock: la psicodelia. Poco importa si ‘Rubber Soul’ fue o no el primer álbum psicodélico de la historia del rock, lo verdaderamente importante es que acercaba al gran público una nueva forma de hacer y entender el rock. En Estados Unidos, hacia 1964 o 1965, el nacimiento de la psicodelia era poco menos que un secreto a voces. Efectivamente, California se había convertido en la parada obligatoria de cualquier joven que quisiese luchar contra la represión del conservadurismo americano o contra la Guerra de Vietnam o a favor del derecho de los negros. Ellos demandaban ‘una nueva moral’, en la que el amor y la libertad ocuparan el centro de su filosofía, demandaban del mismo modo una cultura propia, hecha por los jóvenes para los jóvenes, en la que el rock sería la forma cultural, quizás, más importante. Una filosofía, o si se quiere, una forma de vida, en la que las drogas serían determinantes como forma de huir de un mundo que ha desmotivado a la juventud. </div>
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Esta nueva forma de vida contra la ‘violencia’ en la democracia conservadora americana genera en 1965 una masiva desobediencia civil (primero negra y después blanca), cuyo primer ejemplo sería, por ejemplo, el quemar las cartillas de reclutamiento para ir a Vietnam. La universidad se convirtió en el centro neurálgico de este movimiento. Paralelamente, Timothy Leary se convirtió en un gurú del moviendo pre-psicodélico con sus estudios sobre las drogas (‘La Experiencia Psicodélica’ y ‘Rogativas Psicodélicas’), y su consecuente experimentación con las propias drogas. En ese contexto es en el que hay que ubicar ‘Rubber Soul’ que, aunque fue diseñado y creado al otro lado del Atlántico, contiene importantes influencias americanas. No hay que olvidar que en los meses previos a las sesiones de grabación de ‘Rubber Soul’, los Beatles estuvieron de gira por los Estados Unidos, y parece indudable que vieron de cerca cómo se convulsionaba la sociedad juvenil americana en ese tiempo. Por otro lado, todo parece indicar que vieron o escucharon nuevos grupos, que hacían una música novedosa (The Byrds, que alcanzaron éxito en Inglaterra en la primavera del 65, o algún otro grupo de la Costa Oeste), y tuvieron acceso a distintas drogas. Así, a comienzos de 1965, los Beatles están habituados a diferentes drogas blandas, sobretodo a la marihuana, pero todo parece indicar que fue en Estados Unidos donde tuvieron acceso a las primeras drogas genuinamente psicodélicas, y en especial al ácido lisérgico (LSD) que, por aquel tiempo, aún era legal en algunos estados, California entre ellos. La influencia de las drogas (especialmente del LSD) en ‘Rubber Soul’ es tan clara como esencial para el resultado final, algo que ya se aprecia desde la misma portada, con una imagen distorsionada del cuarteto, como visto a través de los ojos de un individuo en un viaje de ácido. Los que más experimentaron con el LSD durante las grabaciones del disco fueron George Harrison y John Lennon, especialmente éste último, que incluso parece ser que estuvo obsesionado con la lectura de ‘La Experiencia Psicodélica’ de Leary. El LSD liberó, de cierta forma, la creatividad del grupo. Con todo, lo que aun hoy sigue sorprendiendo de ‘Rubber Soul’ , al margen de la calidad de los temas, es el alto grado de experimentación musical que contiene, algo que junto a las drogas marcaría buena parte de la producción posterior del cuarteto. Es decir, aunque ‘Rubber Soul’ siempre ha sido visto como un eslabón entre el pop comercial de ‘Help!’ y el estilo innovador y experimental de ‘Revolver’, lo que queremos constatar es que si bien es cierto que supone una ruptura con respecto a ‘Help!’, también es cierto que ‘Revolver’ es el desarrollo lógico de ‘Rubber Soul’, porque éste quizás no sea tan experimental como ‘Revolver’, pero sí que es igualmente innovador. Decíamos antes que los Beatles, en 1965, son una auténtica esponja de sonidos e influencias, pero no sólo americanas, sino también británicas. Es innegable la influencia de Dylan en ‘Day Tripper’ (single aparecido entre las ediciones de ‘Help!’ y ‘Rubber Soul’ claramente influido por el ‘Positively 4th Street’), pero también en el single ‘I Feel Fine’, por ejemplo, es igualmente innegable la influencia del sonido de la guitarra del joven Clapton de los Yardbirds y ocasional miembro de los Bluesbreakers de John Mayall. ‘Drive My Car’, el tema de McCartney, con ayudas de Lennon, que abre ‘Rubber Soul’ . Es un rock alucinante y algunas frases de guitarra recuerdan al ‘Respect’ de Otis Redding. La maravillosa ‘Norwegian Wood’, de Lennon, con una letra colosal, contiene un sitar tocado por Harrison (que pudo estar influido por la afinación que tenía Dave Davies de su guitarra, aunque todo parece indicar que fue causa de la fascinación que le produjo a Harrison su uso por Jeff Beck, entonces guitarra solista de The Yardbirds). O también es destacable la posible temática política de ‘Think For Yourself’ de Harrison, con un tremendo bajo fuzz de McCartney, o el rock de ‘The Word’ siempre tachado de tema estúpido pero que tiene claves sobre el ‘deber’ del hombre de volverse un ser pensante, lo que en realidad es toda una declaración de principios. O la balada ‘Michelle’ que aunque fue compuesta como una parodia de las canciones de amor francesas ha pasado a la historia como una de las más bellas canciones jamás grabadas. ‘What Goes On’, cantada por Ringo, es un tema influenciado por el folk rock o, incluso, el country rock, o ‘Girl’, preciosa balada en la que Lennon introduce alguna referencia al catolicismo (cuyas contradicciones le preocupaban bastante) y en la que se repite de forma hipnótica y constante la palabra ‘tit’, ‘teta’… Para ‘I’m Looking Through You’, McCartney se doblo su propia voz, creando un efecto realmente magnífico, y para la tremenda ‘In My Life’, el piano de George Martin se grabó a posteriori, al doble de velocidad, para que tomase ese sonido como de clavicordio barroco, además de tener una letra claramente biográfica de Lennon. ‘Wait’, al parecer, fue una canción inicialmente pensada para ‘Help!’ (así eran los descartes de esta banda, un tema que muchos grupos soñarían…). ‘Run For Your Life’ es el tema que cierra ‘Rubber Soul’, y es una canción que Lennon hizo en muy poco tiempo por las prisas de grabar el álbum, razón por la que nunca le gustó, sin embargo es un tema tan lleno de vida como maravilloso. Así, ‘Rubber Soul’ supuso un hito en la carrera de los Fab Tour, no sólo porque fue un álbum casi ‘orgánico’, en el sentido de que parecía tener vida propia, sino porque supuso el comienzo de una forma de hacer música de forma más o menos experimental, algo que los Beatles desarrollarían con un enorme éxito es su siguiente largo, ‘Revolver’, editado en agosto de 1966. Con ‘Rubber Soul’, The Beatles logran el respeto tanto de la crítica como del público más maduro, e incluso, logran el respeto de buena parte del movimiento underground.<br />
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'Revolver’ es, posiblemente, el álbum más importante realizado por los Beatles para su propio desarrollo musical como grupo, y es que, lejos de entrar en la cuestión de cuál era su mejor disco, lo importante es que fue un álbum revolucionario. Arrancaba, se podría decir, desde un punto iniciado por ‘Rubber Soul’, o si se prefiere, llevó las claves compositivas de éste a una dimensión desconocida por las bandas de rock hasta ese momento. La situación de los Beatles en ese tiempo era ‘cómoda’, eran los reyes absolutos del rock, e incluso, tenían buena parte del público underground rendido a sus pies, aunque les alejó considerablemente de la gente la decisión de no volver a tocar en directo. Esta polémica decisión vino como consecuencia directa de la experimentación a la que los Beatles sometían a sus composiciones. Habían comprendido que las posibilidades que les ofrecía el estudio no eran compatibles con lo que ellos podían ser capaces de ofrecer sobre un escenario. Esto ha provocado diversa literatura sobre la mediocridad de la banda como instrumentistas, algo tan absurdo que apenas merece un comentario al respecto (las líneas de bajo de McCartney han inspirado a todos los bajistas de su generación, por poner un ejemplo). Bueno, quizás sea ‘Revolver’ el mejor ejemplo para entender la arriesgada decisión de los Beatles. Este disco de 1966 es, sin duda, uno de los mejores discos de la historia del rock, y posiblemente el mejor de los Beatles en muchos aspectos, además de ser uno de esos álbumes que llegaron a influir no sólo en el sonido de gran parte de las bandas posteriores, sino también en una forma nueva de entender la música, o mejor, entender las posibilidades que un estudio de grabación podía ofrecer a un grupo de rock. La experimentación en estudio llevada a cabo en ‘Revolver’ abrió la puerta a las primeras bandas psicodélicas (Pink Floyd, los Small Faces más complejos…) y progresivas (los Soft Machine de Daevid Allen, por ejemplo…) Hubo un cambio en las composiciones, eso es indudable, una especie de maduración a pasos de gigante que en un año exacto (‘Help!’ es de agosto de 1965) los Beatles habían dado. y como ocurrió en 1965, 1966 fue un año glorioso para el rock: en Estados Unidos, Dylan graba el mágico ‘Blonde On Blonde’, The Mothers Of Invention de Zappa el seminal ‘Freak Out!’, The Byrds el ‘Fifth Dimension’ (con ‘Eight Miles High’), Simon & Garfunkel el ‘Sound Of Silence’, también es el año del ‘Pet Sounds’ de los Beach Boys, y el año en que 13th Floor Elevators, Jefferson Airplane, Love o The Mamas & The Papas graban sus respectivos discos debut… pero en Inglaterra la cosa no es menos dulce, con el ‘Aftermath’ de los Stones, el ‘A Quick One’ de The Who, los ‘Kinks Kontroversy’ y ‘Face To Face’ de The Kinks, el ‘Fresh Cream’ de Cream, o el debut de Small Faces… y realmente, entre todos, ‘Revolver’ ocupa un lugar privilegiado. ‘Revolver’ muestra a los cuatro de Liverpool en la cumbre de su creatividad. </div>
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Aunque muchos grupos de la época comenzaron a ver la importancia de las posibilidades sonoras que un estudio podía dar, fueron los Beatles los que mejor respondieron a estos avances tecnológicos. Para ‘Revolver’ (también antes para ‘Rubber Soul’) la banda consiguió que se hiciera realidad el sueño de cualquier músico: dinero, lo que significaba un estudio con los últimos avances tecnológicos y, sobretodo, un número ilimitado de horas en el estudio de grabación. Esto permitió al grupo experimentar con cada instrumento, con el equipo a su disposición y con sus propias ideas, lo que favoreció que llegaran a ‘descubrir’ ciertos sonidos que hasta entonces nunca se habían llegado a grabar (el loop, la posibilidad de grabar con cintas hacia atrás e introducir nuevas sonoridades que se podrían etiquetar como ‘efectos especiales’…), de los que los Beatles fueron, le pese a quien le pese, los inventores. Para esto, especialmente para las nuevas sonoridades, fue esencial, primero, el uso de drogas psicodélicas, pues no hay que olvidar que ‘Revolver’, como toda obra artística, hay que encuadrarla en un contexto, en este caso los meses previos, y de mayor convulsión, al Verano del Amor; y segundo, George Martin, que ayudó al cuarteto en la búsqueda y puesta en funcionamiento de tal experimentación. Es decir, ‘Revolver’ es el gran álbum psicodélico de los Beatles, porque además de sus sonidos, se encuadra dentro de una cultura cuya ideología está basada, en buena parte, en el uso y abuso de las drogas. ‘Taxman’, de Harrison, tomaba un ritmo similar al de la serie televisiva de Batman, para reflexionar sobre los impuestos, y en la que McCartney está soberbio. ‘Eleanor Rigby’ es, directamente, una de las mejores composiciones de la historia de la música popular, para la cual la banda que sólo hace las partes vocales, se acompaña de cuatro violines, dos violas y dos violoncelos, para un irrepetible estudio acerca de la soledad. O ‘I’m Only Sleeping’, de Lennon, cuyo efecto hipnótico se logró con una guitarra grabada hacia atrás, y se consigue que la música acompañe al estado anímico, cansado y risueño, de Lennon. Por su parte Harrison, escribió su primera canción para sitar, ‘Love You To’, al que le acompañaba un músico tocando la tabla y el efecto indio fue impecablemente conseguido. ‘Here, There And Everywhere’ fue inspirada a McCartney por medio del tema ‘God Only Knows’ de los Beach Boys. O la mítica ‘Yellow Submarine’, con unos efectos sonoros increíbles (burbujas en un vaso con una pajita, remover agua en un cubo para el efecto del océano, eco a la voz de Ringo simulando hallarse en un submarino…), y aunque se ha dicho que tiene un poso lisérgico, lo cierto es que parece que fue pensada, realmente, como una canción infantil. Y ‘She Said, She Said’ que, sin duda, es un claro ejemplo de uso de drogas por parte de Lennon (que habían probado por primera vez, como todos los datos parecen indicar, con el actor Peter Fonda en 1965, en California), y aunque en un principio la letra y la música eran más agresivas (con continuas referencias a un viaje ácido), Lennon terminó por suavizarla convirtiéndola en una canción de amor. Pero también son destacables las preciosas guitarras dobladas de un tema, en principio tan intrascendente como ‘And Your Bird Can Sing’, o el toque barroco (melodías basadas en piano y clave) que se dio a ‘For No One’, tan sencilla como perfecta. Y la divertida ‘Dr. Robert’, un rock bastante clásico que hablaba sobre un médico real al que John Lennon solía acudir porque le recetaba pastillas y anfetaminas sin el menor problema… La influencia de la música negra volvía a estar presente en el tema de McCartney ‘Got To Get You Into My Life’, que parece un intento de acercarse al soul, y que es favorecido por una sección de vientos. Mención aparte merece ‘Tomorrow Never Knows’, pura psicodelia, llena de efectos que no hacían sido confirmar a The Beatles como la más grande banda experimental de su tiempo… desde las numerosas guitarras que se grabaron, algunas de ellas grabadas al revés y otras con altavoces giratorios, hasta la peculiar voz con eco de Lennon (quería que sonase “como un Lama cantando en lo alto de una montaña”), pasando por los micros puestos en el bombo para dar esas percusiones tan hipnóticas, o la saturación de la cinta, para conseguir ese sonido tan peculiar que ‘Tomorrow Never Knows’ posee, que no deja de sorprender a cada escucha, y que no deja de tener puntos en común con la música clásica contemporánea. En resumen, ‘Revolver’ convulsiona el rock… las bandas de la época descubren las posibilidades del nuevo rock, nace o, al menos se hace patente, la psicodelia. Pero también se hace patente el rock progresivo para cuyo desarrollo es esencial el gran cambio experimental realizado por los Beatles. Hoy con la luz que da el paso del tiempo, ‘Revolver’ se nos muestra como el álbum de los Beatles que, junto a ‘Rubber Soul’, mejor ha soportado el paso del tiempo, un disco que nunca deja, ni dejará, de darnos alegrías. Así pues, 1966 es un año crucial en la historia de The Beatles: es el año en que cierra sus puertas The Cavern (el inicio de la odisea), dan su último concierto en San Francisco (en el que apenas tocan 20 minutos), y graban ‘Revolver’, que expone a las claras que prefieren las posibilidades del estudio al contacto del directo, pero también que la firma Lennon/McCartney no es más que una marca, pues cada uno compone temas muy diferentes entre sí, algo que se aprecia en ‘Revolver’, pero más aún en dos singles que grabarían en 1966, tras la edición del álbum: McCartney su ‘Penny Lane’ y Lennon la colosal ‘Strawberry Fields Forever’, en la que hereda, de cierta forma, las maneras de ‘Tomorrow Never Knows’, y que marcó el principio de la imposibilidad de componer juntos. Mientras ‘Penny Lane’ es un tema relajado, en principio sencillo, dominado por un piano (aunque se utilizaron seis pianos y casi una veintena de músicos de estudio), ‘Strawberry Fields Forever’ exhibe toda la grandeza de The Beatles y un buen número de posibilidades de estudio. Escrita en España (por la misma época en que Harrison se encontraba en la India estudiando y McCartney empezaba a idear la banda sonora del film ‘Yellow Submarine’), donde Lennon rodaba una película, al comienzo era un tema muy simple para guitarra y voz, pero el tema definitivo vino de grabar la canción una infinidad de veces, añadiéndole cosas para mejorarla: primero el cuarteto, al poco una sección de vientos y cuerdas con partitura de Lennon y Martin. Lennon quería cosas de las dos grabaciones principales, que estaban grabadas a distinta velocidad, y a Martin se le ocurrió ralentizar la del cuarteto y acelerar la versión de cuerdas y vientos, hasta conseguir la misma velocidad y, casualmente, el mismo tono. Hoy es considerada una de las más grandes canciones de la historia de la música popular. 1966, además, es un año especialmente importante para Lennon. Su relación con Cynthia cada vez está más deteriorada, especialmente desde que John es adicto a la marihuana, pero una vez que Lennon comienza a consumir LSD, la relación se vuelve insostenible. El LSD fue muy influyente en John, que vio como esa droga era capaz de liberar su mente e influir así en su creación musical. Paralelamente al deterioro de su relación con Cynthia, Lennon conoce a Yoko Ono, una joven japonesa interesada en el arte y la vanguardia, a la que John verá enseguida como ‘su alma gemela’. </div>
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Y llegamos a 1967. Otro año esencial… el año en que el rock está en la cumbre. Las diferencias entre Lennon y McCartney siguen agrandándose, y John comienza a componer de una forma muy peculiar, frente al piano con el periódico delante (no hay que olvidar que Lennon, desde 1965, parece querer ser un contador de historias, y el periódico cuenta, de alguna forma, la historia de una ciudad, y son en su sentido más profundo, ‘cultura popular’). Lennon comienza a escribir una canción sobre la muerte del hijo de Lord inglés, Lord Browne, y la escribe con frases sacadas de las historias del periódico… esa canción sería ‘A Day In The Life’ que, con la colaboración de McCartney en la composición (al parecer sería la última), la canción se trasforma, al menos así se puede ver, en una canción sobre la amistad de ambos. ‘A Day In The Life’ es la canción que cierra el mítico álbum ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’. El ‘Sgt. Pepper’ es un álbum casi imposible de describir. Complejo, experimental, estudio de la cultura occidental, temas novedosos, cierta conceptualidad… el disco salió de la cabeza de McCartney cuando alucinado por la fama que el grupo había alcanzado, fantaseó con la idea de grabar y girar con un nombre diferente y todos disfrazados, para pasar inadvertidos. Lo cierto es que McCartney ideó el álbum influenciado por dos escuchas de grupos californianos, el ‘Pet Sounds’ de Beach Boys y, sobretodo, el ‘Freak Out!’ de The Mothers Of Invention de Zappa, y a pesar de ello, es otro disco con vida propia, aunque lo de calificarlo como ‘disco conceptual’ sea más que discutible, al menos The Beatles intentaron dar esa idea. La portada supone otro hito importantísimo en la historia del rock, en la que aparecen medio centenar de personajes (algunos inexistentes), y un buen puñado de claves y símbolos que han dado lugar a numerosas interpretaciones y conjeturas (entre ellas, la más alocada quizás sea la que se ha denominado ‘la locura del Paul McCartney muerto’ que, por desgracia, no tenemos espacio para contar aquí). </div>
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La portada, además, representa una desjerarquización. Ahora, me voy a arriesgar con una afirmación radical: ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ es el más importante e influyente disco de la historia. Con este álbum, The Beatles consiguieron algo esencial, llevaron el espíritu, los temas y la forma de entender la música del underground al overground, o dicho de otra forma, y en palabras de Daufouy y Sarton, ‘vulgarizaron el underground’ (libro ‘Pop Music/Rock’, Ed. Anagrama, 1973). En cierta manera, a pesar de las evidentes diferencias, puede haber cierto paralelismo entre Schoenberg y la música clásica, y The Beatles y la música popular, pues si la música dodecafónica rompió las cadenas musicales que llevarían a sus últimas consecuencias otros experimentadores como Cage, el pop de los Beatles también rompió los pilares sobre los que se asentaba la música popular, y abrió el camino a nuevas bandas que hicieron de la experimentación su bandera, rock progresivo, krautrock, pero también una forma nueva de entender el pop y el rock en grupos que contarían con un apoyo importante por parte del público, de los Stones a Dylan, pasando por los Grateful Dead o Iron Butterfly. Al escuchar hoy en día ‘Sgt. Pepper’ aun sigue sorprendiendo a propios y extraños por la riqueza de las composiciones y del sonido que, hay que decirlo, se llevó a cabo con un cuatro pistas, y unas innovaciones técnicas que, si bien hoy están o pudieran estar a la orden del día, en 1967 era poco menos que impensables, o al menos, podría ser calificado de locura. Y además introducir elementos, instrumentos y sonoridades alejadas del rock, como puedan ser la música clásica, los sonidos circenses o el music hall. Además, el rock se convirtió en el principal medio de entretenimiento de la población, por encima del cine, pues aunque ya había ganado a los adolescentes, ahora empieza a ganar también a los universitarios, por las continuas referencias que empieza a haber en el pop/rock a las drogas (tanto McCartney como Lennon estuvieron continuamente colocados durante la creación del disco), a Vietnam, al Pop Art, al underground… a partir de ahí, una culturización del rock que fomenta la aparición de prensa especializada totalmente nueva. ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ se grabó durante más de 700 horas en el estudio, que se convirtió en poco menos que un laboratorio donde estudiar sonidos, un laboratorio donde The Beatles y George Martin se convirtieron en poco menos que ‘genios locos’ de esos que aparecían en las películas de ciencia ficción de los años cincuenta. Analizando cada sonido, cada silencio, todas las posibilidades, y es que no hay canción en ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ en la que no haya alguna experimentación sonora. Pero el estudio llevado a cabo por el cuarteto y Martin, no sólo afectó a los sonidos, donde todo era posible, sino también en la funda, en el orden de las canciones… todo fue sometido a un minucioso estudio para que ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ fuese entendido como una obra artística en su sentido más amplio. </div>
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Y todo arranca con ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, frenético tema rock, en la que los ingenieros de grabación decidieron enchufar las guitarras directamente a la consola de grabación, sin tener que enchufarlas a un amplificador, con lo que inventaron algo luego muy utilizado en la historia del rock, la Direct Injection. Este tema trataba de una banda de vientos que hacía rock clásico en la época del gran cambio musical de 1967. Pero también está en ese disco ‘With A Little Help From My Friends’, cantada por Ringo, y que en la voz de Joe Cocker obtuvo el número uno en una gran versión, o la polémica ‘Lucy In The Sky With Diamonds’, cuyas iniciales son LSD pero que al parecer deben su origen a un dibujo del hijo de John, Julian, donde aparecía Lucy, una compañera de guardería de Julian, en el cielo con una serie de diamantes, y el resto de la canción parece basarse en textos de Lewis Carroll al cual Lennon admiraba, y la música está continuamente variando la velocidad de la cinta para conseguir los extraños efectos que sobrevuelan la canción. O ‘Getting Better’, con piano de Martin, y Harrison a un instrumento raro que trajo de la India llamado tambora. Los músicos de estudio son los protagonistas de ‘She’s Leaving Home’, una obra maestra conducida por vientos y cuerdas, introducido por un arpa, en la línea de ‘Eleanor Rigby’, aunque algo más sencilla. ‘Being For The Benefit Of Mr. Kate’ es una obra que consiguió el encanto que necesitaba gracias a la labor de productores e ingenieros, que consiguieron un conseguido ambiente circense, amén de un buen número de experimentos en estudio (como la unión de un buen número de fragmentos). ‘Whitin Whithout You’ es el tema más oriental jamás grabado por los Beatles, que en anteriores discos ya coquetearon con estas sonoridades. Tiene un conseguido ambiente beneficiado por una sección de cuerdas, mientras que McCartney consigue con ‘When I’m Sixty-Four’ un viaje a los locos años veinte, influenciado por su padre, que tocó el piano en una banda de ragtime, música con la que Paul creció, el Music-Hall. Y así, pasando por las banales ‘Lovely Rita’ y ‘Good Morning Good Morning’ hasta ‘A Day In The Life’, una de las más grandes joyas de la música popular. Aunque en realidad son dos canciones diferentes, la primera de Lennon y la segunda de McCartney, se unieron en base a una locura que se le ocurrió a Martin, llamar a una orquesta sinfónica de 40 miembros con la idea de rellenar el espacio entre las dos canciones. Martin les dijo que debían partir de una nota muy baja hasta Mi Mayor en tan sólo 24 compases… como 40 no le parecían suficientes a Lennon, se grabó cuatro veces para dar la impresión de que allí había 160 miembros. Otro detalle curioso fue que mientras que la parte audible dura 4:36, el tema completo dura 5:03, y la razón es que Lennon quiso que, al menos en la primera edición británica, hubiera un silbato de perro, de forma que no lo oirían los humanos, pero los perros si... (algo digno del mismo John Cage). Y dentro de un artículo sobre la conversión psicodélica de los Beatles se hace necesario hablar de lo que sería su siguiente obra, ‘Magical Mystery Tour’, en realidad un EP que fue banda sonora de la película del mismo título, que fue duramente criticada por los especialistas, suponiendo la primera crítica negativa que se hacía a los cuatro de Liverpool. Con todo, la banda sonora es maravillosa.<br />
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El tema ‘Magical Mystery Tour’ alegre y pegadizo, con buenos arreglos de viento, la bonita aunque algo cursi ‘The Fool On The Hill’ de McCartney, dominada por el piano y un buen número de flautas, la instrumental ‘Flying’, la oscura e hipnótica ‘Blue Jay Way’ de Harrison… ‘Your Mother Should Know’ otro tema de McCartney basado en los años 20, influenciado por su padre, y que es un tema pegadizo y que da lugar a uno de los pilares de la obra de los Beatles, ‘I Am The Walrus’, de Lennon, liderada por el mellotron y una voz especialmente adecuada de Lennon, a lo que se sumó una partitura de George Martin para más de 15 músicos entre vientos y cuerdas que no hizo sino redondear un tema de por sí perfecto, y todo con un cuatro pistas. ‘I Am The Walrus’ es uno de los grandes temas experimentales de los Beatles, y que influyó a toda una generación de músicos, especialmente los más inquietos: Syd Barrett, Daevid Allen, Frank Zappa, Peter Hamill, Robert Fripp o Steve Howe. Tras ‘Magical Mystery Tour’, los Beatles abandonan la psicodelia como sonido clave de su obra. En su afán experimental, realizan en 1968 un doble álbum homónimo (más conocido como ‘White Album’, por su portada totalmente blanca, como si de una edición pirata se tratase) y que si bien la psicodelia solo es tocada por algún tema, y superficialmente, no así la experimentación, que se seguía desarrollando en el seno de la banda a pasos agigantados, aunque parecía que todo había sido intentado desde ‘Rubber Soul’. ‘The Beatles’ es un disco realmente complicado, posiblemente el más difícil grabado por los Beatles, aunque fue un disco con enorme éxito de ventas (de hecho fue el disco más vendido de 1968), y sin embargo se muestra como un disco caótico, desordenado; una especie de moderno collage sónico que parece grabado con temas nunca editados, y es que es el álbum de los Beatles menos orgánico que el grupo grabó, no tiene la vida propia que caracterizó el periodo 1965-1967. Se ha especulado mucho con la idea de que si los Beatles hubieran hecho un álbum sencillo, y no doble, hubiera dado origen a otra obra maestra. También puede ser visto ‘The Beatles’ como un ejemplo de ‘la locura de un emperador’, es decir, que los Beatles grabaron un álbum tan irregular y extremo como muestra de su poder dentro de la industria musical. Pese a todo, hay seguidores de The Beatles que consideran este ‘White Album’ como su favorito, incluso hay críticos que lo consideran la obra maestra de The Beatles. Debate vacío, sin duda, porque nos encontramos ante un disco que, si bien no tiene la perfecta completitud de anteriores trabajos, es una joya… es, junto con el ‘Sgt. Pepper’, el disco del cuarteto del que más se ha hablado, precisamente, por su complejidad, pero también por lo polémico de su grabación en la historia de los Beatles. ‘The Beatles’ fue el principio del fin del cuarteto. Las diferencias entre Lennon y McCartney se hacen insostenibles en el seno del grupo, Harrison está harto de presentar grandes canciones y sea continuamente ninguneado, y Starr, en el centro del triángulo, cada vez trabajará menos en el disco. En 1968 The Beatles viajan a la India para iniciarse en la meditación trascendental con el Maharishi, después de su introducción en Gales con el Maharishi Mahesh Yogi. Lo que buscaban era un paso más en esa búsqueda de libertad que habían empezado con el uso de drogas lisérgicas. La experiencia no fue tan enriquecedora como ellos habían esperado (el más contento fue Harrison), pero les sirvió, su breve estancia en la India, para tener mucho tiempo para la reflexión y la introspección, que daría lugar a un buen número de canciones. Cuando llegaron a Londres, sus diferencias eran un hecho, y ninguno estaba dispuesto a ceder canciones suyas por las de otro. La solución fue la más sencilla: grabar y editar todas las canciones. Antiguamente, en la banda, se exponían los temas y se elegían por consenso los más adecuados para el disco y su orden, con protagonismo de Lennon y McCartney, eso sí. Pero esos tiempos habían pasado. Lennon estaba harto de las baladas de McCartney, y este con la figura de divo de aquel, ambos ignoraban el talento compositivo de Harrison que, en ese momento, escribía excelentes canciones; y Ringo que incluso llegó a abandonar el cuarteto durante algún tiempo. Las diferencias entre los miembros empeoran a toda velocidad, y ya no está Brian Epstein para poner paz (murió en el viaje a la India por sobredosis de pastillas para dormir).<br />
Echando un vistazo al disco ya se intuyen algunas diferencias, desde la misma portada, sin fotos del grupo, sólo una de cada músico en el interior de la carpeta, pero no juntos. Pero también en el contenido del disco, donde se aprecia mejor que nunca la diferencia compositiva de Lennon y McCartney. Sin embargo, a pesar de la falta de unidad (principal crítica que se suele hacer al disco), sería injusto menospreciar un álbum que contiene perlas del tamaño de ‘Back In The U.S.S.R.’, ‘Dear Prudence’ (con sus incontables guitarras volando por todo el tema), o ‘Glass Onion’, por decir sólo las tres que abren el primer disco. Pero es que, recordemos, también es el disco donde aparecen ‘While My Guitar Gently Weeps’ (con alucinante solo de guitarra de Clapton), las roqueras ‘Birthday’ y ‘Why Don’t We Do It In The Road’, la salvaje ‘Helter Skelter’ (posiblemente el mejor ejemplo de hard rock que realizó el grupo junto a la maravillosa ‘I Want You (She’s So Heavy)’, del álbum ‘Abbey Road’), la excitante ‘Yer Blues’, o la maravillosa ‘Happiness Is A Warm Gun’… pero el resultado final, hay que reconocerlo, es tan variado como inclasificable. Hay temas que no están a la altura de los anteriormente citados, como alguna balada de McCartney o algún invento de Lennon (‘Revolution 9’, por ejemplo). ‘The Beatles’ fue el primer disco en el que el grupo empleó un 8 pistas, lo que ayudó a que llevasen al límite su idea de la música de estudio, es decir, si anteriormente grababan temas y los iban arreglando y mejorando, un 8 pistas les da la posibilidad de grabar y mezclar todo lo que la banda fuese capaz de tocar en el estudio (incluso los ensayos y las afinaciones). Con todo, el ‘White Album’ es un disco esencial en la trayectoria de los Beatles, que aun dejarían muestras de su genio en sus siguientes discos, especialmente en el colosal ‘Abbey Road’. </div>
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The Beatles en el periodo 1965-1968 se convirtieron en un pilar indiscutible de la cultura del siglo XX, de forma que es imposible, o al menos muy difícil, entender el siglo XX sin mencionar a los cuatro de Liverpool, y no sólo por sus logros musicales, sino también, por la influencia que han tenido en la cultura popular. Después de lo que hemos comentado, y aunque siempre se ha visto a The Beatles como un ejemplo de la ‘cultura de masas’ (lo que también se llamó ‘baja cultura’), nosotros pensamos que The Beatles supone una unión total y perfecta entre lo que se ha venido llamando ‘baja cultura’ y ‘alta cultura’, es decir, que abre el ‘arte elevado’, el que desde siempre ha pertenecido a los sectores altos de la cultura, el arte de la nobleza, al pueblo, a ‘la masa’. Así, ellos son el mejor ejemplo de ‘vulgarización de la alta cultura’, de forma que desde entonces es casi imposible defender dicha dicotomía. The Beatles fueron el gran grupo psicodélico de su tiempo, no porque fueran el mejor ejemplo de psicodelia, sino porque ellos abrieron el camino a las bandas posteriores, llevaron pautas que hasta entonces eran minoritarias y las mostraron al gran público. Además, no sólo abrieron el camino a bandas psicodélicas, sino también progresivas, ya que su experimentación musical abrió los ojos de los músicos más inquietos que vieron a raíz de The Beatles lo que un músico pop era capaz de hacer. Hoy en día, pese a quien le pese, The Beatles siguen teniendo la que posiblemente es la obra artística más importante de la música popular. Pocas veces un artista ha recibido un apoyo tan masivo de crítica y público como el que recibieron los Beatles… y hoy parece difícil que esto se vuelva a dar. La obra de los Beatles, ante todo, es un ejemplo de la cultura del siglo XX, sus discos, sus personalidades, sus sonidos, seguirán siendo un filón interminable de estudios, como lo son Picasso o Buñuel, pero su obra también es un tesoro lleno de riqueza, que tiene y tendrá enamorados, dará sorpresas y satisfacciones, durante generaciones y generaciones.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7EmtuKX1NpY4PM24HF5DH8c28FSSngJJOradGzL4VvX_i1635RdQFthKGX4cHVM0rRNeIRoyhmP9Us1iVGF3uBMR92d5e2VK9yorrJDpi2hN5tJyVEGp6sFyXrOy2y_LzT6BwLd1KToo/s1600/beatles5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7EmtuKX1NpY4PM24HF5DH8c28FSSngJJOradGzL4VvX_i1635RdQFthKGX4cHVM0rRNeIRoyhmP9Us1iVGF3uBMR92d5e2VK9yorrJDpi2hN5tJyVEGp6sFyXrOy2y_LzT6BwLd1KToo/s400/beatles5.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: black; font-size: x-small;"><i>Este artículo puede ser reproducido libremente siempre que sea sin ánimo de lucro y citando autor y fuente. </i></span></div>
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El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-74502421355040126942012-05-25T15:16:00.002-07:002012-06-19T08:54:29.307-07:00Listado de artículos (en construcción)<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
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<a href="http://a2.ec-images.myspacecdn.com/images02/139/4db7b23700e54df8bfe02523ad49d0f3/l.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://a2.ec-images.myspacecdn.com/images02/139/4db7b23700e54df8bfe02523ad49d0f3/l.jpg" /></a></div>
<b><br /> </b></div>
</div>El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-77141756276577707432012-05-25T14:44:00.002-07:002012-05-27T08:42:18.548-07:00Presentación<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
<span style="font-size: small;"> Este blog alojará el archivo de los contenidos de la web Mentes de
ácido publicados entre 2005 y 2011. Los textos se irán subiendo
poco a poco e intentaremos que sea en su totalidad, aunque hay
materiales que se han perdido con el tiempo. La idea inicial era
mantener la web en su sitio original, pero por desgracia algún hacker
aburrido ha decidido infectarnos la web con un virus. Así que hemos
decidido hacer este blog para volver a poner a disposición del público
unos contenidos que consideramos que interesarán a todos los amantes del rock de los 60/70 y su influencia en el presente. También cabe la posibilidad de que vayamos añadiendo material inédito y actual.</span><br />
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<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
<span style="font-size: small;"> Una vez más, como siempre, agradecemos de
todo corazón a todos los que colaboraron en la web con su trabajo
desinteresado. También a todos los que nos apoyaron de cualquier manera,
especialmente a los que asistieron a los cuatro festivales que
organizamos y sobretodo a los grupos que confiaron en nosotros.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
<span style="font-size: small;">Un abrazo</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
<span style="font-size: small;">Antonio.</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://a4.ec-images.myspacecdn.com/images02/146/0479e3009d824a9baf045554843977c9/l.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://a4.ec-images.myspacecdn.com/images02/146/0479e3009d824a9baf045554843977c9/l.jpg" /></a></div>
</div>El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-4800415684694156473.post-12119832055162804702012-05-25T14:38:00.001-07:002013-03-05T14:47:50.547-08:00Arte psicodélico y rock.<div style="color: black; font-family: Georgia,"Times New Roman",serif;">
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: small;"><b><i>Un artículo de Antonio Ramírez</i></b></span><br />
<br /></div>
</div>
<div style="color: black; font-family: Georgia,"Times New Roman",serif; text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: Georgia,"Times New Roman",serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzw6tOqjAWgvLsYTfmcZHAIok3PA2gpwHGf5zgsD1iS6Yzx3YHYybK6wpcw9U5_nZZHx69IoH57Gdjsa004ZhpoT41Vk-lGVC9Rl5mst7T50vDBJBK8M-He-hhQit0PggXQHNBqwzqjpk/s1600/abraxas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzw6tOqjAWgvLsYTfmcZHAIok3PA2gpwHGf5zgsD1iS6Yzx3YHYybK6wpcw9U5_nZZHx69IoH57Gdjsa004ZhpoT41Vk-lGVC9Rl5mst7T50vDBJBK8M-He-hhQit0PggXQHNBqwzqjpk/s1600/abraxas.jpg" /></a></span></div>
<div style="color: black; font-family: Georgia,"Times New Roman",serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: Georgia,"Times New Roman",serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"> <span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Desde tiempos inmemoriales existe un arte visionario que ha encontrado inspiración en las sustancias psicotrópicas. Sin embargo hasta el siglo XX no puede empezar a hablarse de una pintura visionaria enteramente profana o separada de unas raíces culturales milenarias. En las primeras décadas del pasado siglo nos encontramos al ocultista y ocasional pintor Aleister Crowley produciendo obras bajo el influjo de la mescalina o la heroina. Afirmará de sus coloristas y naifs acuarelas que son manifestaciones de lo oculto. También algunos expresionistas alemanes usaron drogas, como Ernst Ludwing Kirchner, que llegó a producir incluso grabados en madera en pleno viaje con morfina. En Francia, algunos artistas del grupo cercano al surrealismo, Le grand jeu, también buscaron inspiración en los estados alterados de conciencia. A mediados de siglo varios pintores hacen de esta relación algo sistemático, como por ejemplo hiciera Henri Micheaux con sus dibujos y escritos inspirados en el peyote y el LSD. </span></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Sin embargo, será un artista austríaco, Ernst Fush, el que verdaderamente abriera el camino de lo que con el tiempo se definió como arte psicodélico. Fush pintó sus visiones inducidas por el peyote con un detallismo y colorido inéditos hasta el momento, como si de transcripciones fotográficas se tratara. En un principio éstas serían como visiones de luz pura semejantes a formaciones cristalinas, obras que el pintor llegó a identificar con manifestaciones angélicas. Estas visiones se fueron vertiendo extensamente mediante un manierismo alucinado propio del Bosco, en pinturas, grabados y dibujos de una finura extraordinaria. Posteriormente, ya en decadencia, aunque sin dejar de juguetear con el misticismo, su obra fué adquiriendo un tono kitch muy cercano al del último Dalí -del que era amigo-. Su poderosa obra, sobretodo de su primera etapa, caló hondo y muchos artistas siguieron la estela marcada por éste definiendo, desde finales de los 60, el psicodelismo en el arte a veces con mayor y otras con menor acierto: Mati klarwein, Michael Bowen, Bill Martin, Susan Seddon Boulet, Joseph Parker, Robert Venosa, H.R.Giger, Alex Grey, etc. Como en la pintura, la influencia de las drogas psicotrópica fué filtrándose -sobretodo a medida que éstas iban sintentizándose en los laboratorios- en el resto de la cultura. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> Como ya sabemos a mediados de los 60 le llegó el turno a la música. La experimentación con marihuana y posteriormente con LSD de gente tan influyente como Dylan o los Beatles solo fue un componente más –aunque crucial- en un movimiento amplio que cubrió todo occidente. De una u otra forma mucha gente ya experimentaba en muchos sitios diferentes. Mientras los Beatles tramaban un disco tan innovador como “Rubber soul”, al otro lado del atlántico Jerry Garcia y sus nacientes Grateful Dead ya eran unos veteranos trippers que empezaban a incorporar sus experiencias en sus conciertos. La música que surgió alrededor de la experimentación con drogas intentaba expresar mediante sonidos -cada vez más electrificados- el estado de ánimo producido por éstas. Así, sea como fuere, entre 1964 y 1966 prendió rápidamente la mecha de lo que se vino a llamar el rock psicodélico, principalmente en grupos folks, garageros o beats que cambiaron drasticamente su estilo hacia derroteros nunca explorados. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> La música se fué volviendo así más agresiva y sofisticada, la temática de sus letras más libres y personales, se comenzó a experimentar en la producción -aunque con trucos que ahora pueden considerarse ingenuos-, se asumieron nuevas influencias -música oriental, jazz, etc. Toda esta época se ve ahora como una verdadera explosión de creatividad que duró hasta mediados de los 70, una creatividad en su mayor parte alentada por el consumo de drogas. De la noche a la mañana, como una repentina mutación dentro de la cultura establecida, había nacido una nueva forma de concebir la música, de hacerla y de escucharla, pues el cambio en los músicos era paralelo al de su público. Toda esta gran transformación, que se produjo en el contexto de la gran búsqueda de una nueva forma de vida, hizo que confluyeran la música y el arte de inspiración psicodélica. En retrospectiva es difícil saber que pesaba más, si el despertar de los movimientos culturales, sociales y políticos, la liberación moral generalizada, la fuerte incidencia de las drogas o un auge de la economía que permitio durante una temporada que miles de jóvenes se desentendieran “impunemente” del trabajo y las obligaciones propias de la sociedad de su momento. Seguramente todo a la vez e indivisiblemente. Pero si hay que hacer honor a la verdad, al menos en el caso que nos ocupa de la relación de rock y arte psicodélico, hay que decir que la imagen se puso claramente al servicio de la música. Si bien la música podía pretender transmitir algo de los efectos de la droga -cosa complicada- las imágenes usadas -portadas de discos, logotipos, promoción, etc- intentaban transmitir más bien la propia cualidad eléctrica y ácida de esta nueva música. Ya de por si, el rock y todos los estilos que promovió: la psidodelia en todas sus formas, el progresivo, el hard y blues rock, etc., se caracterizó desde un principio por la suma importancia del color. Tal y como si se pretendiera romper de golpe con un pasado gris, numeros grupos tenían el color como referencia para sus nombres: Deep purple, King Crimson, Pink Fairies, Pink floyd, Purple image, Golden Dawn, Red Crayola, etc. Así pues, podemos decir que de alguna manera, el rock de los 60 y primeros 70, era una música predispuesta a ser visualizada, óptima para ser vertida y simbolizada en imágenes de fuerte colorido. Aunque, como ya hemos visto, durante los 60 había surgido un arte ya concebido como psicodélico, esta alianza entre la nueva música y la imagen se dió sobretodo a través de la amplia subcultura que rodeaba el comic undeground y que, a la par, también había hecho su aparición desde mediados de los 60. Era un tipo de comic igualmente tocado por lo lisérgico y radicalmente irreverente con los tópicos al uso de un medio que por esa época ya era tradicional. </span><br />
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIXolUHeVO95n-DVfL-7aONQ1_eETyGhjaaHX_hBCBxumHm0wfnriwSJio9dDHPW-854w_Yj6AdqTSvJwXMQwFyO4HkR_83lcTjMHlo3OoOUNs-xpOxTFWcReLrudbyoQfuh77-UhavU0/s1600/comix.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIXolUHeVO95n-DVfL-7aONQ1_eETyGhjaaHX_hBCBxumHm0wfnriwSJio9dDHPW-854w_Yj6AdqTSvJwXMQwFyO4HkR_83lcTjMHlo3OoOUNs-xpOxTFWcReLrudbyoQfuh77-UhavU0/s1600/comix.jpg" /> </a></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> El comix -tal y como se empezó llamar-, fué, de por si, un importante medio de expresión y difusión de los cambios culturales y sociales que se pretendía impulsar desde los movimientos alternativos. La desvergonzada “perversión” de las estructuras convencionales de los comic books -considerados como lectura para niños- y su instauración como importante icono cultural, demostraba el talante de esta nueva cultura: desenfadada, provocadora e irreverente. Los artistas que se encargaron de crearlos cobraron repentina notoriedad y fueron una referencia imprescindible para todo el movimiento: Robert Crumb, Gilbert Sheldon, Spain, Robert Willians, etc. Así pues, con alguna excepción -la famosa portada de Mati Klerwein para “Abraxas” de Santana, por ejemplo- las imagénes más relacionadas con el rock psicodélico fué obra de dibujantes e ilustradores fuertemente influidos por la estética de los comix –o que de hecho eran autores de comix, como ocurrió con Crumb o Sheldon-. Es el caso de Roger Dean, que adquiriera fama en el Reino Unido ilustrando las portadas de muchos grupos de hard rock y progresivo - Uriah Heep, Budgie, Yes, Magna Carta, etc-, Su estética, tan propia de la ciencia-ficción o el género fantástico, parecía sacada de un tebeo. Todos estos artistas aplicaron esta estética en muchísimas portadas de discos y, sobretodo, en la cartelería de locales para conciertos, especialmente los californianos, lo que que terminó por imponerse al resto del movimiento, ya sea al uno como al otro lado del Atlántico. Así, la cartelería musical también vivió así su pequeña revolución. A diferencia de la publicidad propia de los 50 y principios de los 60 -una fotografía del protagonista y una leyenda con una correcta tipografía a modo informativo- los carteles anunciantes de locales como el Matrix o el Fillmore Auditorum mostraban en 1966 un aspecto lleno de sofistificación. En cierta medida la estética fue tomada, además de los comix, de la cartelería modernista del siglo XX -ver imagen a la derecha-, aunque llevada a sus extremos, del surrealismo, así como de la obra gráfica de Escher. </span><br />
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXUQI92s13vTWG1SXGTwiCBcS5dhvY3_sxQfFL9vX1G5uZOCPvodM0Zwl0gj43Yvw53XGwgBUm1rZlU35rY_wB7u8oF8rOcn8nKd7p96XXvSr58vlbIu9i8t-Pt1q2xCXj6pCodYjZCd0/s1600/toorop.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXUQI92s13vTWG1SXGTwiCBcS5dhvY3_sxQfFL9vX1G5uZOCPvodM0Zwl0gj43Yvw53XGwgBUm1rZlU35rY_wB7u8oF8rOcn8nKd7p96XXvSr58vlbIu9i8t-Pt1q2xCXj6pCodYjZCd0/s400/toorop.jpg" width="255" /></a></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-size: small;"> Lo estético se anteponía a la información y en algunas ocasiones lo que se anunciaba era indescifrable. Primaba la intención de deslumbrar la mirada con formas que se identificaran con la cultura psicodélica: collages con fotografías antiguas y coloreadas, diseños complicados en diferentes planos, dibujos simétricos, absurdos o sacados de los comix, que la mayoría de las veces poco tenían que ver con los grupos anunciados. La tipografía, sinuosa y fantástica, jugaba con el diseño de la imagen en el cartel, fundiéndose en muchos casos y siendo ella misma lo más psicodélico del conjunto o incluso siendo la verdadera protagonista. Pero en general, los carteles servían para transmitir, más que nada, la cualidad enérgica de la eléctricidad que salía por los altavoces, éstos eran psicodélicos al mismo nivel que lo era la propia música que anunciaban, que a la vez era casi tan alteradora de la mente como las mismas drogas que la habían inspirado. Los carteles, en su efervescencia y colorido, serían por un tiempo inseparables de la ropa chillona de los músicos o el publico y los light shows en los conciertos. Con el paso del tiempo, de forma paralela que en la música, esta estética entró en el mero cliché. Una vez apaciguada la primera ola de creatividad la “imagen psicodélica” había caído en la más burda comercialidad y era aplicada en todo lo imaginable: moda, publicidad, televisión, etc. Aunque quedó latente su supervivencia en los ámbitos underground -con cierto resurgir a finales de los 80 con el revival del garage y el rock psicodélico- es evidente que se perdió esa primera frescura tan difícil de emular. <br /><br /> Algunos cartelistas importantes:</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"> <b>Michael Ferguson</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEzStCV8zfaTRjnPSiOXimwqSbeD5MP7mKOJCGKiu3saz9_bI8XSrBDXbQ7rarUiCYv5g-YLG_s-hxSna3zSNWjBh-3revowGvWyiYxdtNASmMumfqeAm8eyVENBobv-7VvP5VbahSz9c/s1600/ferguson.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEzStCV8zfaTRjnPSiOXimwqSbeD5MP7mKOJCGKiu3saz9_bI8XSrBDXbQ7rarUiCYv5g-YLG_s-hxSna3zSNWjBh-3revowGvWyiYxdtNASmMumfqeAm8eyVENBobv-7VvP5VbahSz9c/s400/ferguson.jpg" width="293" /></a></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-size: small;"> Miembro en los seminales Charlatans, uno de los primeros grupos en ir definiendo, ya a mediados de los 60, el rock ácido, y en el caso de Ferguson también en crear la estética que posteriormente rodeó a toda esta nueva música. Autor de varios carteles dibujados a mano con un estilo abiertamente inspirado en los comix. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><b>Lee Conklin</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgPME3EsBxjzcdEbC7IbMqhZmkaTznc2gGWrsWwTO0r0AQNBg0pngLMMJ6YzXiFSGMnc5t9MpTdZXRflPFjWgppn8Xn5mXGBWDhgP9DUJl4uTfqs9h2r_OMyGcbfcZR0A_CDyyWYcGoCE/s1600/leecoklin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgPME3EsBxjzcdEbC7IbMqhZmkaTznc2gGWrsWwTO0r0AQNBg0pngLMMJ6YzXiFSGMnc5t9MpTdZXRflPFjWgppn8Xn5mXGBWDhgP9DUJl4uTfqs9h2r_OMyGcbfcZR0A_CDyyWYcGoCE/s400/leecoklin.jpg" width="262" /></a></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"> Autor también de la portada del primer disco de Santana. Muy influido por Roland Topor destaca por el uso del absurdo y el humor negro en sus dibujos. Muy reconocible por sus diseños simétricos y muy detallados de caras, figuras humanas y animales que vistos de lejos forman otras figuras. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><b>Martin Sharp</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD7jwyVXsf1x5g6bRnpNTQmyYXhJRCikc85RXKxUlUVL9fKAWPHTyXJKNyz5Z8Jk1Qd1rnOatWx8ViPa7l0Gpu-_-8J2JdmlNJa9ShvIaP27AGhQxA4eA73c5Zf98g2fRSCHD4ZzyZHp8/s1600/sharp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD7jwyVXsf1x5g6bRnpNTQmyYXhJRCikc85RXKxUlUVL9fKAWPHTyXJKNyz5Z8Jk1Qd1rnOatWx8ViPa7l0Gpu-_-8J2JdmlNJa9ShvIaP27AGhQxA4eA73c5Zf98g2fRSCHD4ZzyZHp8/s400/sharp.jpg" width="280" /></a></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> </span><br />
<span style="font-size: small;"> Ilustrador australiano que se hiciera famoso, sobretodo, por sus portadas de “Wheels of fire” y “Disraeli Gears” de Cream, y que también ilustrara el magazine underground OZ. Con collages de fotografías mezclaba dibujos realizados a mano de extrañas formas orgánicas y que ahora podríamos considerar como típicamente psicodélicas. El resultado es un maremagnum que atacan agresivamente a la vista. </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><b>Rick Griffin</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvrcbq4btvOzuS_WPNOGVixlupY375hhWcHvo10MTa6_PpTl5Jqr4dI_YtElt6g7S4vUqY5rmPsl0IkA1kXp_kgXia-ML74aUDSQkt_NBVCEm7Hvy7tkjPri69td0UCTg7M3JQqjnc_8A/s1600/griffin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvrcbq4btvOzuS_WPNOGVixlupY375hhWcHvo10MTa6_PpTl5Jqr4dI_YtElt6g7S4vUqY5rmPsl0IkA1kXp_kgXia-ML74aUDSQkt_NBVCEm7Hvy7tkjPri69td0UCTg7M3JQqjnc_8A/s400/griffin.jpg" width="282" /></a></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"> Seguramente el más famoso entre los cartelistas del rock de los 60, despues imitado hasta la saciedad en todos los ámbitos, como por ejemplo en el tatuaje. También autor de comic, en un principio consiguió la fama entre los surfistas con su personaje Murphy, para despues aplicar su inspiración en carteles de eventos tan significativos como el “Human be-in” -también llamado la “Reunión de las tribus”- celebrado en 1967, e infinidad de conciertos del Fillmore o el Avalon. También realizó la portada del “Aoxomoxoa” de los Dead. Autor de un impactante dibujo, pero sobretodo especialmente dotado para un grafismo enrevesado e hipnótico que hace de sus carteles una verdadera experiencia visual.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><b>Hapshash and the Coloured Coat</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuGl6I0-Dz9hqFUm5z-LtIE_irUzG5iOOFw4_ku4As0X10SNbHpu79vpzLGLLbAs9OO_-xQWSRgLYZh6xn8r5yHzQCx6986Bck9t6rzgyjzSjw3rZO-Q0FPEtkUMaXYDXeg2Knvo9CWeA/s1600/colouredcoat.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuGl6I0-Dz9hqFUm5z-LtIE_irUzG5iOOFw4_ku4As0X10SNbHpu79vpzLGLLbAs9OO_-xQWSRgLYZh6xn8r5yHzQCx6986Bck9t6rzgyjzSjw3rZO-Q0FPEtkUMaXYDXeg2Knvo9CWeA/s400/colouredcoat.jpg" width="272" /></a></span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: small;"> Equipo creativo inglés que se encargó de hacer muchos de los carteles del mítico local londinense underground UFO. También célebre por los carteles promocionales de grupos como Soft machine o Tomorrow. Su estética influyó mucho en el Reino Unido, quizás por ser más acequible e incluso llegando a ser, todo hay que decirlo, bastante cursi. Puede considerarse como prototipo de una estética magicista y de cuentos de hadas relacionada al pop de Donovan o grupos de psicodelia folk del tipo de la “Incredible string band”. Tambien se dedicaron al diseño de ropa, teniendo a multitud de grupos musicales entre sus clientes.</span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><br /> </span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><b>Victor Moscoso</b></span></div>
<div style="color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Trebuchet MS",sans-serif; text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqRnnoAQrWhjLb06pBfKzsYfNbJaesURYa7hk8GII9DuQMQHRhUpxPFyKIENFrrijMvL4H8vKcLPD50iLxyYs30jAI22BGviWn6TKRUbDlIDXSHP1Lq_24UgIeF2UVFw-Rodf75V4QV10/s1600/moscoso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqRnnoAQrWhjLb06pBfKzsYfNbJaesURYa7hk8GII9DuQMQHRhUpxPFyKIENFrrijMvL4H8vKcLPD50iLxyYs30jAI22BGviWn6TKRUbDlIDXSHP1Lq_24UgIeF2UVFw-Rodf75V4QV10/s400/moscoso.jpg" width="287" /></a></span></div>
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<span style="font-size: small;"> Artista especializado en el uso de colores muy vivos y de difícil combinación. Ya primera vista sus obras resultan de una fosforescencia agresiva que se identifica rápidamente con lo lisérgico, siendo uno de los artífices más influyentes de la estética psicodélica. De entre todos los carteles del momento, quizás los suyos sean los más difíciles de descifrar, ya que a veces es casi imposible separar texto e imagen. Tendente a la abstracción, puede ser considerado el más pictórico de todos, con claros homenajes a pintores como Max Ernst o Van Gogh. </span></div>
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<span style="font-size: small;"><br /></span>
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<span style="font-size: small;"> <b>Gunther Kieser</b></span></div>
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<span style="font-size: small;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhShnjtY5U-OYlzHnsLD-U0NCKY6-_EwPUc4BMgfxryUdSTUuDMTPm8ghSPni3eHZc2Ku3GVxFe0us3-xYty-eV3r71zDsss48MnsNOQZmi8hTwOY9GTGHqPfWsTSgh1_CWPuqoBtwtqfQ/s1600/kieser.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhShnjtY5U-OYlzHnsLD-U0NCKY6-_EwPUc4BMgfxryUdSTUuDMTPm8ghSPni3eHZc2Ku3GVxFe0us3-xYty-eV3r71zDsss48MnsNOQZmi8hTwOY9GTGHqPfWsTSgh1_CWPuqoBtwtqfQ/s400/kieser.jpg" width="285" /></a></span></div>
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<span style="font-size: small;"> Extraordinario artista alemán que se encargó realizar lo carteles de muchos grupos americanos o ingleses que giraban por Europa. Muy dotado para el fotomontaje o su combinación con imágenes pintadas a mano. Puede recordar un poco a los montajes del gran Daniel Gil para muchas editoriales de los 70, especialmente conocido por la edición en bolsillo de Alianza editorial.</span></div>
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<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: small;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br />Bibliografía útil: <br /><br /> “The art of rock” - Grushkin 1987. <br /><br /> “High art” - Sanctuary 1999. </span></div>
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<br /></div>
<span style="color: black; font-size: x-small;"><i>Este artículo puede ser reproducido libremente siempre que sea sin ánimo de lucro y citando autor y fuente. </i></span><br />
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<br />El quimérico lectorhttp://www.blogger.com/profile/11973796707436374133noreply@blogger.com0